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terça-feira, 9 de dezembro de 2014

Manhattan: Metropolitan Museum - The Art of the Chinese Album

This exhibition showcases the album, one of the most intimate of Chinese painting formats. The special structure of the album, in which each turn of the page is an opportunity to remake the world anew, presents unique possibilities and challenges for artists. For Dai Benxiao (1621–1693), the album was a chance to plumb the depths of a single style, like a jazz improviser testing the limits of a single musical mode. For Shitao (1642–1707), the album provided the opportunity to shock and surprise the viewer with radical shifts in perspective and subject from page to page. For Dong Qichang (1555–1636) and his followers, the album was a stage on which to display their art historical knowledge by devoting each leaf to the style of a different old master. This exhibition explores these and other ways that artists have used this format from the twelfth century to the present.

Unidentified Artist | Album of 100 Portraits of Personages from Chinese Opera (detail) | 30.76.299a–xx 

Unidentified Artist. Album of 100 Portraits of Personages from Chinese Opera (detail), 19th century.
Qing dynasty (1644–1911). Album of 50 double leaves; ink and color on silk.
The Metropolitan Museum of Art, New York, Rogers Fund, 1930 (30.76.299a–xx)
The exhibition is made possible by the Joseph Hotung Fund.
fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Exhibition Objects


How to Speak Fluent "Museum"

The best way to learn any language is total immersion. If you live in a place long enough and open yourself up to the experience, then you’ll come away not just with a new tongue, but also with the flavor of the culture in which that language is expressed. For many people, art museums feel like a foreboding foreign nation with a language all its own. Frederick Wiseman’s new documentary, National Gallery, finally offers an immersion class in how to speak fluent “museum.” Wiseman’s 39th documentary, National Gallery takes you inside London’s National Gallery to eavesdrop on the docents leading tours, spy on the early morning floor waxers, look over the shoulders of conservators, and even join executive meetings behind closed doors all in the name of learning what really happens in an art museum and how the very voice of the modern museum is changing with the times.

Just as Wiseman’s 2013 documentary At Berkeley examined issues within the field of education by focusing on one specific school, National Gallery studies culture—what it is, what it means, and why we should care—by filming one specific bastion of culture, London’s National Gallery. Wiseman, who calls himself “an enlightened amateur” when it comes to art, claims that he’s wanted to film a museum for 30 years, but other projects always intervened. Once the National Gallery gave Wiseman permission to film, he shot almost every day for 12 weeks between January and March 2012, amassing over 170 hours of footage he edited down to this 3-hour documentary. Wiseman’s crew shot “around twelve hours a day, because it’s interesting to observe events before the museum opens and then late at night also,” Wiseman explains.

National Gallery is, at its heart, a study in contrasts: between the quiet of near-empty galleries and the bustle of blockbuster, big-name exhibitions; between the hands on work of art handlers, conservators, cleaning crews, and construction workers and the hands off life of the masterpieces on the walls; but most importantly between the direct public contact of the lecturing docents and the isolated executives expressing fears of greater accessibility meaning stooping down to some lowest common denominator.

That last contrast staged a passion play performed in museum meetings around the world. National Gallery Director Nicholas Penny seems baffled and beleaguered by potential barbarians at the gates of the institution in the form of a marathon’s finish line at the foot of the gallery’s entrance on Trafalgar Square. As others in the meeting try to sell the idea of mainstream appeal and community engagement, Penny and others ask for quantifiable benefits beyond good feelings. Such good natured but adamant bottom line thinking often stands in the way of the softer science of wider appeal all around the world. You can’t help but wonder if Penny’s planned stepping down from the Director job in 2015 stems at least in part from this quandary over what the “public voice” (elevated or engaged? some tricky balancing act of both?) of the museum should be.

Juxtaposed with the muddled arguing in boardrooms, however, are the clear, accessible voices of the National Gallery’s exceptional docents. In one scene, a docent paints a verbal picture for the tour group of how a 13th century churchgoer would have perceived a piece of religious art now put out of proper context in an art museum. In another, the docent transforms the ancient Biblical story in Rubens’ 17th century Samson and Delilah into a modern spy story. She even asks the crowd to imagine themselves as a spy torn between duty and love for the enemy. Some in the board room might object to turning a Rubens into The Spy Who Loved Me, but one look at the faces of the fascinated listeners was evidence enough for me to side with engagement over elevating. The fact that both conversations were taking place under the same roof at the same time makes the debate over museums’ “public voice” all the more frustrating.

Speaking “museum,” however, always goes beyond mere words, as Wiseman’s film demonstrates. Countless shots of visitors rapt with attention before the paintings remind us of the real stars of the show. National Gallery beautifully captures the dynamic nature of what could be static images stuck on walls. “The guiding principle was to break the frame—the framing and hanging of the paintings—in order to step into the picture,” Wiseman explains. “To do so, I used an approach similar to making a film, alternating between wide shots and close-ups, and then working on the depth of field in the paintings. On film, the painting comes to life if you don’t see the wall, frame, or card to one side with the artist’s name, title, date and technical details. Then, the painting becomes an object. My aim was to suggest that the painting is alive and tells a story all of its own.” Just as the docents bring the paintings alive through verbal details, Wiseman uses photography to climb into a painting and make you “live” inside the artist’s ideas and execution.

National Gallery further accentuates the dynamism of the art through a piano performance in the galleries that becomes a soundtrack for the drama of Caravaggio’s Boy Bitten by a Lizard and other masterpieces of frozen action. Thanks to modern technology as well as the old-fashioned sister arts of music and dance, the public voice, the language of museums is more multimedia than ever, making it also potentially more accessible than ever. Wiseman concludes the film with a dance performance (shown above) in which a male and female dancer interpret the action in Titian’s Diana and Actaeon and The Death of Actaeon as the paintings themselves provide silent inspiration. Wiseman’s cameras capture the gestures of passion and pain, but his microphones capture just as importantly the sounds of scuffing shoes and physical effort from the dancers, impressing on the viewer the human physicality, the reality of the interpretation.

That final scene drives home beautifully the human element of National Gallery, which is really not about museums or art, but rather about who we are or aren’t depending on our connection to our culture. Speaking “museum” isn’t about learning a long-dead language but about learning a piece of ourselves that we cannot allow to go silent. At 3 hours, Frederick Wiseman’s National Gallery may not be an easy sell to the casual cultural consumer, but that might just be the audience most in need of this immersion language course. Near the end of National Gallery, we come face to face with a series of portraits by Rembrandt that seem even more startling for their connectivity across the centuries thanks to Wiseman’s film. The bottom line of National Gallery is that learning (and earning) the ability to see a Rembrandt that way is priceless.

[Image: A scene from Frederick Wiseman’s National Gallery. Courtesy of Zipporah Films.]

[Many thanks to Film Forum for providing me with the image above from, press materials related to, and a screening copy of Frederick Wiseman’s National Gallery. A list of screenings of National Gallery near you can be found here.]

[Please follow me on Twitter (@BobDPictureThis) and Facebook (Art Blog By Bob) for more art news and views.]

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti


Miami terá novo museu de arte em 2016

Reforçando a crescente vocação de Miami para ser a Meca da arte moderna nos Estados Unidos, a cidade acaba de receber a notícia de que ganhará um novo museu a partir de 2016. Na segunda-feira (1) foi anunciado que o recém-criado Institute of Contemporary Art (ICA) iniciará a construção de sua sede em um terreno no Design District, próximo à área de Dowtown. O projeto terá 37,5 mil square feet de espaço para abrigar exposições e coleção permanente de arte. Além disso, o projeto prevê um jardim aberto ao público, com obras de artistas apoiados pelo ICA. 

A construção da nova sede do instituto deve começar no próximo verão.
Atualmente, o ICA não cobra ingresso e ocupa um prédio também localizado no Design District, no endereço 4040 NE 2nd Avenue, Miami, FL 33137. A previsão é de que a nova sede do ICA esteja pronta para inauguração durante a edição 2016 da feira Art Basel Miami Beach.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Sarcófago de 2500 anos é aberto em museu dos Estados UnidosPor

Sarcófago logo após ser aberto pelos especialistas (AP) Depois de 2500 anos o sarcófago de um garoto de 14 anos mumificado no Egito foi aberto e deixou cientistas dos EUA com os nervos à flor da pele. O medo de destruir a relíquia, ainda bem conservada, fez com que os especialistas comemorassem demais a conclusão com êxito.


"Meu Deus do céu, eu estava realmente nervoso. Ainda bem que deu tudo certo", afirmou JP Brown, cientista responsável por comandar o processo. Qualquer erro que ele viesse a cometer poderia acabar com sua carreira. "Há sempre um risco quando se trata desse tipo de material", finalizou.

Dentro do sarcófago, a surpresa. É possível, por exemplo, ver perfeitamente o pé do adolescente mumificado. Outros detalhes, porém, foram destruídos pelo tempo e levaram à abertura do caixão. Agora, com ele aberto, especialistas deverão trabalhar para que partes cruciais sejam restauradas.

Pé da múmia está bastante conservado (AP)

Assim que a restauração for terminada, o menino-múmia passará a fazer parte do Chicago Field Museum, onde trabalha Brown. "É algo fascinante a conservação em questão, apesar da fragilidade. O objetivo é colocar ela [múmia] em uma exposição móvel, vamos ver", disse o especialista.
fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Museu londrino celebra trajetória de ícone de Hollywood Audrey Hepburn

Exposição marcará 65 anos do início de carreira de uma das mulheres mais lindas da história do cinema.
Audrey Hepburn fotografada usando um vestido
Givenchy, em 1955 (Foto: Norman Parkinson Ltd/
Courtesy Norman Parkinson Archive)

Um dos mais prestigiados museus de Londres, a National Portrait Gallery, anunciou que está preparando uma megaretrospectiva sobre a vida e a carreira da atriz Audrey Hepburn. Clique aqui para ver a galeria de fotos.

Em fotos, será possível acompanhar o início da carreira de Audrey ainda trabalhando como corista no West End, a "teatrolândia" de Londres, até se transformar em um dos ícones de Hollywood e uma das atrizes mais bonitas e fotografadas dos anos 1950 e 1960.

A exposição marca os 65 anos de sua temporada como dançarina em uma famosa casa noturna da época, o Ciro's, em que ela chamou a atenção de fotógrafos e agentes teatrais.

Ela tinha 20 anos de idade, e pouco depois começaram a aparecer convites para trabalhar no cinema. A National Portrait Gallery já começou a vender ingressos para a exposição, que será inaugurada apenas em julho

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Metrô de Estocolmo é decorado com esculturas, murais e instalações

Das cem estações da capital da Suécia, 90 exibem obras de artistas. É uma maneira que o país encontrou de tornar a arte acessível a todos.

Atualmente é preciso ser rápido e, como estão quase sempre na frente do tempo, os suecos sabem aproveitar muito bem seus espaços.

Quem usa o metrô procura eficiência, rapidez, pontualidade. Só que, em Estocolmo, o metrô vai muito além disso. Ao longo dos anos, ele vem se transformando numa enorme galeria de arte. A mais extensa do mundo.

Das cem estações, que cortam a capital, Estocolmo, 90 exibem obras de artistas suecos. É uma maneira que o país encontrou de tornar a arte acessível a todos. Todas as estações são decoradas com esculturas, murais e muitas instalações.

Em uma estação, praticamente todo o piso tem frases escritas. A brasileira Waldira, que vive em Estocolmo há sete anos, ajuda a traduzir.

Waldira: Está escrito que ‘nunca é tarde e nem cedo para diferentes pessoas’.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Cante Alentejano – património cultural, memória e futuro ( .pt )

O futuro do Cante passa pelas escolas e pelo estudo, preservação e desenvolvimento deste património único da música popular e tradicional portuguesa e, por extenso, Património da Humanidade.
8 de Dezembro, 2014 - 00:50h

A UNESCO, Organização das Nações Unidas para a Educação, Ciência e Cultura, ao anunciar, no passado dia 27 de Novembro, a classificação do Cante Alentejano como Património Cultural Imaterial da Humanidade, realçou os valores da “solidariedade e fraternidade” imanentes a um canto colectivo “feito para aproximar as pessoas”. Com efeito, a cultura, popular ou erudita, não é mais do que a expressão da vida dos homens e mulheres na sua relação com a natureza, com os outros e consigo próprios, com o trabalho, e com o lazer, através dos sentimentos e emoções transmitidas nas suas obras (de arte).

Há várias teorias para a génese do cante alentejano. Desde quem lhe atribua a origem aos judeus, aos árabes (que dominaram o sul durante cinco séculos), ao teatro tradicional, à dança medieval “carole” (com coplas cantadas pelo mestre da dança e estribilho, cantado, alternadamente, pelo coro dos dançadores) ou, na teoria mais consensual entre os etnomusicólogos, à música eclesiástica. Vitorino diz que os corais alentejanos foram influenciados pelos frades da Escola Cantorum da Serra de Ossa que, segundo o padre António Marvão, “depois de terem frequentado as escolas de polifonia clássica em Évora, no século XV, muito terão contribuído para a criação ou desenvolvimento do cante alentejano, quando se deslocaram para Serpa, onde fundaram o convento dos Paulistas e as escolas de canto popular”. 
Esta Escola Cantorum baseava-se no Fabordão do século XV, canto a duas vozes paralelas, que poderia ser extraído do Cantochão ou Canto Gregoriano, cantado em uníssono (monódico), sem acompanhamento (Fabordão Rigoroso) ou do cante profano (Fabordão Livre), e na recitação musical da salmodia em uníssono, sobre um único acorde, com uma cadência polifónica a 3 ou 4 vozes (Fabordão do Séc. XVII). 
Mas, se aquele investigador põe de lado a teoria do cante árabe, em virtude deste ser homofónico e predominantemente em tons menores e o cante alentejano ser polifónico e todo em tons maiores, não deixa de se interrogar quanto à possibilidade de os improvisos e ornatos na melodia cantados pelo Ponto (a voz que inicia a moda, cantando alguns compassos, que podem abranger metade da quadra) e pelo Alto (a primeira voz, uma terceira maior da melodia iniciada pelo Ponto, no máximo um compasso, abrindo caminho às segundas vozes do coro, os “baixões”) poderem ser “reminiscências dos milismas dos solos dos cantadores árabes”

Até meados do século XX, no Baixo Alentejo, eram as vozes das mulheres que expunham “a primeira metade da melodia, completada pela união de todas as vozes cantando em terceiras e em oitavas; seguidamente, na segunda estrofe, as mulheres retomam sozinhas a melodia; finalmente, cantando em terceiras e oitavas, por vezes em sextas, o coro repete a peça a partir do princípio”, segundo a descrição de Michelangelo Lambertini, citado por J. Ranita da Nazaré, in Música Tradicional Portuguesa – Cantares do Baixo Alentejo. Com a mecanização dos trabalhos agrícolas, as “modas” passaram a ser mais cantadas nas tabernas, onde raramente entravam mulheres, e os grupos foram-se masculinizando. Mas as mulheres resistiram e continuaram a cantar na vindima, na apanha da azeitona, nas festas e convívios, e nos anos 80 formaram-se vários grupos corais femininos.

Outro mito, a par do Cante como polifonia de homens, é o canto puramente “a capella”, quando na verdade, até há pouco tempo, o Cante Alentejano era, por vezes, acompanhado pela viola campaniça, esse singular cordofone de arame que, em 1962 chegou a ser dado como extinto pelo etnomusicólogo Ernesto Veiga de Oliveira.

Hoje, como se pode ver nesse maravilhoso e emocionante documentário de Sérgio Tréfaut, “Alentejo, Alentejo”, há imensos jovens a dedicarem-se, de alma e coração, ao Cante, aliando as modas tradicionais ensinadas pelos mais velhos a novos temas da atualidade social, mas sempre sem perder o carácter lírico e sentimental do Cante Alentejano, herança árabe, por certo.

O futuro do Cante passa pelas escolas e pelo estudo, preservação e desenvolvimento deste património único da música popular e tradicional portuguesa (tão maltratada por contrafações “pimbas” promovidas por algumas estações de rádio, televisão e outros veículos da ignorância e alienação coletiva) e, por extenso, Património da Humanidade.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti  Carlos Vieira 

Musée Aeroscopia : visite en avant-première

Aéronautique - Blagnac (31) - Exclusif 

Le gigantesque Super Guppy sera transformé en cinéma./Photos DDM, Frédéric Charmeux, David Bécus et Airbus Heritage.

Mardi, un deuxième Concorde et la Caravelle arrivent au musée Aeroscopia, qui ouvrira le 14 janvier. 110 000 visiteurs y sont attendus chaque année. La Dépêche du Midi a pu visiter le site, en cours de finition.

Trente ans que des milliers de passionnés, réunis au sein de neuf associations, attendent ça. Le musée de l'aéronautique de Blagnac ouvrira le 14 janvier. «On va dessiner l'arbre généalogique d'Aérospatiale et d'Airbus» indique Bernard Keller, le maire, qui, en 2010, a réveillé un projet longtemps en sommeil. En réduisant la voilure d'un tiers. Visite guidée.

Le hall d'accueil est aussi spacieux (1500 m2) que lumineux. A la billetterie, on choisira entre l'usine de l'A 380 voisine (150 000 visiteurs par an) et Aeroscopia (le ticket adulte sera autour de 10 €). Un pass commun sera bien sûr proposé.

Dans l'espace détente, le design est aérien. Des fauteuils, on admire le lac attenant. Une voix suave annonce l'embarquement. Bienvenue à bord d'Aeroscopia. Après un ciel étoilé, le sas d'entrée affiche des repros de toiles de machines volantes, dont un Léonard de Vinci.

Une vaste mezzanine de 800 m2. surplombe les trois points forts du musée : l'énorme cargo, le Super Guppy, l'A 300 B, avion fondateur d'Airbus et le mythique Concorde. Une quarantaine de maquettes pourtant respectables paraissent bien petites. Derrière soi, une fresque historique de 58 mètres de long et 3 mètres de haut. Les bénévoles de l'Aérothèque ont consacré 3 ans à tout synthétiser, du Muretain Clément Ader aux derniers Airbus. Des écrans tactiles et des vidéos égayent des textes courts et didactiques, illustrés de photos et dessins. Chauve-souris rigolote, la mascotte Scopi initie des petits jeux fréquents.
Pour tous les publics

On rentre dans l'ancêtre du Béluga. La gueule béante, le mastodonte va absorber 19 passagers le temps d'un film de 9 minutes. Par une passerelle, on intègre le premier modèle de la saga Airbus, un quadra repeint aux couleurs d'origine. L'intérieur transparent dévoile la soute, des kms de câbles électriques et de tuyaux. «Tout ce qu'on ne voit jamais quand on prend l'avion» résume Vicenta Molinéro, responsable promotion de Manatour, l'exploitant du site. En cours de finition, la cabine sera divisée en trois parties. Une «vintage», type seventies. Séquence nostalgie. Une autre plus actuelle, mode business. Et une «corporate jet», celle des plus fortunés : salles de réunion, à manger, chambre, minis cuisine et salle de bains. Un pont plus loin, on se serrera dans le Concorde n°1. Cet avion d'essai (il reste les notes manuscrites du dernier ingénieur navigant) a aussi transporté les présidents Pompidou, Giscard et Mitterrand. Rien de luxueux. Des vitres éviteront les larçins-souvenirs.

Dans la fosse, on sera nez à nez avec une trentaine d'avions de toutes générations, civils et militaires, dont un Falcon et une Corvette d'affaires. Quatre seront suspendus à l'incroyable charpente de tubes métalliques. On se sent lilliputien sous les ailes du Concorde, au pied du train d'atterrissage ou des réacteurs de l'A 300 B. On pourra flâner dans six îlots thématiques, ludiques et interactifs. Sans prise de tête. «On s'adresse à tous les publics, familles, néophytes et passionnés. Chacun y trouvera son compte» assure Vicenta Molinéro. On ressort par la boutique, et ses 800 références sur 200 m2. Fin du voyage.
21,5 Millions investis, l'A 400 M et l'A380 en approche

La création du musée coûte 21, 5 M€ dont 39 % à la charge de la ville de Blagnac. Toulouse Métropole (5 M€), la Région, le Département sont les autres gros financeurs publics. Airbus apporte 3,5 M€, avec un fort coup de pouce administratif et matériel : le don, la réhabilitation et le transfert d'avions… Un Messerschmitt 109 va être exposé huit mois. Le musée aura aussi l'un des deux seuls simulateurs de Concorde au monde. Mardi, la Caravelle et un deuxième Concorde seront installés à l'extérieur. En attendant un A 400 M, au printemps 2015 et surtout sa majesté l'A 380. Un exemplaire d'essai a été réservé, mais sa taille et son poids nécessitent des travaux spécifiques de voirie d'1 M€ ! En 2016, la ferme de Pinot voisine abritera un auditorium, un restaurant et des salles pédagogiques…
Le chiffre : 7 800

M2 > d'exposition. Le hall intérieur fait 7000 m + 800 m2 de mezzanine. Il mesure 143 mètres de long, 72 de large et 23 de hauteur. À l'extérieur, 260 places de parking (sans compter les emplacements bus, camping-cars et deux roues) attendent les 110 000 visiteurs escomptés chaque année (200 000 avec les chaînes de l'A 380).
Jean-François Lardy-Gaillot
Aeroscopia : visite guidée en avant-première 14

L'Autriche ouvre un musée "Kindertransport"

10.000 enfants juifs ont été envoyés en Angleterre juste avant la 2de guerre mondiale pour les protéger 

wikipédia"Mémorial au "Kindertransport" en Pologne"Le premier musée permanent sur le sauvetage de 10.000 enfants juifs ouvrira mercredi à Vienne à l'occasion du 76e anniversaire de cette opération.

Baptisée "Kindertransport" ("transport d'enfants" en allemand), cette opération a consisté à évacuer vers l'Angleterre des enfants juifs, 9 mois avant la déclaration de la Seconde guerre mondiale.

Les enfants en provenance d'Allemagne, d'Autriche de Tchécoslovaquie et de Pologne​ étaient envoyés par les parents pour les protéger des persécutions antisémites et de la déportation.

Elle a été autorisée par le Premier ministre britannique de l'époque Neville Chamberlain, 5 jours après la nuit de Cristal. Le dernier bateau a quitté les Pays-Bas en mai 1940.

Le musée "Pour l'enfance" rend hommage aux personnes qui ont participé à l'organisation de cette embarcation.

Il est situé dans un bâtiment sur Radetzkystrasse, où les Nazis plaçaient les familles juives avant leur déportation.

Le musée expose des photos et des objets personnels –livres, poupées, habits- autant de témoins du parcours de ces enfants et qui ont été rassemblés par les curateurs du musée Rosie Potter et Patricia Ayre.

Le projet a été rendu possible grâce à la création en 1991 de l'association "Kindertransport" composée des enfants survivants et de leurs descendants et au soutien de 5 mécènes.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Musée Van Gogh d’Amsterdam : lumière tamisée pour chefs d’oeuvre en péril

Les jaunes, les bleus, …, les couleurs des oeuvres de Van Gogh s’altèrent avec les années. Exposition au soleil, à la lumière artificielle, oxydation à l’air, vernis ajoutés après la mort du peintre… Autant de paramètres qui expliquent que les Van Gogh se ternissent, s’assombrissent, ne soient plus aussi éclatants qu’au premier jour.

Le Musée Van Gogh d’Amsterdam tente de trouver des solutions, et de recréer virtuellement les couleurs d’origines de ces chefs d’oeuvres du 19e siècle.

“Nous tentons de revenir en arrière, pour voir à quoi ressemblaient les tableaux à l’origine mais aussi d’extrapoler l’avenir de ces peintures, de mesurer par exemple les conséquences ce que les restaurateurs font, comme enlever un vernis ou tout autre traitement”, explique l’expert Eric Potsma de l’ICT de Maastricht.

Les tableaux de Van Gogh comme “Champ de blé aux Iris près d’Arles” perdent leurs pigments rouges. Le violet des iris qui avait séduit le peintre disparaît peu à peu. Et après des mois de traitements, la seule solution dans l’immédiat semble être de diminuer la luminosité des salles du musée, voire de réduire le temps d’exposition des oeuvres.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Museos: Nuevos Negocios · en CULTURA, INSTITUCIONES, OPINIÓN. ·

“Un céntimo ahorrado,
es un céntimo ganado”.
Benjamin Franklin

La forma en la que la gestión de los museos se entiende como administraciones de empresas, que trabajan no para los visitantes, sino para clientes, implica la definición de nuevos objetivos y la asignación de nuevas funciones. Entre los primero objetivos, está la de generar fidelización, tener clientela fiel y habitual, condición fundamental para que el museo-empresa prospere. El segundo objetivo muy importante es, sin dudarlo, alcanzar cotas de rentabilidad exigibles – o ligeramente inferiores – a la de cualquier otra actividad productiva. Lisa Denninson, ex-directora del Museo Fundación Guggenheim de Nueva York, dice: “Actualmente, muchos directores de museos salen de las “business schools”-. Los museos se están convirtiendo cada vez más en simples negocios”. 
Nosotros podríamos añadir: ¿Nos lo dices o nos lo cuentas Mrs. Denninson? Los museos en general, ya no solo se sitúan en su contexto cultural y educativo, sino que son entidades que están al pairo de la oferta y la demanda, acuciados por balances contables, ajenos a la subvención, inmersos en las idas y venidas de los mercados, luchando por ser financieramente competitivos, sin aplanamientos, estando por encima de otras muchas opciones de ocio, con la obsesión de ser un reclamo solvente, pero alejándose de su naturaleza como guardián de la memoria y del conocimiento.

Collage de Rodrigo Torres

Una vez ha irrumpido la llegada de los nuevos tiempos, también para los museos, solo falta observar hacia donde se dirigen. Si la rat race museística continua incluso bajo la presión a la que están sometidas la mayoría de estas instituciones, sobre todo las públicas, casi seguro las públicas y además locales, desaparecerán. Los museos privados que dependen de fundaciones, tienen a patronos con el cuchillo entre los dientes, exigiendo rentabilidad a sus gestores o administradores, reclamando beneficios: económicos, políticos y de imagen, y así siguen su curso mal que bien. El visitante, consumidor de ocio, exige entretenimiento en su tiempo libre, buscando satisfacciones inmediatas a cambio de su dinero, y muchas veces son exigencias que están relacionadas con la singularidad, la espectacularidad y la excepcionalidad. Existe un buen número de museos que están entregados al glamour como ejercicio de posicionamiento, rendidos a las tendencias, sin atender ni por un minuto al concepto del museo universal, es decir, un bien todos los públicos. El precio de las entradas que hay que pagar para entrar en muchos de ellos los convierten en productos de élite, y más con los tiempos que corren.

Moneygami de Hasegawa Yousuke

Además, la lucha de egos y vanidades en este mundillo mercantil está a la orden del día, lo sabemos muy bien, lo vemos constantemente. Entre tanta lucha intestina es muy difícil poder evolucionar con naturalidad. Es algo que fácilmente costatable si se nos ocurre proponer a uno de estos museos corporación, por ejemplo, una acción de gran repercusión educativa, pero sin beneficio, logrando así que te señalen la salida por la puerta de atrás. Este es el problema, se han olvidado de lo que son, o mejor dicho, de lo que deben ser en realidad y a quien deben servir. Se está acabando con el concepto del museo como guardián del patrimonio, y eso es muy grave. Ellos se justifican por el esfuerzo que están obligados a hacer para mantener su gasto: el publicitario, sus eventos, nuevas exposiciones, innovaciones tecnológicas, renovación de instalaciones, etcétera. Es la pescadilla que se muerde la cola, pero sobre un enunciado que no creemos que sea el apropiado. Toda esta maquinaria de gestión implacable acaba con la visión romántica del museo, ese que es nuestro lugar de contemplación, reflexión y aprendizaje sobre testimonios del pasado, presente y también la visión del futuro.

Archivo EVE

El modelo neoliberal se impone también para los museos, manteniendo de continuo la cantata esa que viene desde la administración central de lo del show me the money, y luego, ya hablaremos. Lo primero es lo primero. La idea de defensa del patrimonio, de nuestro patrimonio, se convierte en utopía; la voracidad mercantilista lo está arrasando todo, condenando a muchas iniciativas de gran valor social a la marginación y al olvido. Los ecomuseos,por ejemplo, se encuentran asfixiados por la ausencia de ayudas, al borde del cierre, condenados a ir desapareciendo progresivamente. El management arrincona las funciones tradicionales asignadas a la institución museística, imponiendo criterios orientados a la administración y beneficio económico, con la justificación de que el poco dinero público que queda después de rescatar multimillonariamente a los bancos, no llega para ayudar a los museos públicos. No hay un punto de equilibrio que se pueda aplicar para salvar así a los menos favorecidos por el márketing, el new management, para aquellos que son ajenos al establishment, que defienden la idea tradicional del museo como enseñante y defensor del patrimonio. Nosotros creemos que sí, que hay término medio, pero hay que ayudar a que estas instituciones, fundamentalmente locales, para que puedan respirar un poco con la ayuda imprescindible de la administración central*. No pueden sobrevivir sin ayudas estatales, y eso es algo que hay que la sociedad también debe exigir a los políticos si aun creemos que los museos son un valor definitivo para acercar la cultura a la sociedad y transformar así utopías en realidades al alcance de todos.

(*) Una tabla de salvación para los museos siempre ha sido el dinero de patrocinadores. En este año 2014 que está a punto de terminar, el patrocinio (En España) ha caído en un 80% comparado con las cifras de 2013.

La mamarrachada utilizada como foto principal y en redes sociales: The Hugo Boss Prize 2010: Hans-Peter Feldman’ At The Guggenheim