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terça-feira, 27 de janeiro de 2015

National Museum of Lithuania

The National Museum of Lithuania is the largest repository of the Lithuanian cultural heritage. It is also the oldest museum of Lithuania, whose history goes back to the Vilnius Museum of Antiquities established in 1855 in Vilnius. The aim of the National Museum of Lithuania is to collect, preserve, conserve and popularise valuable objects of Lithuanian archaeology, history and ethnic culture.

The National Museum of Lithuania is open to everyone wishing to expand their knowledge and understanding of the history and culture of Lithuania.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti


V&A in row over self-censorship after Muhammad image is taken down - Poster removed from museum website – but scholars of Islamic art fear ‘terrible loss for shared global heritage’

The Victoria and Albert museum has attempted to conceal its ownership of a devotional image of the prophet Muhammad, citing security concerns, in what is part of a wider pattern of apparent self-censorship by British institutions that scholars fear could undermine public understanding of Islamic art and the diversity of Muslim traditions.

The Victoria and Albert museum is one of a number in the UK whose collections contain images of Muhammad. Photograph: Alamy

Warning: this article contains the image of the prophet Muhammad, which some may find offensive.

Similar images have been shown in exhibitions across Europe and America without prompting outrage, much less protests or a violent response. Made by Muslim artists for fellow Muslims, they come from a long but often overlooked tradition.

British museums and libraries hold dozens of these images, mostly miniatures in manuscripts several centuries old, but they have been kept largely out of public view. Fear of displaying them is apparently driven by controversy about satirical or offensive portraits of Muhammad by non-Muslims, despite the huge difference in form and purpose.

When the V&A was asked if it held any images of Muhammad after the attack on the French satirical magazine Charlie Hebdo, it said there were none. A US expert later provided a link to a poster in its collection, with the inscription “Mohammad the Prophet of God”. That page in the database was deleted last week, but can still be found in a cached version. A spokeswoman said their original response was “an honest error”.

“Unfortunately we were incorrect to say there were no works depicting the prophet Muhammad in the V&A’s collection,” a spokeswoman, Olivia Colling, said in an email, adding that the image had subsequently been taken down because of security concerns. “As the museum is a high-profile public building already on a severe security alert, our security team made the decision that it was best to remove the image from our online database (it remains within the collection).”

The museum has many items that are not on display but form an important part of its educational and cultural mission. Colling declined to say whether the museum had consulted Muslim communities about who might consider the image offensive, or whether it had received any threats directly related to the poster, created in Iran around 1990.

There was not a single complaint when another contemporary Iranian image of Muhammad was included in a 2013 exhibition in the Tropenmuseum in Amsterdam, hung next to a Christian icon, as part of an exhibition on cross-cultural encounters.

“We knew it might be controversial, but decided to take the risk because the story is important to tell,” said Mirjam Shatanawi, an Islamic art specialist and the Tropenmuseum’s curator for the Middle East and North Africa. “These images are a real eye-opener, a powerful example of Islam being different and more diverse than many imagine.

“If Muslims feel offended by images made by other Muslims out of reverence for the prophet, I’m not sure if the museum should decide not to show them. It seems like choosing one interpretation of Islam over the other. These images are not made to disrespect but – on the contrary – to honour the prophet.”

The Muslim Council of Britain declined to comment on whether it considered the images offensive, or whether it would object to their display.

Other British institutions with images of Muhammad in their Islamic art collections show some on websites, but have shied away from exhibitions. Edinburgh University Library last year celebrated a manuscript that contains many images of Muhammad, but none was included in the display. The university declined to say why.

The poster owned by the V&A shows an Iranian artist’s view of Muhammad.Photograph: PR

“There is no artistic reason whatsoever why those folios should have been left out,” said Christiane Gruber, an expert in images of the prophet at the University of Michigan. “The paintings of Muhammad are superb and form a significant part of the manuscript’s pictorial programme. I worry that our institutions of culture and learning are muting these significant Islamic works of figural art due to a variety of fears. This is a real shame and a terrible loss for our shared global artistic heritage.”

The British Library included one image of Muhammad in its 2007 Sacred exhibition, but his face is veiled. None of the other UK libraries and museums that hold pictures of the prophet could provide details of any time they had been on public display.

New York’s Metropolitan Museum of Art features one in its Islamic art galleries, and several were shown in Paris at the Bibliothèque nationale de France in 2011 with no negative response.

“As a historian of religion, I think it is very important to put such images on display. They provide valuable information about the richness of Muslim devotional life,” said Ingvild Flaskerud, an expert on Shia devotional culture at the University of Oslo. “By not displaying the images, we give privilege to certain understandings of Islam and marginalise others. This is not simply a scholastic issue; it is also a democratic matter.”

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Tate Reveals Surprisingly Low Sum of BP Sponsorship Deal

After years of legal wrangling, the Tate museums group has finally disclosed the details of its sponsorship agreement with oil company BP. The information includes figures from the years 1990–2006, over which time BP gave the institution between £150,000 and £330,000 (~$225,800–497,550) annually, adding up to a total £3.8 million (~$5.7 million). The numbers, which were released today by the arts and activism organization Platform London, are much lower than some observers expected.

A photo from “Hidden Figures,” Liberate Tate’s most recent performance intervention at Tate Modern, referencing Kazimir Malevich’s “Black Square.” (photo via Liberate Tate/Facebook)

Platform London has been battling together with public interest nonprofit Request Initiativeand the law firms Leigh Day and Monckton Chambers for three years to get Tate to disclose the BP details, under Britain’s Freedom of Information Act. After a series of requests, redacted disclosures, challenges, and appeals, an information tribunal decided in December that Tate needed to reveal the figures, giving the institution 35 days to do so. The deadline was today.

The numbers show that BP’s sponsorship of Tate began at £300,000 in 1990, but quickly halved in size the following year. The sum didn’t increase again until 2000, when BP gave £250,000, and two years later jumped to £330,000, where it remained until 2006. Platformput the BP numbers in context as percentages of Tate’s “self-generated income (including trusts, trading, donations, sponsorship, other)” and total income during those years. In both cases, the percentages were small for almost the entire 16-year period. In 2006–07, BP money accounted for 0.740% of Tate’s self-generated income and 0.437% of its total income.

“The figures are embarrassingly small — even less than we expected,” Anna Galkina of Platform London told Hyperallergic. “What’s also surprised me is that BP’s share in Tate’s self-generated income has fallen from 17.6% in 1990 to less than 1% in 2000 and has stayed low since then. This means that Tate could now easily do without BP — and refuse to give oil the cultural credibility that lets BP continue trashing our climate and devastating communities.”

The newly disclosed documents also include minutes from an Ethics Committee meeting in 2010, which reviewed BP’s Tate sponsorship. In them the committee acknowledges:

Tate has taken a public stance on sustainability and is arguably the cultural institution most in the public eye in the UK. In light of this the reputational risk to Tate of retaining BP as a partner is significant.

But offers the counterargument:

Taking a moral stance on the ethics of the Oil and Gas sector remains outside of Tate’s charitable objectives.

And ultimately concludes:

The Executive view is that currently the benefits of BP’s support for Tate far outweigh any quantifiable risk to our reputation.

Those protesting the Tate-BP deal naturally disagree. Jane Shellac, a member of the art collective Liberate Tate, which has staged a number of actions and interventions at the museums about this issue, wrote the following to Hyperallergic over email:

It’s been very convenient for Tate to maintain a discourse that its hands are tied, that in the current tough climate for arts funding it would be far too challenging for it to drop BP sponsorship. But the smallness of the sums involved relative to Tate’s huge operating budget clearly demonstrates that Tate is choosing to maintain this sponsorship relationship at great detriment to the credibility of its ethics.

Tate is clearly suffering from an institutional inertia of over 20 years of BP sponsorship, not helped by having the ex CEO of BP John Browne as the chair of its trustees. The public is no longer fooled into thinking BP sponsorship is in any way essential to the arts, so it’s high time that Tate acted in a way that was coherent with its sustainability policies and cut its ties with BP. The average gallery goer does not want to be made complicit in the destruction wrought by tar sands extraction in Canada, and the devastation that’s still being felt along the Gulf Coast, through the association of BP with their Tate experience.

Tate seems committed to maintaining its ties with BP — which is the art institution’s longest-running sponsor — for now, at least. According to the Guardian, the institution issued a statement today commenting on the release, saying “the figures represented ‘considerable funding’ and that BP was ‘one of the most important sponsors of the arts in the UK.'” Hyperallergic reached out to Tate for comment but has not yet received a response.

Galkina, meanwhile, said the next step in the campaign will be to get Tate to disclose the more recent BP sponsorship figures, since 2007. “What we need is a movement of cultural institutions and professionals going beyond oil,” she said.

fonte:@edisonmariotti #edisonmariotti

Meet Australian who built a museum from gambling money

Remarkable Museum of Old and New Art, funded by Tasmanian punter David Walsh, brings in tourists from across the world.

David Walsh's Museum of Old and New Art (MONA) - and it is his museum - is dug into a cliff, underground, like a lair. Outdoors, on its roof, is a tennis court where Walsh likes to play.

The two car parking spaces nearest the entrance are reserved for him and his wife. I know this because they're labelled "God" and "God's Mistress".

Before I met him, I already knew Walsh had an ego. Or a sense of humour. In fact, he has both.

Arguably, however, Walsh tells me during an hour-long interview, he's a "complete waste of space".

He's made tens of millions of dollars, but not from creating or producing anything, or doing anything valuable.

He made his millions gambling. That created guilt. And from that guilt came MONA.

Walsh has now created. In fact, he's produced something very special.

To talk to Walsh is to get a glimpse into his mind. It is an unusual one: not many people are suited to the discipline necessary to apply maths, and science of probability, to anything a gambling market covers.

Walsh has spent 30 years crunching data, looking for where there are discrepancies between odds offered, and the likelihood of an event occurring.

"The principle is exactly the same whatever you bet on. If the odds of the event are more likely than the payoff, in the long run you’ll win," he says.

Walsh talks about his museum in the same mathematical terms. The probability, he says, was that it would fail. Most museums do; and he didn't really know what he was doing.

But that very ignorance - that freedom - is key to his museum's success.

Today, it's the most popular paid-for tourist attraction in Tasmania and it has made an important financial contribution to the island-state's economy.

That has surprised and pleased Walsh, he says, but he claims no credit. It wasn't intended, he says, so to accept praise would be disingenuous. 

Regardless, against all the odds, Walsh has become Tasmania’s favourite son.

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fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Biblioteca do Museu Republicano dá início ao Projeto Memória Oral

O objetivo é coletar depoimentos sobre o local

Projeto Memória Oral da Biblioteca do MRCI-MP/USP

A Biblioteca do Museu Republicano “Convenção de Itu” (MRCI-MP/USP), extensão da Biblioteca do Museu Paulista, integra oficialmente a Instituição a partir de 1995 quando da nomeação de sua primeira bibliotecária. Entretanto, suas origens antecedem cerca de uma década, e podem-se registrar iniciativas para sua criação, a partir do ano de 1986, por ocasião da reabertura do edifício histórico do Museu Republicano, após oito anos de fechamento para trabalhos de restauro.

Em 2015 completa-se vinte anos de trabalho ininterruptos, e a biblioteca do MRCI-MP/USP se consolidou como espaço de referência para a população local e regiões vizinhas, no que tange a informações sobre História e Cultura Material da sociedade brasileira, com ênfase no período entre a segunda metade do século XIX e a primeira metade do século XX. Através de seu atendimento especializado, firmou-se como espaço de produção e geração de conhecimento para inúmeros estudantes, professores, artistas, jornalistas, entre outros pesquisadores que aqui encontraram acesso às ferramentas para desenvolvimento de suas pesquisas, fossem elas acadêmicas ou não.

Toda a trajetória da biblioteca tem sido registrada através de relatórios anuais que, pela característica do documento, nem sempre é capaz de isoladamente revelar os esforços, emoções, alegrias e dissabores dessas duas décadas. E para complementar essa lacuna de informação, a Biblioteca dá início no mês de fevereiro ao Projeto Memória Oral da Biblioteca do Museu Republicano “Convenção de Itu” – MP/USP, parafraseando iniciativa semelhante da Biblioteca Mário de Andrade (SP).

Serão coletados depoimentos orais de vinte pessoas, entre usuários, funcionários e ex-funcionários do próprio Museu, que tenham, de alguma forma, ligação com a Seção de Biblioteca e possam comunicá-las para registro e acesso ao público. A biblioteca entende que o projeto deve assegurar e preservar as impressões dos entrevistados que resultarão em banco de registro da cultura material e imaterial da instituição e o interesse dos estudantes, potenciais usuários ou, quiçá, futuros curadores de acervos igualmente importantes.

Ao possibilitar que diferentes vivências e perspectivas sejam narradas e reunidas em um grande acervo de fontes orais, o projeto de memória oral da Biblioteca busca erigir uma história comum de modo a contribuir para que os sujeitos que dela participaram - no dia a dia de trabalho ou como espaço de formação – sintam-se protagonistas de seu tempo e espaço social.

Os interessados em compartilhar suas memórias e impressões sobre a Biblioteca podem entrar em contato enviando mensagem para o e-mail ou pelo telefone (11) 4023-2525 – ramal 04.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Museu do Oriente dá as boas-vindas ao Ano da Cabra

Para assinalar a mais longa e importante festividade do calendário lunar – o Ano Novo chinês, celebrado a 19 de Fevereiro –, o Museu do Oriente promove, de 9 a 16 de Fevereiro, várias iniciativas para toda a família.

Desde a Lua Nova, que marca o início do ano, até à Lua Cheia, os festejos multiplicam-se. Ao 15º dia, correspondente à noite de Lua Cheia, decorre o Festival das Lanternas que marca o encerramento das comemorações de entrada no novo ano. A 9 e 16 de Fevereiro, o workshop «Lanterna – Tradição e Arte» ensina os participantes a construir e a decorar a sua própria lanterna.

No sábado, 14 de Fevereiro, uma oficina de contos para famílias dá a conhecer as lendas e histórias associadas ao Ano Novo chinês e, no ateliê para crianças – «Lai-si! Da China para ti!», descobre-se a tradição de oferecer envelopes vermelhos durante esta festividade. 

Ainda no dia 14, realiza-se uma oficina de recorte de papel em que participantes de todas as idades podem aprender técnicas para criar as mais variadas decorações. Na China, durante a preparação para a celebração do Ano Novo, ornamentam-se as casas com recortes de papel ou jian zhi, acreditando-se que trazem sorte, prosperidade e riqueza para os tempos vindouros.

No domingo, 15 de Fevereiro, é a oficina para famílias «Dragões que dançam» que traz ao museu esta criatura fantástica, símbolo de riqueza, dignidade, sabedoria e portadora de boa sorte. A partir de diversos materiais, incluindo embalagens e material reciclado, os participantes vão construir dragões para depois interpretar a célebre dança.

Também no domingo, na oficina «O ano novo lunar em xilogravura», os participantes vão poder aprender e experimentar mais uma prática típica associada ao Ano Novo chinês. Mais conhecidas por nianhua, estas xilogravuras eram coladas nas paredes ou portas das casas para proteger os seus habitantes ao longo do ano. Produzidas nas vilas e aldeias, por artesãos, representavam divindades, contavam histórias populares sobre personagens míticas, continham mensagens auspiciosas e passavam valores confucionistas.

O Museu do Oriente dá assim as boas-vindas ao Ano da Cabra, mecenas das artes, que desperta a criatividade, a reconciliação e a introspeção.

Todas as atividades requerem marcação para serviç ou 213 585 299.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Le Centre Pompidou s’associe à un musée privé chinois

Today Art Museum de Bejing, le premier musée privé chinois, a récemment annoncé une première coopération avec le Centre Pompidou basé à Paris, célèbre lieu artistique de niveau international.

"Nous souhaitons pouvoir collaborer avec des musées internationaux de haut de gamme comme le Centre Pompidou afin de développer conjointement l'art et les marchés dérivés. L'objectif de Today Art Museum étant d'étendre son industrie et d'améliorer son «goût» pour une norme international", a déclaré Pei Jinmei, président du groupe.

Avec le Centre Pompidou comme partenaire, le musée de la capitale va pouvoir explorer un nouveau marché potentiel crée par l'appétit grandissant de la Chine pour l'art classique.

Lors d'une conférence de presse qui a eu lieu ces derniers jours à Beijing, le président chinois a souligné que les deux parties organiseraient des réunions fréquentes de haut niveau et partageront plusieurs ressources et informations à partir de 2015.

Le centre français aidera de son côté le musée chinois à former son staff.

Situé en plein cœur de Paris, le «paquebot de la culture» abrite le plus grand nombre de collections d'art moderne et contemporain d'Europe.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Exposição revela as raízes que levaram Kandinsky à pintura abstrata - O acervo trazido ao Brasil tem como base a coleção do Museu Estatal Russo, de São Petersburgo,

O Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) do Rio de Janeiro inaugura nesta quarta-feira (28) a exposição Kandinsky: Tudo Começa num Ponto. A mostra - que já esteve em Brasília e ainda vai percorrer mais duas capitais brasileiras - traz pela primeira vez ao país mais de uma centena de obras e objetos do artista, além de trabalhos de contemporâneos sob suas influências.

Considerado o criador da pintura abstrata, o russo Wassily Kandinsky (1866-1944) teve no impressionismo o seu despertar para a arte. Foi o impacto causado por uma exposição em Moscou, de Claude Monet e outros franceses, em 1895, um dos fatores que levaram o então jovem advogado Wassily a dar uma guinada radical na sua vida. O outro foi ter assistido, no Teatro Bolshoi, a uma apresentação da ópera Lohengrin, de Richard Wagner.

O acervo trazido ao Brasil tem como base a coleção do Museu Estatal Russo, de São Petersburgo, enriquecido com obras de sete museus russos e de colecionadores particulares da Alemanha, Áustria, Inglaterra e França. As referências culturais e espirituais que contribuíram para a transformação artística do pintor, como a arte popular do norte da Sibéria e os rituais xamânicos, também ganham destaque na mostra.

“Diferentemente de outras exposições sobre Kandinsky, apresentadas pelo mundo, esta tem a característica de se centrar no surgimento dele como artista e de mostrar o período que vai desde o final do século 19 até às primeiras décadas do século 20”, explica o idealizador e diretor-geral da mostra, Rodolfo de Athayde. “É o período em que Kandinsky passa por um processo de evolução que o leva de um pintor representativo comum até a criação e consolidação da ideia da abstração”, acrescenta.

Os curadores, Evgenia Petrova (também diretora do Museu de São Petersburgo) e Joseph Kiblitsky, organizaram a exposição em cinco blocos. Os segmentos retratam as raízes da obra em relação à cultura popular e o folclore; o universo espiritual do xamanismo no Norte da Rússia; a primeira temporada de Kandinsky na Alemanha e sua experiência com o grupo Der Blaue Reiter (O cavaleiro azul); o diálogo do artista com a música, por meio de sua amizade com o compositor Schonberg e os caminhos abertos pela abstração.

“A exposição, portanto, cobre a etapa que consideramos, do ponto de vista criativo, a mais inquietante e produtiva do artista, que vai até 1922, quando ele parte para o exílio, primeiramente na Alemanha, depois na França”, enfatiza Athayde.

Ausentes dos acervos dos museus brasileiros, as telas de Kandinsky são conhecidas por quem já teve a oportunidade de visitar o Centre Pompidou, em Paris, ou o Guggenheim Museum e
o Museu de Arte Moderna (MoMA), em Nova York. As obras expostas nessas três instituições são em grande parte das décadas finais do artista, quando vivia afastado da Rússia natal, o que não ocorre na mostra que percorre os CCBBs.

“São obras raramente vistas no mundo ocidental, dispersas em acervos de museus russos, alguns muito distantes dos outros, e obras de coleções particulares que não são comuns de serem expostas. É um acervo único que, provavelmente, nunca mais voltará a estar junto como fizemos aqui”, frisa o idealizador da exposição.

Kandinsky chegou a colaborar com o governo revolucionário russo, de 1918 a 1921. No entanto, a imposição do realismo socialista como estética oficial do regime fez com que ele deixasse de vez o país, e por muitos anos suas obras foram banidas dos museus da então União Soviética.

Na Alemanha, ele participou da Bauhaus, escola vanguardista de artes plásticas, arquitetura e design que acabou sendo fechada com a ascensão de Adolf Hitler. Incluído pelos nazistas na lista dos artistas considerados “degenerados”, ele partiu para o seu derradeiro exílio, em Paris, onde viveu até a morte, em 1944.

De acordo com Athayde, a experiência adquirida em outras exposições que ele vivenciou no circuito do CCBB, como Virada Russa (2009) e Arte do Islã (2010), ajudou na logística de trazer as obras de Kandinsky para o Brasil. “É um acervo caro, que tem que ser trabalhado com muito cuidado. A negociação levou tempo, mas conseguimos que esse acervo permaneça um ano itinerando pelo Brasil. Isto é uma coisa pouco comum em empréstimos de obras. Os museus raramente permitem que suas obras fiquem mais de seis meses fora dos locais de origem”, destaca.

Do Rio, a exposição irá para o CCBB de Belo Horizonte, para visitação pública de 15 de abril a 22 de junho. De lá seguirá para São Paulo, com visitação agendade entre 19 de julho a 28 de setembro. A visitação no CCBB do Rio é de quarta-feira a segunda, das 9h às 21h, com entrada grátis.

 Fonte: @edisonmariotti #edisonmaritti  Agência Brasil


Idea 2: El museo no es
un santuario: es una escuela

Solemos denominar a los museos templos de las musas coloquialmente, y no porque guarden seres divinos que adorar entre sus paredes, sino porque las musas son la inspiración de todas las artes y las ciencias; el museo es el lugar donde debe desarrollarse el conocimiento, la investigación y la creación plástica. Por ello, creemos que es un lugar fantástico para aprender. Esta es una de las funciones más importantes del museo, sin la cual todas las demás llegarían a ser inútiles. La función del museo es educar a través del patrimonio y de los objetos que exhibe. Precisamente, uno de los desafíos de museólogos, gestores y técnicos en patrimonio cultural es determinar como se educar utilizando el patrimonio como instrumento didáctico. Podríamos vivir borrando las pirámides del mapa, o vivir sin disfrutar de las obras maestras de la pintura y de la escultura, podríamos echar cemento encima de los yacimientos arqueológicos para sepultarlos, podríamos olvidarnos para siempre de las ruinas de Babilonia, podríamos hacer desaparecer la memoria colectiva y tradiciones de los pueblos, podríamos hacer todo esto y sobrevivir…

Imagen: No Copy Machine

Sin todas estas cosas el mundo sería una masa de humanos insensibles, es cierto que podríamos seguir viviendo, pero seríamos infinitamente pobres de espíritu, seríamos aun más bárbaros, nada de seres educados, seríamos hormigas. En cada parte del mundo hemos construido ciudades distintas, se comen cosas diferentes, se escucha diferente música, el arte tradicional es diferente, los vestidos populares y el folclore difieren de un sitio a otro, es la diversidad que caracteriza el patrimonio diferenciador de los pueblos. Si este patrimonio se perdiera, la cultura humana se parecería a una comunidad de hormigas: millones de criaturas trabajando sin otro sentido que almacenar para sobrevivir.

Educar a través del patrimonio es, pues, educar en la diversidad cultural, en el respeto mutuo y en la convicción de que la fuerza de la humanidad no reside en hacer todos lo mismo, sino en hacer cosas distintas. La diversidad cultural y el patrimonio colectivo que proporciona identidad a cada pueblo e incluso a cada comunidad, sea pequeña o grande, no es solo riqueza, sino que también es un instrumento de supervivencia de nuestra sensibilidad personal y colectiva. La cultura que genera el patrimonio y que a menudo se guarda y expone en los modestos museos locales es una respuesta concreta que determinado grupo humano ofrece a los demás. Es por ello que el patrimonio de cada uno de nuestros museos locales, pequeños y pobres de nuestras ciudades, sea de la naturaleza que sea, son muy importantes para la sociedad, porque nos enseñan y nos ayudan a reflexionar para construir un mundo mejor si sabemos observar y comprender nuestra historia.

Imagen: Makhala | Education is the key

Por ello, nosotros los museólogos y museógrafos, debemos desmitificar el museo mausoleo. Es necesario comprender que para que el museo sea un instrumento didáctico, una manera muy importante de aprender, es necesario que el museo se parezca más a un laboratorio, a un aula, incluso a un foro de debate. El museo, sea de lo que sea, solo puede educar cuando sus colecciones comparte códigos de comprensión similares. Si podemos comprender, apreciaremos; si lo que vemos nos resulta una ecuación a resolver, perderemos interés, desconectaremos. Si paseamos por un centro comercial y miramos un escaparate, la conexión objeto-espectador es directa e inmediata, hablamos de la síntesis elevada a la enésima potencia. La simplicidad es una herramienta fundamental en los museos, una aliada a la comprensión, a la didáctica. El museo debe tener la función del escaparate, alejarse de la encriptación. Debemos atender con detalle la relación entre el visitante y el objeto – lo que nosotros hemos denominado museografía didáctica -, que es romper con la ortodoxia y la erudición para siempre. Hay que plantear un museografía de nueva generación, alejándose del discurso grandilocuente y que las ideas brillen desde recursos que lleguen a todos, ayudando a que la visita al museo sea una experiencia además de didáctica, divertida.

Hay que replantearse muchas cosas, repensar que es en realidad un museo. No nos quedemos con la idea de que debe ser una mega-construcción de arquitecto estrella o entonces nada, dejemos ese convencimiento para los ignorantes que dilapidan el dinero público. Primero se piensas el museo y luego el museólogo y el museógrafo cogen el teléfono para llamar al arquitecto, nunca al revés. Hay que ensayar otro estilo que esté basado en las ideas, en la cooperación, en la investigación de base, en buscar respuestas para las necesidades culturales de las personas, de la gente de la ciudad y los pueblos, en la función educadora del museo y en la integración de este en el seno de nuestra sociedad. Hay que repensar el museo no como un edifico, sino como una entidad educadora.

Archivo EVE


Colocar juguetes en algunas salas de la exposición.

Algunos museos recurren a colocar en determinados espacios de la exposición permanente juguetes relacionados con su temática; así, por ejemplo, en museos de ciencias naturales podemos colocar animales de goma o plástico; en museos de arte, podemos poner libros infantiles con reproducciones de obras, etcétera. Se trata de juguetes de muy bajo coste y cuyo extravío o rotura no signifique una gran pérdida para el museo. La idea funciona, dado que los padres pueden entretener y enseñar así a los niños en el museo.


La cultura museística en tiempos difíciles
Editorial TREA, Gijón 2013.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti Espacio Visual Europa (EVE)