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sexta-feira, 30 de janeiro de 2015

RISD Museum

Diana Mantuana, Renaissance engraver

Diana Mantuana, Attilius Regulus in a Barrel, ca. 1570. Georgianna Sayles Aldrich Fund

An engraving recently acquired by the Museum is a work by one of the few female engravers of the Italian Renaissance, Diana Mantuana (ca. 1547–1612), also known as Diana Scultori and, erroneously, Diana Ghisi. This shocking print depicts a moment of cruel anticipation, when the heroic Roman consul, Marcus Atilius Regulus, is about to be rolled down a hill within a nail-studded barrel by an angry mob. Regulus is already captive within the barrel as a man pound nails into the side, aided by another with a full basket of nails and a third at the ready to close the lid. Around the barrel a group of men and women dressed in military and classical costumes watch the action with intent gazes and theatrical gestures. A raised flag indicates a sanctioned event, one that no one in the image attempts to prevent. Polybius (2nd century BCE), and Horace (1st century BCE) both relayed the story of Regulus, telling us that his torturers were the Carthaginians, who captured Regulus during the First Punic War (3rd century BCE). After his capture, the Carthaginians sent Regulus on a forced embassy to the Roman Senate to plead for negotiations favorable to Carthage. In Rome, Regulus refused to alter his loyalty, and then returned to Carthage because he had given his word to do so, despite certain death (Wallace, 395).

The Latin verses below the print (which have been cut from the Museum’s impression) give some guidance for its interpretation:
Et patriae, et fidei dum Regule consulis unus/Non dubitas diris ipse perire modis (While you alone take thought for your fatherland and your honesty, Regulus, you do not hesitate to die in a horrible manner). [translated by Wallace, 296]

Emphasized here is Regulus’s honesty, faithfulness, and willing self-sacrifice, which is reinforced by the placid look on his face even as he is about to die a painful death. Regulus was held up as the embodiment of noble and civic virtue by the ancient writers, including the Roman orator Cicero, who heralded the consul as an example of fearlessness, tranquility, dignity, and honor. These qualities aligned with Stoic philosophy, which emphasized self-control of emotions and human actions, over words, as the best indicator of individual virtue. (Wallace, 395–96) When Diana Mantuana made the engraving during the Renaissance, Stoicism, like other classical philosophies, was in the midst of an important revival in Europe.

The engraving by Diana—the single name by which she signed many of her copperplates—(Lincoln, 1102–03) is a reproductive engraving after the composition of Giulio Romano (1492/1499–1546), the celebrated pupil of Raphael and the artist to the Duke Federico Gonzaga of Mantua in the second quarter of the 16th century. From about 1525 to 1535, Romano and a host of assistants decorated the Duke’s country estate, the Palazzo del Te, with mythological, historical, and allegorical subject matter.
The Appartamento del Giardino Segreto (Apartment of the Secret Garden) was the duke’s private study, decorated in fresco with episodes from ancient history, including the Atilius Regulus story.

It was from this composition that Diana made her print, crediting Romano for the invention by inscribing Julius Romanus inuentor (Giulio Romano inventor) in the plate at the lower left of the composition. According to Cicero, Regulus was bound to a machine and his eyelids cut off, thus dying from lack of sleep. The manner of death in Romano’s composition (and thus Diana’s) differs from Cicero’s account, and it is possible that the boundlessly inventive Romano conceived of the idea for the diabolical nail-studded barrel himself (Wallace, 396).

Diana Mantuana, Attilius Regulus in a Barrel (detail), ca. 1570. Georgianna Sayles Aldrich Fund

Diana Mantuana was raised at the Mantuan court, the daughter of the artist Giovanni Battista Mantovano, also called Scultori (1503–1575), who was employed as a court sculptor and engraver at the same time as Giulio Romano. Female artists were scarce in the Renaissance, female printmakers even more so, given the public nature of the art (Lincoln, 1110). Diana’s exposure to printmaking was due to her father’s profession as an artist and undoubtedly his willingness to train her in the craft of engraving. The Italian artist and biographer Giorgio Vasari described meeting the artisan family with some admiration on a trip to Mantua in 1566 when Diana was 19. He wrote in his journal:

All in all, from what I saw last time I was in Mantua to this year, 1566, when I returned, the city is so much more ornamented and more beautiful that, if I had not seen it, I would not have believed it. What is more, the number of artisans has multiplied and keeps on multiplying. Inasmuch as this, to Giovanni Battista Mantovano (engraver of prints and excellent sculptor, whose story I related in the Lives of Giulio Romano and Marcantonio Bolognese) there were born two sons who engrave copper plates divinely, and what is more marvelous, a daughter named Diana also engraves so well that it is a wonderful thing: and when I saw her, a very well-bred and charming young lady, and her works, which are most beautiful, I was stunned. (Vasari, 6:490, quoted in Lincoln, 1105)

The sons mentioned were Adamo Scultori (ca. 1530–1585) and another artist, Giorgio Ghisi (1520–1582)— erroneously identified as a son by Vasari—, the latter who would become one of the most innovative engravers of his time (Lincoln, 1105). Mantua presented a vibrant atmosphere from which to learn the art of engraving, with the endless supply of ready compositions, via fresco and drawings, from which to work.

While her male counterparts were probably trained in a variety of drawing techniques as well as in life drawing and the rules of perspective (called disegno), Diana would not have been given the same access. As a woman, she was restricted to the technical craft of engraving rather than tutored in the inventive processes that comprised a full artistic training. Thus Diana’s engravings follow carefully their source designs and reflect, to some extent, her lack of training in drawing. Diana made necessary revisions to the Regulus in order to convert Giulio’s five-sided fresco cartouche to the rectangular format of a copperplate, filling the rectilinear space with ruins and a tree in the background of the composition and adding two groups of civilian spectators on the sides. She employed a hard outline to her forms, relying on cross-hatching and dotting for the creation of light and shadow, an engraving technique much like that of Marcantonio Raimondi, the highly influential engraver of the previous generation. If the implementation of the scene is a bit stiff—keeping in mind that Diana had probably never sketched from a real human body—she negotiated the changes to the format with a great deal of skill, creating a balanced composition that is full of variety with a range of figural positions and gestures. Diana’s foreground rock formations and her relegation of the action to the middle ground create a staged detachment between the viewer and the event, emphasizing the gruesome event’s stylized theatricality over its visceral horror.

Diana Mantuana, Attilius Regulus in a Barrel (detail), ca. 1570. Georgianna Sayles Aldrich Fund

While Diana was too young to have known Giulio Romano personally, she made several engravings after compositions he created for the Palazzo del Te. The Museum’s engraving was printed later in her life, probably after she had moved to Rome in 1575 in the company of her husband, the architect Francesco da Volterra. Evidently, she sold the copperplate to the publisher Antonio Lafreri, whose name appears on the plate, although we have no archival record to confirm the sale. Lafreri was one of the first publishers of reproductive prints in Europe. Between the 1550s and 1570s, he commissioned and bought copperplates that he then published and ordered in various groupings, usually by topic, under the general title Speculum Romanae Magnificentiae (Mirror of Roman Magnificence). Reproductive engravings were a key mode by which artistic motifs and styles as well as major monuments and antiquities were disseminated and interpreted in early modern Europe. In this context, Diana’s print may have appeared in succession with prints of ancient Roman subject matter at the publisher’s—or purchaser’s—choosing (Parshall, 12), providing a record of a work at the Palazzo del Te as well as a story from antiquity with contemporary philosophical implications.

By a rare female artist, Diana Mantuana’s engraving of Atilius Regulus in a Barrel plays an important role in the history of the practice of printmaking and its reception in Renaissance Italy. The acquisition therefore adds in a significant way to the history of art as told through the Museum’s collection.

Emily Peters
Associate Curator of Prints, Drawings, and Photographs

Works Cited
Evelyn Lincoln, “Making a Good Impression: Diana Mantuana’s Printmaking Career,” Renaissance Quarterly 50/4 (Winter 1997): 1101–147.

Peter Parshall, “Antonio Lafreri’s Speculum Romanae Magnificentiae,” Print Quarterly XXIII, 1, 2006: 3–28.

Giorgio Vasari, Le vite de’ piu eccellenti pittori, scultori ed architettori, ed. G. Milanesi. 9 vols. Florence, 1906.

Richard W. Wallace, “Salvator Rosa’s ‘Death of Atilius Regulus,” Burlington Magazine 109/772 (July 1967): 393–97.

Further Reading
Michael Bury, The Print in Italy, 1550–1620 (London: The British Museum Press, 2001).

Evelyn Lincoln, The Invention of the Italian Renaissance Printmaker (New Haven: Yale University Press, 2000).

Speculum Romanae Magnificentae digital collection,

Emily, Peters, et al. The Brilliant Line: Following the Early Modern Engraver, 1480–1650 (Providence: RISD Museum, 2010).

Our Mission and History

The RISD Museum acquires, preserves, exhibits, and interprets works of art and design representing diverse cultures from ancient times to the present. Distinguished by its relationship to the
Rhode Island School of Design (RISD), the Museum educates and inspires artists, designers, students, scholars, and the general public through exhibitions, programs, and publications.

The development of the Rhode Island School of Design and the RISD Museum is tied to Rhode Island’s emergence after the Civil War as the most heavily industrialized state in the Union, and to the growing desire for better design in manufacturing. With the region’s prosperity based on the production of silverware, jewelry, machine tools, steam engines, files, screws, and textiles, leading manufacturers and civic leaders felt the need for industrial-arts education and exposure to examples of fine art.

Even before the war, the Rhode Island Art Association, chartered in 1854, determined “to establish in Providence a permanent Art Museum and Gallery of the Arts and Design.” In the absence of either state funding or private donations, however, the creation of a design school and art museum in Rhode Island did not occur until 1877. Faced with a choice between erecting a drinking fountain in Roger Williams Park or founding a school of design—the latter proposed by Helen Adelia Rowe Metcalf (1830–1895)—the Rhode Island Women’s Centennial Commission in that year voted to establish the Rhode Island School of Design by allocating to it the modest $1,675 remaining from its fund-raising for the Women’s Pavilion at the 1876 Centennial Exposition in Philadelphia.
Our Collection

The Museum’s collection is composed of seven departments.

Ancient Art
The Ancient Art collection includes bronze figural sculpture and vessels, an exceptional collection of Greek coins, stone sculpture, Greek vases, paintings, and mosaics, as well as Roman jewelry and glass. Highlights include an Etruscan bronze situla (pail), a fifth-century B.C. Greek female head in marble, and a rare Hellenistic bronze Aphrodite. Among the Greek vases are works by some of the major Attic painters, including Nikosthenes and the Providence, Brygos, Pan, Lewis, and Reed Painters. The Egyptian collection includes a Ptolemaic period coffin and mummy of the priest Nesmin; a rare New Kingdom ceramic paint box; a relief fragment from the Temple at Karnak, and a collection of faience.

Asian Art
The Asian Art collection spans a period of almost 5,000 years and covering the geographic areas of East Asia, South and Southeast Asia, and the Islamic world. The Abby Aldrich Rockefeller collection of Japanese bird-and-flower prints (Kacho-ga), spans the development of this category of material during the Edo period (1603-1868). The Asian sculpture collection ranges from Indian Buddhist and Hindu materials to Chinese and Japanese including the later twelfth-century wooden Dainichi Nyorai Buddha, the largest (about nine feet tall) seated Japanese figural sculpture in the United States. The collection of three-dimensional objects includes ceramics; carved jades and hardstones; ivory, wood, stone, and metal sculpture; and bronze, brass, and other metalwork. The Islamic and Indian collections together include works of art in all media that celebrate the artistic heritage of the Arab, Indian, Persian, and Turkish cultures.

Contemporary Art
Created in 2000, the Contemporary Art collection includes painting, sculpture, video, mixed media, and interdisciplinary work, dating from 1960 to the present. Represented in the collection are significant paintings by Richard Anuskiewicz, Roy Lichtenstein, Robert Mangold, Agnes Martin, Sam Francis, Cy Twombly, Wayne Thiebaud, Larry Rivers, and Andy Warhol, among others. The collection also includes important sculptural work by Richard Artschwager, Louise Bourgeois, Louise Nevelson, Lucas Samaras, and Robert Wilson. The museum’s video collection features experimental works by such pioneers in the field as Vito Acconci, Lynda Benglis, Bruce Nauman, Martha Rosler, Richard Serra, and William Wegman.

Costume and Textiles
The RISD Museum has one of the finest collections of historical textiles and items of dress in this country, with a range that spans the centuries from at least 1500 BCE to the present and that includes representative cloth and clothing from as many geographic areas as possible. Starting with items such a pair of Native American moccasins and a Hawaiian bark cloth acquired in the Museum’s early history, the collection has grown to include more than 26,000 objects today. Our earliest piece is an ancient Egyptian tomb fragment, and a major focus of our present collecting agenda is the acquisition of contemporary fashion and textiles from all over the world. The richness of the Costume and Textiles collections extends from examples of Elizabethan needlework, Italian Renaissance textiles, French printed toile de Jouey, Navajo chief’s blankets, and fashions from the most celebrated European and American designers of the 19th and 20th centuries to a world-renowned group of Japanese Noh theater robes and Buddhist priest robes donated by Lucy Truman Aldrich, the greatest single donor to the Museum’s textile collection.Works not on view can be accessed by appointment during open for study hours.

Decorative Arts and Design
The Decorative Arts and Design department’s collections encompass European and American furniture, silver, metalwork, wallpaper, ceramics, glass, and plastics from the medieval period to the present. The Charles L. Pendleton Collection includes furniture made by 18th-century Boston, New York, Philadelphia, and the Townsend-Goddard circle of Newport cabinetmakers. The Gorham Manufacturing Company collection of silver pieces and design drawings from the mid-19th through the mid-20th century is the cornerstone of the American silver collection. Other highlights include Chinese export porcelain; French Empire furniture; European porcelain figures; 18th- and early 19th-century French wallpaper; 20th-century and contemporary design.

Painting and Sculpture
The Painting and Sculpture collection includes works of European and American art from the 12th through the mid-20th century. Highlights include Renaissance and Baroque works by Giovanni Battista Tiepolo, Lippo Memmi, Tilman Riemenschneider, Hendrick Goltzius, and Salomon van Ruysdael; 17th- and 18th-century paintings by Nicolas Poussin, Angelica Kauffmann, and Joshua Reynolds; 18th- and 19th-century American paintings by John Singleton Copley, Gilbert Stuart, Thomas Cole, Winslow Homer, William Merritt Chase, Martin Johnson Heade, Mary Cassatt, and John Singer Sargent; 19th and 20th century European paintings and sculpture by Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas, Paul Cézanne, Auguste Rodin, Pablo Picasso, Georges Braque, Henri Matisse, Fernand Léger, and Oskar Kokoschka; 20th century American works by George Wesley Bellows, Robert Henri, Charles Sheeler, Maxfield Parrish, Georgia O’Keeffe, and Nancy Elizabeth Prophet; and a Latin American collection including paintings by Joaquín Torres-Garcia, Wifredo Lam, and Roberto Matta Echuarren.

Prints, Drawings, and Photographs
The Prints, Drawings, & Photographs collection comprises more than 25,000 works including prints, drawings, and photographs, and dating from the 15th century to the present. The holdings include a large group of Old Master engravings and etchings, and particular strengths in prints and drawings of 18th-century Italy, 19th-century France, and 19th- and 20th-century America. The department also holds one of the largest collections of late 18th- and early 19th-century British watercolors in the United States. Both the Nancy Sayles Day Collection of Modern Latin American Art and the Richard Brown Baker collection of contemporary British art have depth in works on paper. Contemporary works on paper in all media are the fastest growing segment of the collection.Works not on view can be accessed by appointment in the Minskoff Center for Prints, Drawings, and Photographs.
Our Buildings

The Museum is composed of five buildings
located on the historic East Side of Providence.
Waterman Building

The first public galleries were created in 1893 in the Waterman Building.
Pendleton House

Pendleton House, the country’s first museum wing devoted to the display of American decorative arts, was built in 1906 as a replica of the Federal-style residence of Charles L. Pendleton.
Radeke Building

The Eliza G. Radeke Building was added in 1926, houses permanent-collection galleries, from Egyptian and Ancient art through Impressionism to 20th-century art and design.
Farago Wing

The Daphne Farago Wing, erected in 1993, exhibits contemporary art and provides the Benefit Street entrance to the Museum.
Chace Center

In 2008, the Chace Center opened with 6,000 square feet for special exhibitions and a new entrance on Main Street.


For the love of Books...Book, ca 1500-1550, Germany, Unknown Artist, RISD Museum.
For the love of Books...Book, ca 1500-1550, Germany, Unknown Artist, RISD Museum.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Al-Andalus (The Lost Civilization)

The Lost Civilization


Muslim Expansion

Al Andalus

In the late 7th century, Muslim tribes defeated the Byzantines under the leader Musa ibn Nusair in Kairouan, in an area of northern Africa which is now Morocco. In 710, the Visigoth Roderick became a king in Spain. A great commander from the Byzantines named Julian had a daughter who was raped by Roderick. From that day, Julian wanted his revenge by killing Roderick. During that time, and because of the conflict, Musa hesitated to enter Spain, but another leader, Tarif ibn Malluk, crossed the Mediterranean to reach southern Spain, and the area now is called after him, Tarifa. Now Musa was more motivated and got support from “the Governer of Tangier”, the Berber Tarik ibn Ziyad, and, accompanied by Julian claimed Al-Andalus. Muslims entered Spain in 711 and continued to expand into that region and northern Africa.

Culture: The mix of cultures in Al-Andalus, from Jews, Christians and Muslims between the 8th to the 15th century is brought to life as one of the most influential cultures in the areas of music, architecture, and education. 

Education: Many people came from all around the world to Al-Andalus seeking knowledge from the famous libraries and universities that they had in that time. Al-Andalus and Bagdad were competitors in the best civilization of that age. 

Water Theory


In Al-Andalus, Muslims have always considered architecture to be related to nature. Water, as the most important element of life, was a priority when they built and constructed buildings, gardens and landscaping. It is the symbol of providence in the country.

Al-Andalus explored and demonstrated new techniques in agriculture, developing botany and irrigation in their cities. Automatic watering of plants through the gardens was run between the channels as well as fountains, and collected into ponds. Water has always provided a great sensation of refreshment. Making water available to as an art form brings tranquility. 


Al Hambra Castle

Architecture: Engineers in Al-Andalus used the best materials to construct their castles and mosques. Alhambra castle is one the best examples of art in buildings. In 889 the Alhambra was originally constructed as a fortress and later, in 1333, it was converted to a royal palace. The palace is amazingly beautiful. It has a perfect combination of original colors around the column arcades, fountains with running water, and reflecting pools were used to add to the aesthetic and functionality. In the middle of the palace there is a fountain surrounded by lion sculptures whose mouths spout water as if speaking a prayer in time with the changing times for call to prayer at different times of the year. 

Water Channel

Lions Fountain

Muslims and Christian

Music: Music in Al-Andalus had great culture. In that time, musicians had invented and or developed the musical instruments and written the music itself. In that age, they added the fifth string to the oud, and later on they invented the guitar. Unfortunately, in the 16th century the Muslim’s power collapsed and speaking, singing in Arabic was officially banned. The Al-Andalus name has been changed to Andalucía.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti


Le Musée suisse du jeu de La Tour-du-Peilz va être repensé

RénovationLe Château de La Tour-de-Peilzva être rénové, puis transformé pour offrir plus de place au jeu. Montant estimé: 8 millions de francs.
Le Château de La Tour-de-Peilz abrite le Musée suisse du jeu depuis 1987.

 Le Château de La Tour-de-Peilz abrite le Musée suisse du jeu depuis 1987.
Le Château de La Tour-de-Peilz abrite le Musée suisse du jeu depuis 1987. Image: Gérald Bosshard

Monument importance nationale, le Château de La Tour-de-Peilz, propriété de la commune, abrite depuis 1987 le Musée suisse du jeu. Sur l’impulsion notamment de son directeur, Ulrich Schädler, ses collections n’ont eu de cesse de s’enrichir au fil des ans.

La dernière dotation en date est celle des Grand d’Hauteville qui ont légué à l’institution plus de 120 objets ludiques («24 heures» du 21 janvier) .

Les espaces d’exposition se révélant désormais insuffisants, la Municipalité de La Tour-de-Peilz, en accord avec la fondation qui gère le musée, a décidé de rénover le corps du bâtiment et son annexe, la Maison du jardinier; laquelle héberge le café-restaurant Le Domino et les locaux administratifs du musée.

Mais encore les aires de verdure en périphérie. «L’idée est de donner plus de place au musée, de repenser les espaces, et rendre l’ensemble encore plus attractif. Rayonnant, il attire 20 000 visiteurs par an. Après les transformations, nous espérons passer à 25 000», résume le syndic, Lyonel Kaufmann.

L’accueil sera déplacé au rez du château, de même que le restaurant. Ce qui permettra de libérer aussi des espaces dans la Maison du jardinier, dont le premier étage n’est actuellement pas exploité.

Tout sera mis en œuvre pour que l’institution ne ferme pas durant ce laps de temps. «Ou tout au moins de manière réduite. Nous allons jongler avec les deux bâtiments et en profiter pour refaire complètement notre exposition permanente», révèle Ulrich Schädler.

Les travaux, devisés à hauteur de 8 millions, sont prévus d’avril 2017 à juillet 2019. Mais, auparavant, le Conseil communal se déterminera très prochainement sur l’octroi d’un crédit de 451 000 francs en vue de l’organisation d’un concours relatif aux rénovations et transformations du château. (24 heures)

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Agendas Mundi LXXII – Museos de Nepal - · en MUSEO, RELATO, VIAJES. ·

Para muchos viajeros, Nepal, lugar de nacimiento de Buda, es el paraíso terrenal, o al menos se le parece mucho. Flanqueado por el cordón montañoso del Himalaya y las húmedas junglas de las llanuras indias, es una tierra de yaks y yetis, monasterios y mantras, cumbres nevadas y sherpas, templos y tigres, magia y misterio. Desde que abriera sus fronteras a los forasteros en la década de 1950, esta diminuta nación montañosa ha seducido con un encanto casi místico a los viajeros. Exploradores y alpinistas llegaron para conquistar las cimas más altas, los senderistas para adentrarse por algunos de los senderos más desafiantes del mundo, y los hippies para vagar colocados de sus buenas raciones de canutos por poblaciones repletas de templos al final de su periplo por tierra.

El país ha experimentado grandes cambios. Para empezar, ya no es un reino. Una década de alzamientos maoístas y guerra civil terminó con la elección del Partido Comunista y la declaración de Nepal como República Federal el 28 de mayo del 2008. Desde entonces, el último rey nepalí, Gyanendra Bir Bikram Shah Dev, ha desalojado el Palacio Real de Katmandú y se ha trasladado a una modesta casa en Nagarjún. Además, el adjetivo “real” se ha eliminado de los rótulos de la compañía aérea Royal Nepal Airlines y del Real Parque Nacional de Chitwan. Después de años de conflicto, ha vuelto la paz a las montañas y un aire de optimismo domina la nación. El mayor problema que se les plantea a los visitantes es encontrar tiempo para todo. Muchos llevan toda la vida explorando los senderos de montaña del Himalaya y las evocadoras ciudades templo del valle de Katmandú y los montes medios, pero vuelven en busca de más. Se aconseja seleccionar algunas experiencias esenciales y dejar el resto para otro viaje. Pero vamos con los nuestro sin más rodeos.

1. Museo Nacional de Historia de Nepal | Katmandú

El Museo Nacional de Nepal (Rashtriya Sangrahalaya) es una atracción muy popular de la capital, Katmandú. Con alrededor de un siglo de antigüedad, el museo se erige como un destino turístico y símbolo histórico para el país. Siendo el museo más grande de Nepal, desempeña un papel trascendental en los trabajos arqueológicos en todo el país y el desarrollo de los demás museos. Para los residentes de Katmandú, además es un monumento que sirve para revivir las batallas libradas en Nepal. Los principales atractivos son la colección de obras de arte históricas (esculturas y pinturas) y una exposición histórica de las armas utilizadas en las guerras en el siglo XVIII-XIX. El museo cuenta con galerías independientes dedicadas a estatuas, pinturas, murales, monedas y armas. El museo dispone de tres edificios: el Juddha Jayatia Kala Shala, Galería de Arte de Buda y el edificio principal, que consiste en una sección histórico-natural (colección de especies de animales, mariposas y plantas), una sección cultural y una sección filatélica. El Museo Nacional está adscrito al Ministerio de Cultura, Turismo y Aviación Civil. El museo tiene la misión de poner en práctica la docencia de la historia del país, y también en la documentación de toda clase de información para intentar comprender las tradiciones del pasado y presente del pueblo de Nepal.

2. Museo Nacional de Arte de Nepal (no dispone de website) | Katmandú

La Galería Nacional de Arte de Nepal es uno de los sitios más interesantes, visita obligada en Nepal, os avisamos. Esta galería se encuentra en precioso palacio en Bhaktapur, en medio de pintoresco valle de Katmandú. El palacio se dice que es el más antiguo existente en todo el valle de Katmandú. La instalación dispone de más de 50 ventanas que se abren a sus cuatro lados. Aparte de esto, los arcos y motivos escultóricos que están por todas partes, merecen mucho la pena. Dentro de la galería se puede ver una impresionante colección de pinturas y murales de la época de la “dominación budista”. Hay algunas pinturas muy antiguas que se conocen como Thangakas. Los monjes budistas utilizan estas pinturas para llegar a la máxima concentración en el momento de la oración. Estas pinturas están hechas al óleo sobre lienzos que son muy antiguos remontándose a la era Mallas. También se pueden ver las figuras talladas en piedra que data de la época Licchhavis y Mallas. La mayoría de estas figuras son representaciones de deidades hindúes y budistas y, como es típico de aquella época, tiene connotaciones sexuales, no se aburrían. El segundo piso está enteramente dedicado a las crónicas históricas y manuscritos del país. Estos documentos están relacionados con varios monarcas de la dinastía Rana y Shah, proporcionando una visión detallada de las condiciones políticas, culturales, sociales y económicos de la historia de Nepal. Algunos de los documentos se encuentran archivados y no están disponibles en exhibición pública. Si eres estudiante de historia o un investigador, entonces este lugar te encantará. Sin embargo, hay que tener en cuenta que los investigadores deben obtener un permiso previo del Ministerio de Cultura para conseguir el acceso a los preciosos documentos clasificados.

3. Museo de las Estatuas de Bronce y Latón de Nepal (no dispone de website) | Bhaktapur – Katmandú

Este museo se encuentra en la famosa y popular zona – atestada de turistas – de Pujari Maths en el barrio de Bhaktapur. Se encuentra frente al Museo Nacional de Artesanía en madera a las afueras de Katmandú. El museo es el más nuevo para que aparezca en Nepal. Este museo se dedica principalmente a la forma de vida Newarí. Los Newarís son los habitantes originarios de Nepal siendo naturales principalmente de las regiones centrales del país alrededor de Katmandú. El museo de bronce se encuentra en un edificio recientemente reformado de de estilo puramente local. La mayor parte de los objetos artísticos de la exposición están realizados en bronce o latón, evidentemente. La mayoría de ellos han sido restaurados y están en excelentes condiciones. Entre los más interesantes son los que están hechos como artículos de uso diario. Hay galerías separadas para las materias primas utilizadas por los artistas y artesanos. La mayoría de estos objetos se remontan al periodo Mallas. Se pueden ver figuras para la adoración religiosa, lámparas, ollas de agua, cuernos y otros artículos exhibidos sin demasiada información ya que se prohíbe al pueblo informar acerca de su humilde vida. La familia real ha cedido al museo un tintero ornamentado y una estantería que formaba parte de la tribuna real. En cualquier caso, lo más importante del museo, es la visión que ofrece al visitante sobre los Newarís que han contribuido tanto a la evolución de la sociedad nepalí.

4. Museo Complejo del Palacio Interior de Hanuman Dhoka (no dispone de website) | Katmandú

El complejo del palacio interior del Hanuman Dhoka fue fundado originalmente durante el período de Licchavi (del siglo VI al VIII d. de C.), pero, tal y como se muestra hoy en día, la mayor parte visitable fue construida por el rey Pratap Malla en el siglo XVII. El palacio real ha sido renovado muchas veces a lo largo de los años. Las partes más antiguas son las pequeñas edificaciones de Sundari Chowk y Mohan Chowk en la parte norte del palacio (ambas cerradas al público). El complejo era la sede del gobierno, con 35 chowks (patios), pero el terremoto de 1934 redujo el palacio de hoy a 10 chowks. Solo se permite fotografiar en los patios, nada dentro de los edificios del complejo. Más que un museo, en realidad se trata de un grupo de edificios como su nombre define.

5. Museo de Patán (no dispone de website) | Patán

El museo se encuentra bajo la protección del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO. El Museo Patán, que es un verdadero tesoro de la arquitectura tradicional nepalí, fue inaugurado en 1997 por el ya difunto rey Birendra Bir Bikram Shah. El museo expone lo que podría denominarse como una muestra artes sagradas tradicionales de Nepal en un entorno con una larga historia. Se trata de casa es una antigua de corte residencial de Ptan Darbar, uno de los palacios reales de los antiguos reyes Malla del valle de Katmandú. Las exposiciones del museo abarcan un largo período de la historia cultural de Nepal y muestra algunos objetos raros como algunos de sus tesoros. La mayoría de los objetos son de bronces dorados y cobre, además de una muestra de las famosas artesanías tradicionales por las que la villa de Patán es famosa en el país.

6. Museo Pujarimath (no dispone de website) | Monasterio de Pujarimath – Bhaktapur

Situado en el edificio restaurado del siglo XV conocido como el Monasterio de Pujarimath, en Dattatraya tole, Bhaktapur, siendo el edificio en sí una exposición única. . Muy curiosa es la famosa (allí) ventana del pavo real situada frente cara al monasterio. El museo expone los utensilios de bronce y latón Newarí típicos, además de objetos rituales, con más ollas y sartenes utilizadas desde la época medieval hasta nuestros días.

7. Museo Centro Arqueológico de Kapilavastu | Tilaurakot

Situado en Tilaurakot , cerca de las ruinas arqueológicas de Kapilavastu, complejo del palacio hogar ancestral de Buda. Este museo se encuentra aproximadamente a 29 kilometros al oeste de Lumbini, que es el lugar de nacimiento de Buda. La instalación cuenta con una interesante colección de monedas perforadas, cerámica, juguetes de arcilla y otros objetos que datan desde el siglo VII a. de C. hasta el siglo IV a. de C. Lo importante en realidad, tanto el museo como los alrededores, incluido el sitio arqueológico, funcionan como lugar de peregrinación para budistas y turistas curiosos que se acercan al territorio donde nació y creció Buda.

Pues hasta aquí el maravilloso viaje a Nepal. La semana que viene nos adentraremos en la enorme China, por lo que este país lo trataremos en diferentes capítulos, en uno solo es imposible. Intentaremos hacerlo por amplias zonas pero es que hay mucho, sobre todo nuevo en materia de museos, aunque solo podamos hacer referencia al edificio en muchos de ellos. Pues nada, hasta entonces, que todos tengáis una felicísima semana.


Una maestra en Katmandú
Editorial Punto de Lectura, 2013.
Resumen del libro: La historia inacabada de Vicki Subirana arranca con el relato de las ilusiones de una joven maestra solidaria con una misión entre ceja y ceja, y culmina con la consolidación de un proyecto educativo universal para los mas pobres y marginados en Nepal, para los que ha conseguido la enseñanza que cualquiera desearía para sus hijos en nuestro privilegiado mundo.En su empeño por llevar a cabo sus ideales Vicki tuvo que lidiar con dificultades de todo tipo, y para evitar que la deportaran de Nepal acepto incluso un matrimonio de conveniencia con un sherpa que termino convirtiéndose en un gran amor.

La leyenda del Gran Stupa
LA LLAVE, 2002
Resumen del libro: El presente volumen contiene dos textos tradicionales tibetanos. La Leyenda de la Gran Stupa relata el proceso de edificación de la Stupa de Bodanath (Nepal), que tiene su paralelismo interno en la búsqueda de la iluminación. El texto también recoge algunas profecías que recabarán la atención del lector. La historia de la liberación del Gurú nacido del loto es una narración de carácter ritual y que contiene los eventos esenciales de la vida de Padma Shambava.

Dibujando sonrisas: mi vida al pie de los Himalayas
Anroart Ediciones, 2012
Resumen del libro: Dibujando sonrisas es un relato que cuenta las vivencias de José Díaz desde que éste decide irse al Nepal en el año 2000. Aquí, se recogen los hechos más significativos de su lucha por poder ofertar una infancia más digna a miles de niños que encontró picando piedras, recogiendo basura por vertederos o trabajando en cantina s con apenas seis años. Así mismo, nos describe un Nepal rural donde reconoce que comienza a sentirse más cerca de la vida, de la tierra y otros seres humanos. Las vivencias del día a día le llevan a una percepción completamente nueva de la vida. La vida se simplifica, la vida es este momento y solo la aprecia cuando presta atención al presente. Entonces surge la inteligencia creadora de vida que se haya en todos nosotros. Entonces surgen la libertad y el amor. Este libro es un homenaje a las sonrisas de tantos niños que han acompañado todas estas vivencias, pues José ha querido sonreír como ellos, acercarse a su ingenuidad, a su inocencia y a vivir el presente como si fuera el tesoro más grande al que podemos acceder.

Katmandú, camino al infierno
Editorial Xplora, 2013.
Resumen del libro: Katmandú, camino al infierno es una historia frenética y desgarradora repleta de humor negro. Un intenso relato que entremezcla de forma brillante la vida de dos generaciones de viajeros con la mítica ruta hippie como telón de fondo.Es 1976 y tres amigos, emprenden un alocado viaje en un desvencijado autobús desde Europa h asta Nepal a través del Irán previo a la revolución, la Pakistán feudal y la sorprendente India. Pero pronto todo se tuerce y se verán envueltos en un enredo de sexo, drogas y muerte en la carretera que une Londres con Katmandú. Un cuarto de siglo después regresaran a la capital de Nepal en busca de todo aquello que dejaron atrás, pero ni la ciudad, ni ellos mismos son lo que eran. Tom Vater, escritor y periodista experto en el Sur y Sureste asiático, consigue que el lector se sumerja en un alucinante viaje por la ruta hippie de los años 70, poniendo en relación a los primeros viajeros con los actuales a través de escenas que llevan a sus personajes al limite.

Foto principal y redes sociales: ‘The National Geographic Collection: The Art of Exploration” – Edmund Hillary y Tenzing Norgay en la cima del Everest


Nacionaliniame muziejuje Lietuvos Didžiosios Kunigaikštystės valdovų rūmuose galima apžiūrėti dvi nuolatines ekspozicijas, atspindinčias istorinės rezidencijos funkcijas.

Lietuvos didžiųjų kunigaikščių rūmų vietoje gyventa jau IV–VIII a. Medinė įtvirtinta gyvenvietė XIII–XIV a. virto galinga ankstyvojo mūro pilimi. XV–XVI a. sandūroje prasidėjo viduramžiškos gotikinės pilies rekonstrukcija. XVI a. ji paverčiama ištaiginga renesansine Naujųjų laikų rezidencija. XVII a. pradžioje rūmai rekonstruoti ankstyvojo baroko stiliumi. Vilniaus rūmuose tuo metu gyveno Lietuvos ir Lenkijos valdovai, sukaupę garsių meno ir kitų rinkinių bei skleidę naujas kultūrines idėjas visam kraštui. Čia buvo sprendžiamas ne tik Lietuvos, bet ir viso Vidurio, Rytų ir Šiaurės Europos regiono likimas. XVII a. vidurio karo su Maskva metu nusiaubti ir apgriauti rūmai nebebuvo suremontuoti ir nebetarnavo kaip valdovų rezidencija. XVIII–XIX a. sandūroje carinės Rusijos administracijos iniciatyva rūmai nugriauti (išskyrus rytų korpuso dalį). Valdovų rūmų atkūrimo idėja gimė kartu su Lietuvos išsilaisvinimo sąjūdžiu XX a. pabaigoje. 
Nuo 1987 m. prasidėjo nuoseklūs kompleksiniai tyrimai, kurie tapo rūmų atstatymo pagrindu. 2000 ir 2001 m. Lietuvos Respublikos Seimas ir Vyriausybė priėmė sprendimus dėl rūmų atkūrimo. Atkūrimo darbai pradėti 2002 m. 2009-ųjų (Lietuvos vardo tūkstantmečio minėjimo metais) liepos 6 d. įvyko atkurtų, tačiau iki galo neįrengtų Lietuvos didžiųjų kunigaikščių rūmų simbolinis atidarymas, kuriame dalyvavo net 15 valstybių valdovai ir vadovai. Atkurtieji rūmai vėl turėtų tapti ilgaamžės Lietuvos valstybingumo tradicijos ir tautinio pasididžiavimo simboliu, reikšmingu pilietinio auklėjimo, istorinės savimonės ugdymo bei kultūrinio paveldo pristatymo centru.

„Kaip tai atsitiko Didžiajame mūšyje... Žalgirio atodangos“

2014 m. gruodžio 18 d.–2015 m. sausio 31 d.
Rietavo Oginskių kultūros istorijos muziejus

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