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segunda-feira, 8 de junho de 2015


Salvador Dali has devised a bizarre, uniquely Dalinian way to remember dreams- and to test his methods, he has decided to dream the creator of dreams with the help of the interpreter of dreams. Aided by Freud’s study and interpretation of Leonardo da Vinci’s childhood dream, Dali will dream da Vinci in to being present in the room.

As Dali dozes, da Vinci materializes and wonders what this odd man before him could want to know about him, and not entirely pleased with Freud’s assessment of his psyche. In words and images, da Vinci imparts the story of his path of genius to the audience while instructing the sleeping Dali on the destiny of the artist and his art.

Discover the notebooks of Leonardo da Vinci, his own words and the story of the loves of his life- both the human and the machine.

Written exclusively for the Dali Museum’s current exhibit by the Dali’s theatre coordinator, Roxanne Fay,and starring David Mann as Leonardo da Vinci.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti:


The man. The master. The marvel. Salvador Dali is one of the most celebrated artists of all time. His fiercely technical yet highly unusual paintings, sculptures and visionary explorations in film and life-size interactive art ushered in a new generation of imaginative expression. From his personal life to his professional endeavors, he always took great risks and proved how rich the world can be when you dare to embrace pure, boundless creativity.

Discover the life and legend of Salvador Dali, and get to know the people, places and events that transformed this Spanish son into a surrealist sensation.

Cultura brasileira: - Manaus com arte - fotorrealismo com EDSON QUEIROZ -- Brazilian culture: - Manaus with art - photorealism with Edson Queiroz

Perfil - Nasceu em 1969, no Paraná da Eva, interior do Amazonas, Brasil. 

Estudou no Instituto Federal do Amazonas.

Em Manaus fez coletivas e individuais

Luciana Nobre, a esposa, viaja com Edson e escreve sobre a foto.

OST, da coleção  de 2006 - 4/7 obras


Decidi certa vez por estranha jornada.
 Supunha encontrar, por ponto de chegada,
 o autoconhecimento, e como tal,
 quietaria o passo exausto afinal...

O assim pensar, às mangas deu por demais pano,
 pois léguas além, quão triste e ledo engano:
 o então destino, em origem se converte...
 ....mas diverso fosse, e eu estaria inerte...

Pé na estrada, só prosseguir me restava!
 Milhas à frente eram o que não faltava...
 e a custo, cruzei fronteiras do autoperdão...

Acenando em despedida a muitos regalos,
 acumulei sob os pés dezenas de calos,
 e prossigo tentando reflorir meu chão...

Luciana Nobre

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti
colaboração:  Luciana Nobre

Brazilian culture: - Manaus with art - photorealism with Edson Queiroz

Profile - Born in 1969 in Paraná of Eva, the interior of Amazonas, Brazil.

He studied at the Federal Institute of Amazonas.

In Manaus did collective and individual

Luciana Nobre, his wife travels with Edson and writes about the photo.


I decided once by strange journey.
  Supposed to find, point of arrival,
  self-knowledge, and as such,
  quietaria the exhausted step after all ...

The think so, given the sleeves too cloth,
  because leagues beyond, how sad and Ledo mistake:
  then the destination in origin becomes ...
  .... but it was different, and I'd be inert ...

On the road, proceed only left me!
  Miles ahead were no lack ...
  and the cost, crossed boundaries of self-forgiveness ...

Waving goodbye to many treats,
  accumulated underfoot dozens of calluses,
  and I continue trying reflorir my ground ...

Luciana Nobre

Haghpat Monastery, also known as Haghpatavank ("Հաղպատավանք" in Armenian), is a medieval Armenian monastery complex in Haghpat, Armenia.

The monastery was founded by Queen Khosrovanuysh, wife of the Bagratid king Ashot III, probably in 976. The nearby monastery at Sanahin was built around the same time.

The location of Haghpat Monastery was chosen so that it overlooks the Debed River in northern Armenia's Lori region. It was built, not on a peak, but halfway up a hillside on a site chosen to afford protection and concealment from prying eyes and also in response to a kind of monastic humility. It is built on a verdant promontory located in the middle of a mountain cirque, which is often wreathed in clouds. A peak on the opposite side of the river is over 2,500 meters high. The monasteries of northern Armenia are not isolated, unlike their counterparts in the country's arid regions. They were built in a village environment and Haghpat is surrounded by many hamlets.

The largest church in the complex, the Cathedral of Surb Nishan, probably begun in 976, was completed in 991 by king Smbat. It is a typical example of tenth century Armenian architecture, its central dome rests on the four imposing pillars of the lateral walls. The outside walls are dotted with triangular recesses. A fresco in the apse depicts Christ Pantocrator. Its donor, the Armenian Prince Khutulukhaga, is depicted in the south transept (a transversal nave intersecting the main nave). The sons of the church's founder, Princes Smbat and Kurike, are shown with Queen Khosravanuysh in a bas-relief on the east gable. Apart from one or two minor restorations carried out in the eleventh and twelfth centuries, the church has retained its original character.

There are several other structures at the site as well. There is the small domed Church of Sourb Grigor (St. Gregory ) from 1005. Two side chapels were added to the original church; the larger one built in the beginning of the 13th century and the smaller, known as "Hamazasp House", built in 1257. In 1245, a three-story tall free-standing belltower was constructed. Other 13th century additions include the chapel of Sourb Astvatsatsin, the scriptorium, and a large refectory which is outside of the monastery limits.

There are also a number of splendid khachkars (cross-stones) of the 11th-13th centuries standing on the territory of the monastery, the best known among them is the "Amenaprkich" (All-Savior) khachkar which has been standing since 1273.

The monastery has been damaged many times. Sometime around 1130, an earthquake destroyed parts of Haghpat Monastery and it was not restored until fifty years later. It also suffered numerous attacks by armed forces in the many centuries of its existence and from a major earthquake in 1988. Nevertheless, much of the complex is still intact and stands today without substantial alterations.

Today the area is an increasingly popular tourist site.

Described as a "masterpiece of religious architecture and a major center of learning in the Middle Ages", Haghpat monastery, together with Sanahin monastery, was placed on UNESCO's World Heritage List in 1996.[4]

The monasteries at Haghpat and Sanahin were chosen as UNESCO World Heritage Sites because:

The two monastic complexes represent the highest flowering of Armenian religious architecture, whose unique style developed from a blending of elements of Byzantine ecclesiastical architecture and the traditional vernacular architecture of the Caucasian region.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti 

colaboração: Karina Gabuzyan

Marta Trancu-Rainer, Prima femeie medic chirurg din Romînia -- Marta Trancu-Rainer, The first woman surgeon from Romania

Fiica unor negustori armeni cu stare, Lazăr Trancu şi Ana Ciomac, sora lui Grigore Trancu-Iaşi, a absolvit Facultatea de Medicină din Iaşi, urmând şi un curs de Medicină Internă la Spitalul „Colţea” din Bucureşti. 

A ocupat, prin concurs, un post de medic secundar în chirurgie şi a început să profeseze, după ce a fost întâmpinată de dezaprobarea confraţilor bărbaţi, care considerau o glumă faptul că o femeie doreşte să devină medic chirurg. 

S-a căsătorit cu celebrul anatomist şi antropolog Francisc I. Rainer, întemeietorul Institutului de Antropologie din România. 

Mobilizată în Primul Război Mondial, cu gradul de maior, a realizat numeroase intervenţii chirurgicale prin care a salvat sute de vieţi. A condus, concomitent, Spitalele „Colţea”, cel al „Şcolii de Poduri şi Şosele”, precum şi Spitalul de Chirurgie instalat în Palatul Regal, la cererea Reginei Maria. „Cele două erau mereu împreună în marile spitale şi în spitalele de campanie, în mijlocul răniţilor de război” (dr. V.T. Terenţiu). Suferind o plagă infectată din cauza deselor expuneri la infecţiile răniţilor, Regina a fost operată la mână de către prietena sa. 

După încheierea războiului, Marta Trancu-Rainer a continuat să profeseze ca medic chirurg, dar paralel a practicat, la cabinetul său particular şi ginecologia. „La început de secol al XX-lea, era cunoscută în Bucureşti ca unul dintre cei mai buni şi mai solicitaţi medici ginecologi” (dr. V.T. Terenţiu). 

În 1935 a fost primită în Academia de Medicină, recunoscându-i-se astfel activitatea de cadru didactic universitar.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti
Gabriela Mangirov

The first woman surgeon from Romania

The daughter of Armenian merchants with state and Ana Lazar Trancu Ciomac, Gregory's sister Trancu-Iasi, graduated the Faculty of Medicine in Iasi, following a course of Internal Medicine at Hospital "corner" of Bucharest.
A busy contest, a post secondary physician in surgery and began to practice, after being met by disapproval fellow men, who considered a joke that a woman wants to become a surgeon.
He married the famous anatomist and anthropologist Francis I. Rainer, founder of the Anthropological Institute of Romania.
Mobilized in World War I, with the rank of major, he performed numerous surgeries that saved hundreds of lives. Led simultaneously Hospitals "corner" at the "School of Bridges and Roads" and Surgery Hospital in Royal Palace installed at the request of Queen Mary. "The two were always together in major hospitals and in hospitals campaign in the midst of war wounded" (Dr. Terence VT). Suffering an infected wound infections because of frequent exposure to the wounded, Regina was operated by his girlfriend at hand.
After the war, Marta Trancu-Rainer continued to practice as a surgeon, but practiced parallel to his private office and gynecology. "In the beginning of the twentieth century, Bucharest was known as one of the best and ask gynecologists' (Dr. Terence VT).
In 1935 he received the Academy of Medicine, thus recognizing the work of a university professor.

Le Musée du Monastère des Augustines: un retour aux sources

Le design de l'exposition permanente a été élaboré par la firme Bisson Castonguay. Le panneau grillagé rappelle l'époque du cloître, alors les religieuses parlaient aux visiteurs à travers une grille.


(Québec) Dans un tel lieu chargé d'histoire, élaborer une exposition permanente sur le patrimoine des Augustines se révèle tout un défi. «C'est un projet intégré, qui s'enracine dans l'histoire et s'inspire du ressourcement. Se ressourcer, ça signifie revenir aux sources, à l'histoire», signale Mme Gaumond, qui établit le lien avec la nouvelle fonction du monastère, qui ouvrira bientôt au public sous forme de centre de santé globale.

Portant les traces de l'incendie qui a ravagé L'Hôtel-Dieu de Québec en 1755, ce mortier avec pilon aurait été emporté de France par les trois augustines fondatrices en 1639.


Ce coffret de chirurgie (vers 1730) provient de la collection du monastère de l'Hôpital général de Québec.


Au premier étage, les visiteurs-qui séjournent sur place ou qui sont de passage pour la journée - accèdent à la première salle de l'exposition, auparavant le grand parloir. À l'époque où les Augustines étaient cloîtrées, c'est là que les gens pouvaient entrer en contact avec les religieuses. On y verra les «objets vedettes» provenant des 12 monastères des Augustines au Québec, mentionne Mme Gaumond. Par exemple, le coffre qu'ont amené de France les trois fondatrices des Augustines, en 1639.

Dans la deuxième salle, on entre un peu plus dans «le cloître», dans ce qui était le parloir de la supérieure. C'est là que les jeunes femmes aspirant à devenir augustines se présentaient à la mère supérieure, explique Catherine Gaumond. On y verra notamment une «robe de mariée, que les femmes portaient pour prononcer leurs voeux, puisqu'elles se mariaient à Dieu», dévoile la directrice de la muséologie.

Tout comme les religieuses, le visiteur fait ensuite son «noviciat» en découvrant à quoi ressemblait la vie quotidienne de ces femmes dont le rôle premier était de soigner. Avec le corps comme fil conducteur, on y présente l'évolution des pratiques médicales de la Nouvelle-France à aujourd'hui. Fondatrices du premier hôpital en Amérique au nord du Mexique, L'Hôtel-Dieu de Québec, les Augustines détiennent une riche collection d'artéfacts médicaux.

Enfin, dans le grand réfectoire, on en apprend davantage sur le savoir-faire des religieuses. Roberie, cordonnerie, imprimerie, entretien ménager, confection de fleurs... les Augustines savaient faire preuve de débrouillardise! Aussi, six stations vidéo présentent des extraits d'un film tourné avec les religieuses.

«Le design de l'exposition est très contemporain» souligne Catherine Gaumond. Des lignes droites, un look très épuré qui laisse toute la place aux objets. Des visites guidées seront offertes, et un audioguide sera mis à la disposition des visiteurs.

Le deuxième étage abrite une série de photographies d'archives. Les visiteurs pourront aussi accéder au choeur et à la chapelle du monastère, selon la disponibilité de ces lieux toujours utilisés par les religieuses. Il en va de même pour les voûtes qui, lorsqu'il n'y aura pas d'événement en cours, valent le détour.

Grande proximité

Les visiteurs qui séjournent au monastère auront aussi le loisir d'admirer la collection d'oeuvres françaises et de la Nouvelle-France des Augustines, installée au troisième étage, où se trouvent les chambres authentiques. «Les gens vont avoir une proximité épouvantable avec le patrimoine!» s'exclame Mme Gaumond. Ceux qui le souhaitent pourront aussi accéder au centre d'archives pour y faire des recherches, sur réservation.

Les artéfacts qui font partie de l'exposition permanente du monastère des Augustines ne représentent qu'une petite partie du legs des religieuses, qui compte quelque 40000artéfacts. Pour rassembler tous ces objets en un même lieu, on a construit un nouvel étage au pavillon le plus récent du monastère pour y abriter une vaste réserve muséale.

«Ça fait au moins deux ans, deux ans et demi qu'on travaille à tout consigner et à classer les artéfacts. Les objets et le mobilier de collection, du XVIe siècle à aujourd'hui, sont sélectionnés selon des critères historiques et de sens. Ils sont classés selon trois axes : les oeuvres sociales, les oeuvres religieuses et la vie communautaire», explique la directrice de la muséologie.

La réserve est accessible uniquement aux chercheurs, sur rendez-vous.Au monastère des Augustines, «le musée est partout». «Le monastère est un artéfact en soi, on peut interpréter partout», indique la directrice de la conservation et de la muséologie, Catherine Gaumond.

fonte: @edisonmariotti #edisonmarioti


La experiencia del visitante potencial del museo es el resultado de la suma de una serie de procesos en la vida que han de permitir que una persona que no demuestra interés por visitar el museo, ya sea por desconocimiento, por falta de formación o por no sentirse identificado con la institución, pase de una primera visita casual a frecuentar el museo y con el tiempo llegue a convertirse en un activo participante del mismo. Ese es nuestro sueño y objetivo.

Para que esta primera visita sea haga posible, el museo debe generar las expectativas que la propicien. Todos aquellos que trabajamos en museos, de una manera u otra, solemos cometer el error de dar por sentado que nuestro entorno conoce la institución. Pensamos que las exposiciones y actividades que programamos son del agrado de nuestros visitantes, cuando habitualmente son el resultado de intereses y gustos particulares muy alejados de los del gran público. Unas veces por intereses políticos, otras por el perfil de los conservadores y otras por compromisos adquiridos, el museo continúa alejado de aquella sociedad a la que pretende servir.

Ya no hablarnos de conocer las piezas más destacadas de la colecciones, sino de que conozcan su existencia y la ubicación del mismo museo. Puede que os suene a una tontería pero no lo es, haced la prueba, dad una vuelta por una de las principales calles de vuestra ciudad, preguntando a algún que otro viandante si conoce un museo determinado de la localidad y si lo sabe ubicar con precisión, puede que os llevéis una sorpresa (no precisamente grata). Quizá entonces empecéis a entender qué muchos turistas dan vueltas hasta llegar a ciertos museos, ya que ninguno de los transeúntes que se han encontrado les ha sabido indicar dónde encontrarlo, y quizá también entendamos por qué los propios habitantes de la ciudad en cuestión no han visitado el museo. Todo esto sin contar con la ausencia de señalización exterior.

Por lo tanto, el primer paso consiste en saber cómo llegar al museo para realizar una primera visita; una vez en el museo, si superamos esta primera prueba y el itinerario propuesto le permite descubrir progresivamente sugerentes e interesantes posibilidades que este le puede ofrecer, seguramente el visitante volverá ya sea solo o acompañado. La primera experiencia es clave para que se produzca o no la segunda fase del proceso: la frecuentación. Es como una historia de amor: si se gustan, volverán a verse.

Si el visitante no se ha sentido cómodo, ni bien acogido, ni le hemos ofrecido la oportunidad de descubrir nuevas experiencias que le satisfagan, difícilmente volverá a visitarnos. Si, por el contrario, la visita ha sido de su agrado, es muy probable que vuelva a visitarnos acompañado de amigos, familiares y conocidos, ampliando así nuestra red de públicos y sintiéndose parte del museo, comenzando a interesarse por la oferta de actividades programadas: visitas guiadas, talleres, exposiciones temporales, conferencias, cine…, pasando de visitante frecuente a participativo. Puede que algunos de vosotros consideréis demasiado simple este planteamiento, pero os podemos asegurar que para muchos gestores de museos es una lección pendiente por aprender.

fonte: @edisonmariotti $edisonmariotti  Espacio Visual Europa (EVE)

The genesis of the Odisha State Museum goes back to the year 1932, when two notable historians Prof. N. C Banerjee & Prof. Ghanshyam Dash of Ravenshaw College, Cuttack started collection of archaeological treasures from various places.

The small museum was then housed within the premises of the College. In 1938, by a suitable order, the Government of Odisha transformed this nucleus into the Provincial museum of Odisha.

Maintaining close contact with the general public and the Archaeological Department of the Government of India and other States, the Museum continued to grow. In order to popularize the cultural exhibits of the Museum, leaflets printed both in Odia and English were published in the Samaj and the New Odisha and copies of the same were sent to officials and the public to create a sense of awareness about the significance of the Museum. As a result of this publicity, students and the general public started visiting the Museum in large numbers. The teachers of the History Department made sustained efforts to explain to them the cultural value of the Museum and its exhibits.

The genesis of the Odisha State Museum goes back to the year l932, when two notable Historians, Prof. N.C. Banerjee and Prof. Ghanshyam Dash of Ravenshaw College, Cuttack started collection of archaeological treasures from various places. The small Museum was then housed within the premises of the College. In l938, by a suitable order, the Government of Odisha transformed this nucleus into the Provincial Museum of Odisha and appointed Committee of Management consisting of the Principal, the Head of the Department of History and three other Professors of the College.

Maintaining close contact with the general public and the Archaeological Department of the Government of India and other States, the Museum continued to grow. In order to popularize the cultural exhibits of the Museum, leaflets printed both in Odia and English were published in the Samaj and the New Odisha and copies of the same were sent to officials and the public to create a sense of awareness about the significance of the Museum. As a result of this publicity, students and the general public started visiting the Museum in large numbers. The teachers of the History Department made sustained efforts to explain to them the cultural value of the Museum and its exhibits.

Initially, it was only an Archaeological Museum with a collection of sculptures, terracotta, numismatics, copper plates and specimens of fine arts. With the growing interest of the staff and people, the antiquities were reorganized in a systematic manner. Stone sculptures were rearranged in three groups related to their styles: such as Gandhara Art, North Indian Art, Odisha Art, and each group were subdivided into Buddhist, Jain and Brahnmanical images. Terracotta objects and coins were also organised according to the spots they were found in, their age and types.

With the shifting of the State Capital from Cuttack to Bhubaneswar in l947-48, the Provincial Museum was also shifted there. Slowly the collection of antiquities and specimens grew manifold and the necessity of having a special building for the purpose was felt. The foundation stone of this building was laid on 29th December, l957 by Dr. Rajendra Prasad, the then President of the Indian Union. Dr. H. K. Mahtab, the then Chief Minister of Odisha and a noted historian himself took the initiative for making the institution a full fledged Museum. The construction of the building along with an administrative block, an auditorium (Kalamandap) and a Guest House was completed in l960 and in the same year the Museum was shifted to the new building. The institution was renamed the Odisha State Museum and in the same year.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Museo Oteiza -- La visita a la Casa-taller de Jorge Oteiza extiende el discurso expositivo del Museo Oteiza hasta un escenario vital esencial en la biografía del artista.

El proyecto desarrollado por Francisco Sáenz de Oiza responde al propósito de sencillez perseguido por el arquitecto, preocupado por armonizar el equilibrio entre contenido y continente. Una voluntad del arquitecto que afirmó que “la Fundación no puede caer en la contradicción de hacer una escultura para contener esculturas. Cuanto más elemental y simple resulte, más monumentales resultarán las esculturas que se ofrezcan en su interior”.

Esta idea de no monumentalidad arquitectónica, de sencillez concebida al servicio de la obra, le llevó al autor a plantear este edificio como el resultado de “invertir el templo religioso tradicional”, según dejó escrito. “En la iglesia, los vitrales iluminan la nave central, mientras que la luz menor alcanza las naves laterales. De tal manera que la mayor intensidad luminosa significa una mayor importancia religiosa: el altar se orienta a la salida del sol. Yo he pretendido hacer exactamente lo contrario: un templo profano en el que la luz se recibe por los laterales y entra a contraluz en el centro, de modo que ese espacio sea oscuro y misterioso. Esa idea enlaza con el recuerdo del túnel en el que trabajaba Oteiza (en Arantzazu), que era un lugar no muy iluminado, pero que tenía un misterio encantador”.

El proyecto arquitectónico desarrollado por Francisco Javier Sáenz de Oiza responde a la idea genérica de articular una secuencia interrelacionada de espacios de muy distinta escala, presidida por una central y dominante, que por sus proporciones recuerde al túnel que el artista traspasaba en Arantzazu cuando esculpió la estatuaria que jalona el Santuario. Este espacio central cargado de misterio articula la ordenación del resto de las salas, concebidas para acoger el conjunto experimental de Jorge Oteiza y funcionar de acorde con la significación espiritual y metafísica de sus indagaciones acerca del vacío y la desocupación de las formas geométricas.

El edificio se erige sobre la ladera sur de Alzuza como un cubo de hormigón teñido de rojo, coronado por tres lucernarios prismáticos de grandes dimensiones. Su interior destaca por la sucesión de diferentes espacios que se descubren por las diferentes entradas de luz del Museo.

Otra característica fundamental del edificio es la relación comunicante que establece con la vivienda original del artista, definida ahora como Casa-taller. Esta infraestructura está comunicada a través de una galería vidriada que interrelaciona estos dos espacios, conservando la fachada y la estructura interior de la vivienda como testimonios de los años en los que Oteiza vivió en esta localidad. La comunicación de estas dos estructuras arquitectónicas se produce de manera armoniosa, que deja a la vista un pequeño patio, que recoge la memoria del primitivo taller del escultor.

fonte: #edisonmariotti #edisonmariotti


La visita a la Casa-taller de Jorge Oteiza extiende el discurso expositivo del Museo Oteiza hasta un escenario vital esencial en la biografía del artista. Jorge Oteiza y su mujer Itziar Carreño se instalaron en esta casa abandonada de Alzuza en 1975 y lo convirtieron en su vivienda, centro de trabajo y refugio. Alzuza se convirtió en el escenario de la anunciada voluntad del artista de alejamiento, donde encontró el necesario aislamiento para centrarse en su creación poética, ensayística y de investigación, aunque resultó también un punto de encuentro para la comunidad intelectual en contacto con Oteiza.

Este espacio ofrece un acercamiento a la personalidad creativa del artista a través de la exposición de unidades temáticas, geográficas y audiovisuales, que ayudan a recomponer el itinerario vital y creativo del artista.
Los diferentes espacios de la Casa-taller se ordenan en virtud de nuevos elementos informativos y documentales que testimonian los escenarios y las disciplinas creativas de Jorge Oteiza y que facilitan algunas claves que permiten el acceso al conjunto creativo y vital del autor, aportando una visión cartográfica de su personalidad y sus pronunciamientos creativos.

Entre estos elementos expositivos, destaca la numerosa documentación escrita y gráfica inédita, algunas maquetas de sus proyectos arquitectónicos, esculturas, estudios de su laboratorio de tizas y otros objetos del artista. La reordenación de los espacios y los fondos actualmente presentes se articulan en dos ejes, uno geográfico y otro temático.

El eje geográfico contiene numerosas imágenes de la vida de Oteiza junto con textos explicativos de diferentes periodos de la vida del artista.

El eje temático que rige la ordenación de los materiales expuestos presenta diferentes unidades vinculadas a los numerosos proyectos artísticos y culturales desarrollados por el artista y que hacen mención a su relación con la arquitectura, sus estudios sobre el euskara preindoeuropeo, su quehacer poético, su vinculación con el cine, los problemas estéticos planteados en sus textos y libros, la acción social y cultural desarrollada a lo largo de su vida, o su vinculación con la Escuela Vasca de grupos de vanguardia. Cada uno de estos epígrafes va acompañado por numerosa documentación que recoge e ilustra el pensamiento de Oteiza en referencia a los aspectos abordados en cada uno de los grupos.