quarta-feira, 9 de setembro de 2015

MUSEO COMO HERRAMIENTA DE INTEGRACIÓN SOCIAL -- · en CULTURA, DIDÁCTICA PARA NIÑOS, GESTIÓN, INSTITUCIONES, MUSEO, OPINIÓN. ·

Los museos son un lugar privilegiado para observar la nueva realidad socio-cultural a la que estamos llegando actualmente. Vislumbramos una realidad que nuestra sociedad está experimentando y los servicios educativos de los museos también – cuando los tienen -. Los museos pueden actuar como un canal de transmisión entre aquello que ocurre en la comunidad y la propia sociedad en la que se encuentra, sobre todo desde el punto de vista de la ayuda a la integración. Por esta razón, han visto necesario analizar a fondo la situación para afrontar el reto de la adaptación en su modernización y a los cambios sociales.


Debemos pensar que en alguna de nuestras clases en las escuelas y colegios – públicos en su mayoría – se encuentran grupos con una tasa de niños y niñas emigrantes del 100%, y con múltiples nacionalidades. En Salt (Gerona, España, aunque hay otros muchísimos ejemplos), donde ha habido una fuerte llegada de población extranjera, ha hecho que en la última década del 2013-2014, los alumnos de origen emigrante haya alcanzado el 83% (redondeado) del total de la población estudiante en las escuelas.


Otras escuelas, mejor los llamamos colegios, se han cerrado en banda donde se concentran los alumnos nativos del país, “producto 100% nacional”, con presencia casi nula de alumnado extranjero. Esta situación lo que provoca es que los alumnos de los colegios vivan en una burbuja, alejados de la realidad de lo está ocurriendo en esta aldea global nuestra. Ya en sus casas, con el Facebook, Instagram, You Tube, chats, whastapps, etcétera, no están aprendiendo nada, solo a escribir cada día peor.


El museo debe ser un espacio neutral, un lugar de encuentro donde se pueden llegar a romper esas barreras ideológicas que tanto daño hacen a nuestra sociedad en convivencia los unos con los otros en paz, respeto, solidaridad y sin prejuicios. Hay que saltarse esas barreras culturales ya rancias, las económicas y las que hagan falta, en un espacio vivo donde se pueda compartir y mostrar nuestra herencia cultural. Esta es una herencia cultural que invariablemente se ha nutrido a lo largo de la historia – en la mayoría del mundo conocido – de las aportaciones de los pueblos y gentes diversas que vienen y van, procedentes de todas las capas de la sociedad. El museo entonces puede representar un complemento de mucho valor para la educación en estos momentos de cambio social y necesidades excepcionales (como son las huidas masivas de personas desde países en conflicto).


Los que llegan deben enraizarse cuatro antes, si se les deja; hasta que no se produzca una estabilidad que les permita dedicar una parte de sus ingresos y de su tiempo al ocio, el acceso de estos grupos de personas a los museos, y otras instituciones de carácter cultural, deberá realizarse a través de programas de públicos que estén dentro de la influencia de la discriminación positiva hacia esos colectivos.


Es necesario que los responsables de los museos superemos el estadio de programar visitas y talleres compuestos exclusivamente por y para emigrantes – aunque menos es nada, desde luego -, porque, al hacerse así, estamos generando una nueva exclusión en la falta de integración de estas personas a la sociedad desde dentro del propio museo.





fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti  Espacio Visual Europa (EVE)

Diamantina, Minas Gerais, Brasil - Cidade brasileira de origem portuguesa ( Portugal ) que são Patrimônio Mundial

Diamantina é uma cidade colonial engastada como uma pedra preciosa em um inóspito maciço montanhoso. É um testemunho da aventura dos mineradores de diamantes do século XVIII, assim como do influxo exercido pelas realizações culturais e artísticas do ser humano em seu marco de vida.


Antes da chegada dos colonizadores portugueses, no século XVI (os primeiros relatos dão conta de expedições que subiram o Rio Jequitinhonha e São Francisco) , Diamantina, como toda a região do atual estado de Minas Gerais, era ocupada por povos indígenas do tronco linguístico macro-jê.

Diamantina foi fundada como Arraial do Tejuco em 1713, com a construção de uma capela que homenageava o padroeiro Santo Antônio. A localidade teve forte crescimento quando da descoberta dos Diamantes em 1729. Em fins do século XVIII era a terceira maior povoação da Capitania Geral da Minas, atrás da capital Vila Rica (Ouro Preto) e com população semelhante a da próspera São João Del Rey. 

No século XVIII cresceu devido à grande produção local de diamantes, que eram explorados pela coroa portuguesa. Foi conhecida inicialmente como Arraial do Tejuco (ou Tijuco) (do tupi tyîuka, "água podre" ), Tejuco e Ybyty'ro'y (palavra tupi que significa "montanha fria", pela junção de ybytyra ("montanha") e ro'y ("frio") . Durante o século XVIII, a cidade ficou famosa por ter abrigado Chica da Silva, escrava alforriada que era esposa do homem mais rico do Brasil Colonial, João Fernandes de Oliveira.

A cidade emancipou-se do município do Serro somente em 1831, passando a se chamar Diamantina por causa do grande volume de diamantes encontrados na região. A demora se devia à necessidade de maior controle local pelas autoridades coloniais visto que já em meados do século XVIII a população era maior que a da Vila do Príncipe do Serro Frio, cabeça da comarca. A vida em Diamantina no final do século XIX foi retratada por Alice Brant no seu livro Minha Vida de Menina, que se tornou um marco da literatura brasileira após ter sido redescoberto por Elizabeth Bishop.

Em 1938, Diamantina comemorou seus cem anos de elevação à categoria de cidade, recebendo do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional o título de "patrimônio histórico nacional". E, no ano de 1999, foi elevada à categoria de "patrimônio da humanidade" pela Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura.

Caminho dos Escravos

A cidade é um dos destinos da Estrada Real, um dos roteiros culturais e turísticos mais ricos do Brasil, e faz parte do circuito turístico dos Diamantes.

A cidade é conhecida por suas serestas e vesperata, que é um evento em que os músicos se apresentam à noite, ao ar livre, das janelas e sacadas de velhos casarões, enquanto o público assiste das ruas.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti http://www.vortexmag.net/
colaboração: Rosane Giacomelli 


Photoproject Nicholas Endegora "Marble Louvre" -- Фотопроект Николая Эндегора "Мрамор Лувра" -- Photoproject Nicholas Endegora "Marble Louvre" --


Fotógrafo francês Nikolay Endegor, conhecida por sua série de fotos eróticas, ele decidiu tentar a sua mão em um novo gênero e criou uma magnífica série de fotografias intitulada "Marble Louvre."



no idioma russo, depois no dioma brasileiro e por último em inglês.

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Французский фотограф Николай Эндегор, известный своими эротическими фотосериями, решил попробовать себя в новом жанре и создал великолепную серию фотоснимков под названием «Мрамор Лувра».





Скульптура Франсуа Жуффруа «Секрет», 1839. Париж, Лувр

Оригинальное название этой статуи «Premier secret confi Vnus» – «Первый секрет». Молодая девушка делится с богиней Венерой тайной своей любви. Николаю Эндегору точно удалось передать все движения, несмотря на то, что все великие скульптуры для него, как и для многих посетителей музея, недосягаемы.

Статуя Лоренцо Бартолини «Нимфа, ужаленная скорпионом», 1845. Париж, Лувр

Это одно из лучших произведений скульптора. Создана по заказу князя Шарля де Бово. Работа с успехом демонстрировалась в парижском Салоне 1845 г. Именно на эту статую обратил внимание российский император Николай I, который и заказал Бартолини ее копию. К сожалению, скульптор умер, не успев завершить свое творение в подарок русскому царю, и прекрасную нимфу довел до ума флорентиец Джованни Дюпре. Эта копия сейчас хранится в Эрмитаже.

Фотоколлаж Николая Эндегора в точности повторяет сюжет Лоренцо Бартолини, девушке даже удалось прочувствовать укус скорпиона, отразив эмоцию на лице.

Римская статуя, II в н.э. «Отдыхающий Гермафродит», Париж, Лувр

Нимфа Салмакида, увидев купающегося сына Гермеса и Афродиты, влюбилась в него без памяти. Однако, как она ни старалась, сердце прекрасного юноши не смогла пленить. Отчаявшись, Салмакида обратилась с молитвой к богам, чтобы те навсегда соединили ее с возлюбленным. Молитва была услышана, но выполнена буквально: теперь они стали единым целым. Так появилось двуполое существо – Гермафродит.

Модель Николая Эндегора, копируя оригинал, кажется, привнесла эмоцию обреченного спокойствия.

По мотивам статуи Жана-Жака Прадье «Психея», 1824. Париж, Лувр

В древнегреческой мифологии Психея – это олицетворение души, дыхания. Она представлялась в образе трепетной бабочки или девушки с бабочкой (с крыльями бабочки). Наиболее известен миф об Эроте (Амуре) и Психее, согласно которому земная девушка Психея за свою любовь и верность получает от Зевса бессмертие и соединяется с возлюбленным.

Модель фотографа безукоризненно воплотила образ прекрасной богини, порой даже любуясь скульптурным сходством с оригиналом.

Скульптура Жан Гужона(?) «Диана с луком», ок. 1550. Париж, Лувр

Охотница Диана – повелительница дикой природы, покровительница женственности и плодородия. Посмотрите, как ловко держит лук модель фотографа, гордясь своими совершенными, поистине божественными формами.

Скульптура Лоренцо Бартолини «Дирсея», 1834. Париж, Лувр

Жестокосердная фиванская царица Дирсея была вакханкой, почитательницей бога Диониса. Минута печального откровения запечатлена скульптором. Столь же безучастен взгляд модели фотографа.

Римская копия с греческого оригинала «Три грации», II в.н.э., Лувр, Париж

Грации – три богини красоты и изящества, спутницы богини любви, олицетворение женской прелести. В переносном смысле – красотки, обладающие совершенной фигурой и идеальными чертами лица. Модель фотографа очень органично вписалась в композицию.

По мотиву скульптора Дени Фуатье «Сиеста», 1848. Лувр, Париж

По мотиву скульптора Этьена-Мориса Фальконе «Пигмалион и Галатея», 1763. Лувр, Париж

Критский скульптор Пигмалион был так увлечен своей работой, что не обращал внимания на женщин. Разгневанная этим богиня любви Афродита заставила его влюбиться в статую молодой девушки Галатеи, им же самим и созданную, и тем самым обрекла его на муки безответной любви. Страсть Пигмалиона оказалась такой сильной, что Афродита сжалилась, и вдохнула в статую жизнь. Ожившая Галатея стала женой Пигмалиона. Фотомодель, похоже, и есть реальная Галатея, которая просто очаровывает своими идеальными параметрами.

По мотиву скульптора Поля Лемуана «Нимфа Эхо», 1821. Лувр, Париж

Нимфа Эхо была наказана женой Зевса Герой за болтливость, поскольку отвлекала богиню разговорами, когда громовержец изменял ей. Гера лишила Эхо дара самостоятельной речи: отныне она только могла повторять слова, произнесенные другими. Это наказание оказалось для Эхо роковым. Влюбившись в прекрасного Нарцисса, она не могла ему в этом признаться. Страдая от безответного чувства, нимфа иссохла, и от нее остался один лишь голос…

Скульптура Жана-Жака Прадье «Туалет Аталанты», 1850. Лувр, Париж

Аталанта была знаменитой греческой бегуньей. Она соглашалась выйти замуж лишь за того претендента, кого не смогла бы догнать. Проигравших «свадебный марафон» она убивала броском копья в спину. Победить ее смог только Гиппомен, которому Афродита дала три золотых яблока, чтобы он обронил их на бегу и тем отвлек Аталанту

Источник : @edisonmariotti #edisonmariotti  - blog.i.ua


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Photoproject Nicholas Endegora "Marble Louvre"





Fotógrafo francês Nikolay Endegor, conhecida por sua série de fotos eróticas, ele decidiu tentar a sua mão em um novo gênero e criou uma magnífica série de fotografias intitulada "Marble Louvre."


Escultura François Jouffroy "The Secret", de 1839. Paris, Louvre

O nome original desta estátua «Premier confi segredo VNUS» -. «O primeiro segredo" Uma rapariga que é partilhada com a deusa Vênus segredo do seu amor. Nicholas Endegoru exatamente conseguiu transmitir todo o tráfego, apesar do fato de que toda a grande escultura para ele, como para muitos visitantes para o museu, inacessível.


Estátua de Lorenzo Bartolini "Ninfa, picado por um escorpião", 1845. Paris, Louvre

Esta é uma das melhores obras do escultor. Criado por ordem do príncipe Charles de Bovo. O trabalho foi demonstrado com sucesso no Salão de Paris em 1845 precisamente para este artigo eu indiquei o russo Imperador Nicolau I, que ordenou e cópia Bartolini. Infelizmente, o escultor morreu antes que pudesse completar a sua criação como um presente ao czar russo ea bela ninfa trouxe à mente o florentino Giovanni Dupre. Esta cópia é agora mantido no Hermitage.

Foto colagem Nicholas Endegora exatamente o mesmo que a história de Lorenzo Bartolini, a menina ainda conseguiu sentir a picada de um escorpião, refletindo a emoção em seu rosto.


Estátua romana, do século II dC "Descansar Hermafrodita" Louvre

Salmacis ninfa viu o filho tomar banho de Hermes e Afrodite, apaixonou-se sem memória. No entanto, enquanto ela tentava, o coração do jovem, bela não foi capaz de captar. Desesperado, salmacis dirigiu uma oração aos deuses, a todos aqueles conectados com seu amante. A oração foi ouvida, mas feito apenas agora eles se tornaram um. Então, houve um bissexual sendo - Hermafrodita.

Modelo Nicholas Endegora emoção copiar o original, ele parece condenada trouxe tranqüilidade.


Por motivos de a estátua de Jean-Jacques Pradier "Psyche", 1824. Paris, Louvre

Na mitologia grega, Psiquê - é a personificação da alma de ar. Ela representa a imagem de uma borboleta que vibra ou meninas com borboleta (com asas de uma borboleta). O mais famoso mito de Eros (Amur) e Psique, segundo a qual a menina terra Psyche por seu amor e fidelidade recebe de Zeus a imortalidade e se conecta com seu amante.

Fotógrafo Modelo encarna perfeitamente a imagem de uma deusa bonita, às vezes admirando a semelhança escultural ao original.


Escultura de Jean Goujon (?) "Diana com curva", aprox. 1550. Paris, Louvre

Diana, a Caçadora - Lady animais selvagens, padroeira da feminilidade e da fertilidade. Veja como habilmente mantém o fotógrafo modelo de cebola, orgulhoso de sua forma perfeita, verdadeiramente divina.


Escultura Lorenzo Bartolini "Dirceu", 1834. Paris, Louvre

Rainha de Tebas Cruel Dirceu teve Bacantes, admirador do deus Dionísio. Revelação triste minuto encarnada escultor. Igualmente indiferente fotógrafo modelo olhar.


Cópia romana de um original grego "Três Graças", ANÚNCIO do século II, Louvre, Paris

Gracia - três deusas da beleza e graça, um companheiro da deusa do amor, a personificação de encantos femininos. Em sentido figurado - beleza, tem uma figura perfeita e características faciais perfeitas. Artista modelo muito organicamente encaixam na composição.


Por motivos de o escultor Denis Fuat "Siesta", 1848. Louvre, Paris


Por motivo escultor Etienne-Maurice Falconet "Pygmalion e Galatea", 1763. Louvre, Paris

Escultor Pigmalião Cretan ficou tão impressionado com o seu trabalho que não paga a atenção para as mulheres. Enfurecido por este deusa do amor Afrodite fez cair no amor com a estátua Galatea de uma jovem garota, e ele mesmo criou, e, assim, condenados a sofrer seu amor não correspondido. A paixão de Pygmalion foi tão forte que Afrodite teve pena, e deu vida a uma estátua. Galatea reviveu se tornou a esposa de Pigmalião. Modelo de forma que parece ter uma real e Galatea, que simplesmente fascina com seus parâmetros ideais.


Por motivos do escultor Paul Lemoine "ninfa Eco" de 1821. Louvre, Paris

A ninfa Eco foi punido pelo herói esposa de Zeus para loquacidade como conversa deusa distraído quando um trovão a traía. Hera roubou ECHO auto-fala: de agora em diante ela poderia repetir as palavras ditas por outras pessoas. Essa punição era for Echo fatal. Queda no amor com a bela Narciso, ela não podia admitir isso para ele. Sofrendo de sentimentos não correspondidos, ninfa secou, ​​e ela era uma de apenas uma voz ...


Escultura de Jean-Jacques Pradier "Toilet Atalanta", 1850. Louvre, Paris

Atalanta foi um famoso corredores gregos. Ela concordou em se casar apenas o fato de o requerente, que não poderia alcançá-lo. Losers "Maratona do casamento" ela matou lançamento do dardo na parte de trás. Ganhá-lo só poderia Gippomen que Afrodite deu três maçãs de ouro que ele caiu-los em fuga, ea Atalanta distraído

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Photoproject Nicholas Endegora "Marble Louvre"



French photographer Nikolay Endegor, known for its erotic photo series, he decided to try his hand at a new genre and created a magnificent series of photographs titled "Marble Louvre."


Sculpture François Jouffroy "The Secret", 1839. Paris, Louvre

Original name of this statue «Premier secret confi Vnus» - «The first secret." A young girl is shared with the goddess Venus secret of his love. Nicholas Endegoru exactly managed to convey all the traffic, despite the fact that all the great sculpture for him, as for many visitors to the museum, inaccessible.


Statue of Lorenzo Bartolini "Nymph, stung by a scorpion," 1845. Paris, Louvre

This is one of the best works of the sculptor. Created by order of Prince Charles de Bovo. The work was successfully demonstrated at the Paris Salon in 1845 precisely to this article I pointed out the Russian Emperor Nicholas I, who ordered and Bartolini copy. Unfortunately, the sculptor died before he could complete his creation as a gift to the Russian tsar and the beautiful nymph brought to mind the Florentine Giovanni Dupre. This copy is now kept in the Hermitage.

Photo collage Nicholas Endegora exactly the same as the story of Lorenzo Bartolini, the girl even managed to feel the bite of a scorpion, reflecting the emotion on his face.


Roman statue, II century AD "Resting Hermaphrodite" Louvre

Nymph salmacis saw bathing son of Hermes and Aphrodite, fell in love with no memory. However, as she tried, the heart of the beautiful young man was not able to capture. Desperate, salmacis addressed a prayer to the gods, to all those connected with her lover. The prayer was heard, but made just now they have become one. So there was a bisexual being - Hermaphrodite.

Model Nicholas Endegora copying the original, it seems doomed emotion brought tranquility.


On motives of the statue of Jean-Jacques Pradier "Psyche", 1824. Paris, Louvre

In Greek mythology, Psyche - is the embodiment of the soul of breath. It represents the image of a butterfly fluttering or girls with butterfly (with wings of a butterfly). The most famous myth of Eros (Amur) and Psyche, according to which the earth girl Psyche for his love and fidelity receives from Zeus immortality and connects with her lover.

Model photographer perfectly embodied the image of a beautiful goddess, sometimes admiring the sculptural resemblance to the original.


Sculpture by Jean Goujon (?) "Diana with bow", approx. 1550. Paris, Louvre

Diana the Huntress - Lady wildlife, patroness of femininity and fertility. See how cleverly keeps the onion model photographer, proud of his perfect, truly divine form.


Sculpture Lorenzo Bartolini "Dirceu", 1834. Paris, Louvre

Cruel Theban queen Dirceu had Bacchae, admirer of the god Dionysus. Minute sad revelation embodied sculptor. Equally indifferent look model photographer.


Roman copy of a Greek original "Three Graces», II century AD, Louvre, Paris

Gracia - three goddesses of beauty and grace, a companion of the goddess of love, the personification of feminine charms. In a figurative sense - beauty, has a perfect figure and perfect facial features. Model photographer very organically fit into the composition.


On motives of the sculptor Denis Fuat "Siesta", 1848. Louvre, Paris


By motive sculptor Etienne-Maurice Falconet "Pygmalion and Galatea", 1763. Louvre, Paris

Cretan sculptor Pygmalion was so impressed with his work that does not pay attention to women. Enraged by this goddess of love Aphrodite made him fall in love with Galatea statue of a young girl, and he himself created, and thus doomed to suffer his unrequited love. Pygmalion's passion was so strong that Aphrodite took pity, and breathed life into a statue. Revived Galatea became the wife of Pygmalion. Fashion model seems to have a real and Galatea, which simply fascinates with its ideal parameters.


On motives of the sculptor Paul Lemoine "nymph Echo", 1821. Louvre, Paris

The nymph Echo was punished by Zeus's wife Hero for talkativeness as distracted goddess conversation when thunder cheated on her. Hera robbed Echo will self-speech: henceforth she could repeat the words spoken by others. This punishment was for Echo fatal. Falling in love with the beautiful Narcissus, she could not admit it to him. Suffering from unrequited feelings, nymph dried up, and she was one of only a voice ...


Sculpture by Jean-Jacques Pradier "Toilet Atalanta", 1850. Louvre, Paris

Atalanta was a famous Greek runners. She agreed to marry only the fact of the applicant, who could not catch up. Losers "Wedding Marathon" she killed javelin throw in the back. Win it could only Gippomen which Aphrodite gave three golden apples that he dropped them on the run, and the distracted Atalanta

-- Museu de Arte Contemporânea de Teerã -- Tehran Museum of Contemporary Art -- موزه هنرهای معاصر تهران --

The Tehran Museum of Contemporary Art, Persian: موزه هنرهای معاصر تهران‎, is an art museum in Tehran, Iran.



The museum will remain closed for renovation until the 7th September 2015 (information provided from unlucky visitors of the museum).

The museum was designed by Iranian architect Kamran Diba, who employed elements from traditional Persian architecture. It was built adjacent to Laleh Park, Tehran, and was inaugurated in 1977. The building itself can be regarded as an example of contemporary art. Most of the museum area is located underground.

Garden of Sculptures, near the museum
It is considered to have the most valuable collection of Western modern art outside Europe and the United States, a collection largely assembled by founding curators David Galloway and Donna Stein under the patronage of Farah Pahlavi. It is said that there is approximately £2.5 billion worth of modern art held at the museum. The museum hosts a revolving programme of exhibitions and occasionally organises exhibitions by local artists.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti 

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Museu de Arte Contemporânea de Teerã

O Museu de Arte Contemporânea de Teerã (em persa موزه هنرهای معاصر تهران) é um dos mais importantes museus do Irã. Foi inaugurado em 1977, a partir do acervo adquirido pela imperatriz Farah Pahlavi pouco antes da queda da monarquia. A seleção das peças ficou a cargo do arquiteto Kamran Diba, primo de Farah, responsável também pelo projeto do edifício-sede do museu, localizado no Parque Laleh, na capital do país, agregando elementos da arquitetura persa tradicional e do Modernismo.

O museu possui uma das mais completas e valiosas coleções de arte ocidental no continente asiático, cobrindo o período que vai do Impressionismo às últimas décadas do século XX. Abriga também um conjunto expressivo de arte persa e iraniana, do século XVI em diante, mantém biblioteca, cinemateca e exposições temporárias.


Histórico
No período subseqüente à Segunda Guerra Mundial e à abdicação do xá Reza Pahlavi, artistas iranianos passaram a incorporar influências ocidentais em sua produção artística, realizando sínteses bem sucedidas entre essas influências e suas tradições nacionais. A morte do pintor Kamal al-Mulk, ocorrida em 1940, marcou simbolicamente o fim de uma era de estrita aderência à tradição pictórica acadêmica iraniana. Nas décadas de 1950 e 1960, esse processo de abertura e síntese se acentuaria, resultando na ampla participação de artistas iranianos em exposições e feiras internacionais, com a criação de galerias comerciais e o desenvolvimento do colecionismo.


Farah Pahlavi em Teerã na década de 1970.

Maquete do Museu de Arte Contemporânea de Teerã, 1975.
Na década de 1970, a imperatriz Farah Pahlavi começou a adquirir, com fundos governamentais, obras de arte modernas e contemporâneas, selecionadas por seu primo, o arquiteto Kamran Diba, visando a futura criação de um museu de arte moderna ocidental na capital iraniana. A alta do preço do petróleo, que se mantinha desde o começo dos anos 70, favoreceria duplamente a empreitada, pois ao mesmo tempo em que garantia uma arrecadação crescente de divisas ao governo iraniano, debilitava o mercado de arte europeu e norte-americano. Aproximadamente 150 obras de artistas exponenciais, como Claude Monet, Pablo Picasso, Jackson Pollock e Roy Lichtenstein, foram adquiridas por preços relativamente acessíveis.

Kamran Diba foi incumbido pela imperatriz de projetar o edifício que serviria de sede ao museu e apontado como seu primeiro diretor. Diba idealizou uma edificação de inspiração brutalista, congregando elementos da arquitetura tradicional iraniana. O museu foi inaugurado em 14 de outubro de 1977, dia do aniversário da imperatriz, com a presença de Nelson Rockefeller e curadores de diversas instituições museológicas ocidentais, apresentando uma exposição permanente de obras de artistas iranianos e de grandes nomes da arte universal. O historiador de arte norte-americano David Galloway foi o primeiro curador da instituição.

A Revolução de 1979, o retorno do aiatolá Khomeini, e a subseqüente instauração de uma república islâmica, modificaram sensivelmente o panorama cultural do país. O Museu de Arte Contemporânea foi fechado em função das manifestações cíclicas e da escalada da violência. Consolidada a revolução, o museu foi reaberto com uma exposição de fotografias de Francesco Abbas, documentando os conflitos.

A criação artística iraniana no período subsequente seria dominada pelo tema dos horrores ocasionados pela guerra com o Iraque (1980-1988) e da tensão política com ocidente, afastando-se da iconografia, tendências e temáticas artísticas dominantes na Europa e nos Estados Unidos, ao mesmo tempo em que o novo governo, preocupado com o que considerava ser uma influência excessiva da cultura ocidental, passa a dispensar maior atenção à arte tradicional iraniana. Com as desapropriações por parte do governo iraniano de coleções particulares, o museu, na condição de depositário, vê crescer o seu acervo.

Em 1994, a direção do museu negociou com um colecionador norte-americano a troca da pintura Mulher III de Willem de Kooning por um rara edição manuscrita e decorada com iluminuras do Shahnameh ("Livro dos Reis"), datado do século XVI. Em 2003, discutiu-se no Parlamento Iraniano a possibilidade de vender algumas das obras que, em função das restrições iconográficas islâmicas, não poderiam ser disponibilizadas ao público. A idéia foi rechaçada pelas autoridades religiosas, sob a justificativa de que “o que não pode ser exibido, não pode ser comercializado”. O acesso a tais obras é permitido a artistas, pesquisadores, profissionais e estudantes de arte.

Em 1998, Alireza Sami Azar assumiu a direção do museu. Em sua gestão, estabeleceu um programa educacional permanente, com conferências e cursos relacionados às artes visuais, teorias estéticas e filosofia, e buscou integrar o museu ao circuito internacional, com empréstimo ocasional de algumas peças para figurar em exposições promovidas por instituições européias. Em 2003, o museu apresentou parte da coleção permanente em uma mostra denominada Expressionismo Abstrato, com obras de Jackson Pollock, Franz Kline, Robert Motherwell, Hans Hartung e Pierre Soulages, entre outros.

Em 2005, durante o mandato de Mohammad Khatami, o museu organizou a exposição Modern Art Movement, apontada por parte da imprensa como a primeira vez em que a coleção de arte foi integralmente exposta desde a Revolução Iraniana, em 1979. Por ocasião da exposição, alguns periódicos ocidentais publicaram matérias acusando o governo iraniano de promover censura à arte ocidental. As autoridades locais alegam que as restrições à exposição de obras ocidentais são devidas à falta de espaço expositivo no museu.

Edifício, pátio e jardim

Edifício-sede do museu, com semi-arcos aludindo às torres de vento da tradicional arquitetura persa.

O edifício-sede do museu foi idealizado pelo primo de Farah Pahlavi, Kamran Diba. Exemplar da arquitetura iraniana contemporânea, reúne elementos da tradição persa e soluções estruturais de inspiração brutalista. O edifício possui 5000 metros quadrados de área construída, divididos em três pavimentos. O espaço expositivo conta com nove galerias, três destinadas à coleção permanente e outras seis às exposições temporárias. Possui biblioteca, ateliê de fotografia, cafeteria e livraria.

No centro da edificação, encontram-se quatro grandes estruturas na forma de semi-arcos verticais, aludindo às torres de vento (tradicional sistema de ventilação natural usado na arquitetura persa) que funcionam como clarabóias sobre o átrio. No centro do átrio, um pequeno espelho d'água retangular faz alusão ao howz, elemento comum da arquitetura pública e privada iraniana.

Outros semi-arcos semelhantes são utilizados e sobre as galerias, acondicionadas em um grande retângulo de concreto. Uma rampa localizada sob as clarabóias interliga os pavimentos e dá acesso ao Pátio das Esculturas, uma área externa semi-coberta, anexa ao edifício e rodeada por um jardim com 7000 metros quadrados. Nesse espaço, são exibidas permanentemente esculturas do acervo: obras de René Magritte, Alberto Giacometti, Marino Marini, Max Ernst, Alexander Calder, Henry Moore e Max Bill, entre outros.

Acervo

Gabrielle com a camisa aberta (1907), de Pierre-Auguste Renoir. Acervo do Museu de Arte Contemporânea de Teerã.

O acervo do Museu de Arte Contemporânea de Teerã abriga uma das mais importantes coleções de arte ocidental do continente asiático, congregando pinturas, esculturas, desenhos, gravuras e fotografias, datados entre a segunda metade do século XIX e as últimas décadas do século XX, abrangendo os principais movimentos artísticos do período por meio de seus autores mais representativos.

Do impressionismo, há obras de autoria de Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Mary Cassatt e Edgar Degas. As tendências pós-impressionistas e o fauvismo estão representados por Édouard Vuillard, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Toulouse-Lautrec, Kees van Dongen, Louis Valtat, André Derain e Henri Matisse.

Retratam a consolidação do modernismo, do cubismo à década de 1920, passando pelo futurismo, autores como Georges Braque, Pablo Picasso, Fernand Léger, Giorgio Morandi e Giacomo Balla. Edvard Munch, James Ensor, Paul Klee, Max Beckmann, Georges Rouault e Alberto Giacometti exemplificam o expressionismo.

Das tendências artísticas não-figurativas (construtivismo, neoplasticismo, abstracionismo, expressionismo abstrato, etc.), há obras de Wassily Kandinsky, František Kupka, Victor Vasarely, Adolph Gottlieb, Jackson Pollock, Jasper Johns, Mark Rothko e Willem de Kooning. Representando o surrealismo e o dadaísmo, estão Max Ernst, Marc Chagall, Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miró, Marcel Duchamp, Man Ray, George Grosz. Outros expoentes da figuração moderna são Francis Bacon, Diego Rivera e Edward Hopper.

Há um numeroso conjunto de obras da pop art, onde estão presentes Robert Rauschenberg, Jasper Jones, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Andy Warhol, James Rosenquist e Jim Dine, entre outros.

Por fim, o museu conserva um amplo conjunto de obras de artistas contemporâneos iranianos, nomeadamente Noreen Motamed. Há também uma coleção de miniaturas persas, datadas a partir do século XVI.

Le Musée International de la Parfumerie y présente une exposition consacrée à la peau comme support d’expression des identités culturelles.

IL présente diverses approches de transformations du corps, différents types de maquillage, de l’Occident à l’Océanie, en passant par l’Asie, l’Afrique et l’Amérique du Sud.



Du maquillage temporaire aux tatouages, piercing, scarifications et autres transformations corporelles, le champ des possibles est extrêmement vaste.

Ancrés dans nos sociétés, les artistes contemporains s’emparent également du corps et interrogent ainsi ses limites.

Itw d'Olivier Quiquempoix, conservateur du patrimoine, et directeur des musées de Grasse.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti http://www.museesdegrasse.com/

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Histoire du Musée International de la Parfumerie


Sauvegarder un patrimoine
La parfumerie, au sens large du terme, constitue l’un des plus importants phénomènes de société, depuis la plus haute Antiquité, dans toutes les civilisations, quel que soit le contexte social, politique ou religieux. Depuis plus de quatre millénaires, elle a donné naissance à des milliers d’objets dans des matériaux précieux ou plus humbles, utilisant toutes les formes de l’art, du réalisme à l’abstraction. 

Elle a bien sûr suscité de nombreuses collections privées. Mais, jamais avant l’ouverture du Musée international de la Parfumerie, n’avait existé la volonté de créer un établissement public consacré à la sauvegarde de ce patrimoine international. Le savon, le maquillage, les cosmétiques, sont indissociables de ce que l’on entend aujourd’hui par Parfumerie, c’est-à-dire essentiellement la parfumerie alcoolique de luxe ou produit fini.

Grasse, berceau de la parfumerie

D’évidence, un tel musée ne pouvait se trouver qu’en France, où la parfumerie contemporaine naquit au début du XXe siècle grâce à François Coty et où Coco Chanel lança la mode des parfums riches en aldéhydes.

Grasse a su, au cours de ces décennies, garder et continuer à démontrer l’excellence de sa production de matières premières naturelles élaborées par d’ingénieux procédés sans cesse perfectionnés et utilisés par de puissants établissements industriels. Grasse a voulu être la première à créer un Musée International de la Parfumerie. 

La ville a présenté le projet le plus élaboré, servi par une tenace volonté collective de le faire aboutir. La création à Grasse de ce Musée International de la Parfumerie, au-delà d’une apparente opportunité, a donc valeur de symbole. François Carnot, l’un des organisateurs des Musées Centennaux, fut l’un des plus ardents défenseurs de cette idée. Il demeure un personnage exceptionnel dans l’histoire de la création du Musée International de la Parfumerie : fils du Président de la République, il portait un intérêt passionné à la vie artistique. 

1918, un premier musée

C’est ainsi qu’en 1918, François Carnot crée à Grasse un musée privé. Il y prévoit déjà une section réservée à la parfumerie sous toutes ses formes qui, dès 1921, s’enrichit grâce à de généreux donateurs. 

Dans une indispensable complémentarité, les parfumeurs grassois et parisiens parmi lesquels les célèbres maisons Piver, Pinaud... mais également les établissements industriels Chiris de Grasse, œuvrent à la création de ce musée. François Carnot rallie le monde de la parfumerie et celui des arts décoratifs. C’est lui qui présente le parfumeur François Coty au célèbre verrier René Lalique. Les collectionneurs privés ne font pas exception, ainsi en 1931, la vicomtesse Savigny de Moncorps fit don au musée de Grasse d’une très importante collection d’étiquettes de parfumerie et de cosmétique , datant du début du XIXe siècle, et provenant de l’ancienne parfumerie de Seillans (Var). 

Ce n’est qu’en 1955, avec l’arrivée au Musée de Grasse d’un jeune conservateur, que François Carnot relancera ce projet mais il ne reçoit pas d’aide de la municipalité malgré les collections qui s’accroissent. Inauguré en janvier 1989, année du bicentenaire de la parfumerie française, le Musée International de la Parfumerie représente donc la mémoire vivante d’une profession, mais également d’une spécificité grassoise au caractère identitaire très fort : la parfumerie, dont Grasse demeure la référence aux yeux du monde entier. 

2006, Extension et restructuration du Musée

Les travaux commencés courant 2006, ont permis de doubler la surface du musée et offre désormais aux visiteurs un espace de 3500m2 entièrement dédié au monde de la parfumerie. Véritable témoignage de l’histoire internationale technique, esthétique, sociale et culturelle de la tradition de l’usage des senteurs, le musée aborde par une approche anthropologique l’histoire des fragrances sous tous ses aspects : matières premières, fabrication, industrie, innovation, négoce, design, usages et à travers des formes très diverses (objets d’art, arts décoratifs, textiles, témoins archéologiques, pièces uniques ou formes industrielles). Le musée international de la Parfumerie constitue la première collection publique au monde consacrée à l’industrie du parfum, depuis les temps les plus anciens jusqu’à nos jours, sur les cinq continents et selon trois axes majeurs : séduire, soigner, communiquer.

Quatre lieux symboliques de l’histoire grassoise

Le pavillon d’entrée de l’ancienne parfumerie Hugues-Aîné construit au XIXe siècle, ainsi que les vestiges de l’ancien couvent des Dominicains édifié au XIVe siècle, adossés au mur d’enceinte de la ville datant de la même période. 
L’hôtel Pontevès et sa cour d’honneur.

L’ancien immeuble Pélissier.

Les jardins et terrasses des différents niveaux.