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sexta-feira, 18 de setembro de 2015

Hallada en Perú una tumba intacta de 2.700 años - Found an intact tomb in Peru 2,700 years

Un equipo de investigadores japoneses y peruanos ha descubierto una tumba de alrededor de 2.700 años de antigüedad en el norte de Perú que estaba intacta y cuyo interior albergaba los restos de dos altos sacerdotes de la cultura preincaica de Pacopampa.

Image tomb discovered the two priests. EFE

Según explicó el codirector del proyecto arqueológico, Daniel Morales, el hallazgo tuvo lugar en la provincia de Chota, en la región de Cajamarca, y fue bautizado por sus descubridores como la "Tumba de los sacerdotes serpiente-jaguar", en honor a una botella de cerámica enterrada junto a uno de los cuerpos que fue modelada con el cuerpo de una serpiente y la cabeza de un jaguar.

Morales precisó que el primer personaje fue enterrado con un collar con trece cuentas ovoides de oro con calados en forma de 8, además de porciones de minerales de color rojo, negro, verde y blanco.

El segundo cuerpo estaba acompañado de la botella serpiente-jaguar, de 20 centímetros con asa estribo, que da nombre al descubrimiento.

"Este hallazgo confirma el surgimiento del poder en Pacopampa y demuestra la aparición de diferencias sociales muy notorias", declaró Morales.

Los dos estaban colocados de manera opuesta, uno hacia el sur y el otro hacia norte, y enterrados a un lado de una gran plaza cuadrangular hundida, delimitada con muros de piedras labradas y dos escalinatas de acceso, que servía como centro ceremonial.

"Al encontrar a los personajes en el mismo lugar donde se hacían rituales y festines, presumimos que puede tratarse de sacerdotes encargados de realizar ceremonias durante la fase de apogeo de esa cultura, entre los años 800 y 500 a.C.", indicó Morales.

El centro ceremonial cumplió una función relacionada con la agricultura, al tener sus tres plataformas orientadas al noreste y a a la salida de la constelación de las Pléyadas, según los investigadores.

Morales explicó que el descubrimiento de la tumba serpiente-jaguar se realizó en la tercera plataforma del complejo arqueológico, sobre la que los investigadores llevan una década trabajando, y advirtió de que todavía quedan otras dos plataformas inferiores que requerirán muchos años para que sean excavadas.

En el proyecto arqueológico de Pacopampa trabajan de manera conjunta un equipo de investigadores del Museo Nacional Etnológico de Japón y de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos de Perú (UNMSM), dirigidos por el arqueólogo japonés Yuji Seki.

Morales añadió que el hallazgo de la tumba serpiente-jaguar tuvo lugar bajo la coordinación del arqueólogo peruano Juan Pablo Villena como jefe de campo y consideró que es comparable al descubrimiento de la tumba de la "Dama de Pacopampa", en 2009.

Seki valoró en un comunicado que el hallazgo de los dos sacerdotes tiene una importancia similar a otros descubrimientos cercanos como el del sitio arqueológico de Kuntur Wasi, también en la región de Cajamarca.

La cultura Pacopampa se desarrolló entre los años 1200 y 500 a.C. a unos 2.100 metros de altitud en la cordillera andina de Perú y es contemporánea a otras importantes culturas prehispánicas como la Chavín.

Daniel Morales destacó que "los diferentes hallazgos arqueológicos en Pacopampa fueron posibles debido a que la zona no fue objeto de robos, conocidos como 'huaqueo'".

"Trabajé en Pacopampa una política de conservación por años con la gente de la zona. De no ser así, los 'huaqueros' habrían robado todo en unos 30 o 40 años", comentó Morales.



fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti
Publicado por Gustavo Daniel Ojeda
http://terraeantiqvae.com/group/culturasandinas/forum/topics/hallada-en-peru-una-tumba-intacta-de-2-700-anos?xg_source=activity#.VfzIkNJVikp


--in
Found an intact tomb in Peru 2,700 years

A team of Japanese and Peruvian researchers has discovered a tomb about 2,700 years ago in northern Peru that was intact and the interior housed the remains of two high priests of the pre-Inca culture of Pacopampa.

As explained by the co-director of the archaeological project, Daniel Morales, the discovery took place in the province of Chota, in the region of Cajamarca, and was baptized by its discoverers as the "Tomb of the priests serpent-jaguar", in honor of a bottle of pottery buried beside one of the bodies it was modeled with the body of a serpent and the head of a jaguar.

Morales said that the first person was buried with a necklace with thirteen gold accounts ovoid shaped openwork 8, plus lots of minerals red, black, green and white.

The second body was accompanied by the serpent-jaguar bottle of 20 centimeters with stirrup, which gives its name to the discovery.

"This finding confirms the emergence of power in Pacopampa and shows the emergence of social differences very noticeable," said Morales.

The two were placed in opposite ways, one south and one to the north and buried by the side of a large sunken quadrangle bounded by walls of hewn stone and two access stairs, which served as a ceremonial center.

"To find the characters in the same place where they were rituals and feasts, we assume that it may be responsible for conducting ceremonies priests during the heyday of that culture, between 800 and 500 BC," said Morales.

The center served a ceremonial function related to agriculture, having its three platforms oriented northeast yaa off the constellation of the Pleiades, the researchers said.

Morales said the discovery of the serpent-jaguar tomb was made in the third stage of the archaeological complex, on which researchers take a decade working, and warned that there are still two lower platforms that require many years to be excavated.

In the archaeological project Pacopampa work together a team of researchers from Japan's National Museum of Ethnology and the National University of San Marcos in Peru (San Marcos), led by the Japanese archaeologist Yuji Seki.

Morales added that the discovery of the tomb serpent-jaguar took place under the coordination of Peruvian archaeologist Juan Pablo Villena as head of the field and is considered comparable to the discovery of the tomb of the "Lady of Pacopampa" in 2009.

Seki valued in a statement that the finding of the two priests is similar to other nearby discoveries like the archaeological site of Kuntur Wasi, also in the region of Cajamarca importance.

The Pacopampa culture developed between 1200 and 500 BC at about 2,100 meters altitude in the Andes of Peru and other major contemporary Hispanic cultures as the Chavin.

Daniel Morales stressed that "the various archaeological findings in Pacopampa were possible because the area was not subject to theft, known as 'huaqueo'".


"I worked in a conservation policy Pacopampa for years with people in the area. Otherwise, the 'looters' have stolen everything in about 30 or 40 years," said Morales.



--br
Encontrou um túmulo intacto no Peru 2.700 anos

Uma equipe de pesquisadores japoneses e peruanos descobriu um túmulo cerca de 2.700 anos atrás no norte do Peru que estava intacto eo interior abrigava os restos de dois altos sacerdotes da pré-Inca cultura de Pacopampa.

Conforme explicado pelo co-diretor do projeto arqueológico, Daniel Morales, a descoberta teve lugar na província de Chota, na região de Cajamarca, e foi batizado por seus descobridores como o "Tomb of the sacerdotes serpente-jaguar", em honra de uma garrafa de cerâmica enterrada ao lado de um dos corpos foi modelado com o corpo de uma serpente e da cabeça de um jaguar.

Morales disse que a primeira pessoa foi enterrado com um colar de ouro com treze contas em forma ovóide openwork 8, além de lotes de minerais vermelho, preto, verde e branco.

O segundo corpo foi acompanhado pela garrafa serpente-jaguar de 20 centímetros com estribo, que dá nome à descoberta.

"Esta descoberta confirma o surgimento de poder em Pacopampa e mostra o surgimento de diferenças sociais muito visíveis", disse Morales.

Os dois foram colocados em caminhos opostos, um ao sul e uma ao norte e enterrado ao lado de um grande quadrilátero afundado delimitada por paredes de pedras lavradas e duas escadas de acesso, que serviu como um centro cerimonial.

"Para encontrar os personagens do mesmo lugar onde estavam os rituais e festas, assumimos que ele pode ser responsável pela realização de cerimônias sacerdotes durante o apogeu dessa cultura, entre 800 e 500 aC", disse Morales.

O centro teve uma função cerimonial relacionada com a agricultura, com suas três plataformas orientadas a nordeste yaa fora da constelação das Plêiades, disseram os pesquisadores.

Morales disse que a descoberta da tumba serpente-jaguar foi feito na terceira fase do complexo arqueológico, em que os investigadores tomar um trabalho década, e advertiu que ainda há duas plataformas mais baixas que exigem muitos anos a ser escavado.


No projeto arqueológico Pacopampa trabalhar juntos uma equipe de pesquisadores do Museu Nacional de Etnologia do Japão e da Universidade Nacional de San Marcos no Peru (San Marcos), liderada pelo arqueólogo japonês Yuji Seki.

Morales acrescentou que a descoberta do túmulo serpente-jaguar teve lugar sob a coordenação do arqueólogo peruano Juan Pablo Villena como chefe do campo e é considerada comparável à descoberta do túmulo do "Senhora da Pacopampa" em 2009.

Seki valorizado em um comunicado que a conclusão dos dois sacerdotes é semelhante a outras descobertas próximas, como o sítio arqueológico de Kuntur Wasi, também na região de Cajamarca importância.

A cultura Pacopampa desenvolvido entre 1200 e 500 aC a cerca de 2.100 metros de altitude nos Andes do Peru e outras grandes culturas latino-americanos contemporâneos como o Chavin.

Daniel Morales sublinhou que "os vários achados arqueológicos em Pacopampa foram possíveis porque a área não foi objecto de furto, conhecido como 'huaqueo'".


"Eu trabalhei em uma política de conservação Pacopampa durante anos com as pessoas na área. Caso contrário, os" saqueadores "ter roubado tudo em cerca de 30 ou 40 anos", disse Morales.

MUSEO Y EVOLUCIÓN -- · en GESTIÓN,INSTITUCIONES, MUSEO, MUSEOGRAFÍA, MUSEOLOGÍA, OPINIÓN. ·

No, hoy no vamos a hablar de Darwin aunque lo tenemos muy presente en estos últimos días por “mostrarse” por la mesa del estudio; hasta hemos visto una película sobre su figura y su obsesión por ser políticamente correcto en el binomio evolución y creencia victoriana sobre el creacionismo (La creación, 2014). Parece ser que nuestro querido Charles estaba casado con una mujer muy pesada con el tema de la religión, muy, pero que muy plasta. Pero no nos vayamos por las ramas, hoy queríamos hablar sobre lo mucho que a un museo le cuesta actualizarse. Si en algunos casos no es cuestión de dinero, ¿qué razón existe para que se mantengan como instituciones ancladas en el pasado? ¿Estamos bien cómo estamos? ¿Miedo a la evolución? ¿Lentitud en la adaptación al medio?


Las razones de un museo para existir son múltiples y muy variadas, sin olvidar que todas finalmente convergen en un solo objetivo: el interés en la conservación y divulgación del patrimonio natural y cultural. Un museo es un servicio público, fundamentado en la herencia patrimonial, científica y técnica que ha ido aumentando con el paso del tiempo. Los museos deben evolucionar pasando de ser meros almacenes patrimoniales, aquellos que se denominaban a sí mismos “gabinetes de las maravillas”, a organismos vivos, activos, canales de difusión de cultura, no deben ser solo instituciones para la conservación, aislados rincones para eruditos.


Con relación a los profesionales que son los responsables del funcionamiento del museo, insistimos en que la creatividad es la primera herramienta necesaria para salir del ostracismo de algunas instituciones. Este es un tema peliagudo y que levanta resquemores entre profesionales de los museos. Cuando observamos un alto grado de inmovilismo en el museo, podría alegarse en su justificación que la falta de evolución creativa pasa por la ausencia de presupuesto. Pero, cuando también observamos que existen museos cuyos presupuestos son realmente bajos y que son un ejemplo de creatividad evolutiva, es que el dinero no debe ser tan importante, no siendo determinante para evolucionar al ritmo de los tiempos. Por decirlo de otra manera, nos horroriza que los niños y niñas se aburran en el museo, o mejor dicho, nos pone muy tristes que las personas, sea cual sea su condición, se aburran en el museo.

Ilustración “Parodias del progreso”, autor desconocido

Los roles de los profesionales asignados a las labores del museo deben evolucionar. La buena gestión del museo – ahora los museos se gestionan, ya no se administran -, pasa por disponer de profesionales que participen activamente en que el museo sea cada día mejor. No es que los profesionales deban afrontar más horas de trabajo, es que deben ser creativos. Todos aquellos que tenemos relación con el trabajo en el museo, tenemos la obligación de estar al día en innovación tecnológica, en observar que están haciendo los demás para mejorar, para ofrecer al visitante lo que este demanda. A veces no se trata tanto de inventar sino de copiar bien. Una reunión creativa que se haga en el museo de forma regular es el primer paso necesario que hay que dar si queremos evolucionar bien.

No al inmovilismo, Logo Design Love

Los “viejos museos” han visto aparecer a su alrededor nuevas tendencias de museo – un museo también puede ser trendi -, que son muchísimo más dinámicas relacionadas con sus colecciones y a la forma en la que “venden” su existencia al público. Los nuevos museos incorporan acción, diversión, didáctica entretenida, exposiciones temporales muy interesantes, realidad aumentada, realidad virtual, contextualización del contenido, patrocinadores, sponsors, ayuda exterior, grupos de amigos del museo, activación de redes sociales, página web excelente, tienda online, viajes, relación con la gastronomía, cursos, conciertos, obras de teatro, excursiones, noches de acampada, cuentacuentos, etcétera, etcétera. Y todo esto en contraposición con los museos que visitamos a regañadientes, cuyo único cambio aparente es el del olor del jabón en oferta del mes con el que friegan los suelos de vez en cuando.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti Espacio Visual Europa (EVE)

The Istanbul Museum of Modern Art, Turkey’s first private museum to organize modern and contemporary art exhibitions, was founded in 2004 and occupies an 8,000 square meter site on the shores of the Bosphorus.

Istanbul Modern embraces a global vision to collect, preserve, exhibit and document works of modern and contemporary art and make them accessible to art lovers.



As part of its commitment to sharing Turkey’s artistic creativity with wide audiences and promoting its cultural identity in the international art world, Istanbul Modern hosts a broad array of interdisciplinary activities. 
Apart from permanent and temporary exhibition galleries, a photography gallery, and spaces for educational and social programs, the museum offers a cinema, restaurant, design store and an extensive library.
From the Chair of the Board

When Istanbul Modern opened, we promised to offer our audiences an opportunity to witness, learn about, enjoy, appreciate and to continually become updated with the evolution of contemporary art. In order to establish museum visits as sustained leisure activities, to increase Museum attendance on a cumulative basis, and to constantly capture the public’s attention, we aspired to create a dynamic and evolving structure. We believe that we have achieved this goal.

The Museum provides a multifaceted, attractive and accessible communications platform that engages first-time visitors, as well as contemporary art enthusiasts, primary school children and scholars.

Overall, we feel that we have created a vibrant, family-friendly space that addresses a wide range of tastes, cultures and interests.

The Museum has become especially attractive to young audiences who are drawn to the interactive activities that we provide. With its permanent and temporary exhibition galleries, the photography gallery, new media area, library, cinema, educational programs, gift store, and restaurant, Istanbul Modern encourages a creative and interactive museum experience for its visitors.

The Museum has become a multipurpose cultural center for the encounters of everyday living and culture as well as serves as a catalyst for the collective energy that is generated by the interactive activities and experiences presented by the Museum.

Through an active roster of exhibitions and programs, we believe that we have opened new perspectives, spurred curiosity and encouraged reflection in the Turkish public. As a result of these efforts, we have succeeded in familiarizing the Turkish public with the entire scope of the Museum and we have encouraged frequent Museum visits.

In the nine years since the Museum’s launch, we have organized five permanent collection exhibitions and thirty-five temporary exhibitions. In addition, we have hosted twenty-nine photography exhibitions of world renowned artists from Turkey and abroad, fourteen video exhibitions in the field of video art, and organized sixteen international exhibitions.

But Istanbul Modern does not only limit itself to the display of artworks; it aims to fulfill an educational role as well. Both inside and outside of the Museum, we have instigated programs to acquaint the younger generation with the visual arts. Since the museum opened, hundreds of thousands of children and young people have benefited from our educational offerings.

Complementing all these activities, the private sector, the public and the local government have worked together to support the Museum and, as a result have engendered a novel and unique synergy. The collaboration between these three areas has further energized the Museum.

Aware of their social responsibilities, Turkish companies have supported, and continue to support, the various programs and exhibitions undertaken by the Istanbul Modern. To date, our exhibit sponsors have included some of Turkey’s leading corporations.

While the support of high quality and widely publicized activities are important to increase the social visibility and esteem of these institutions, individuals and media holdings. They in turn lend us their sponsorship and contributions, which then provides us with the vital assistance we need.

Through the activities I have briefly summed up, Istanbul Modern is now reaching out to broader segments of society and is gradually getting closer to accomplishing the original founding objectives. The number of visitors has increased rapidly and over the past seven years has now reached a total of more than 5 million. Every passing day, we are more firmly established in the public eye as a museum symbolizing the encounter of art and society.

Furthermore, as the Museum consolidates its social ties, it has also achieved international recognition, making it a popular destination today for visitors to Istanbul from all parts of the world.

There have been world-wide media reports and beneficial results for Istanbul Modern in the international press. From the day it was launched, the Museum has enjoyed a consistently high level of attention. These days, as we negotiate our entry into the EU, Istanbul Modern has become a regular stopover for foreign correspondents visiting Turkey.

While all critical reviews agree that our modern art legacy goes back a long way, they also stress that Istanbul Modern, which the New York Times called, "the changing face of Turkey," makes a very definite statement about Istanbul's image as a major cultural capital.Thus, Istanbul Modern is rapidly moving ahead on its path to becoming a recognizable world-wide brand name; a brand name that embodies the Turkish contemporary art scene.


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The seeds for the Istanbul Modern project were sown in 1987, during the 1st International Contemporary Art Exhibition, known today as the International Istanbul Biennial. Motivated by the interest shown in the event and the dynamism it contributed to the Istanbul art scene, Dr. Nejat F. Eczacıbaşı embarked on the project to endow Istanbul with a permanent Museum of Contemporary Art.



After a long quest, the Feshane, a former 19th century textile manufacturing plant on the Golden Horn, was converted into a Museum of Contemporary Art. Although the building housed the 3rd International Istanbul Biennial in 1991, the Project never reached its long term goal.

From then on, various institutions and individuals sought to establish a Museum of Modern Art in Istanbul. Unfortunately, these initiatives failed for lack of suitable space or due to difficulties in obtaining artworks to form the core of the permanent collection.

The fate of the Project changed once again in 2003, when the fourth warehouse on the Galata pier, near the Mimar Sinan Academy of Fine Arts, served as the main venue for the 8th Istanbul Biennial. After Prime Minister Recep Tayyip Erdoğan gave his approval for the permanent use of the site, the Project’s main obstacle was removed. The 8,000 square meter dry cargo warehouse, owned by the Turkish Maritime Organization, was transformed into a modern museum building with all corresponding functions.


The Site
For thousands of years, the Golden Horn area served as an inlet port of the Bosphorus and this natural port united Istanbul with other centres of commerce and culture around the world. 

In the 13th century, various Italian trading colonies located in Istanbul began to build harbours in the region. One of these was the Genoese port built in the Tophane district, which would later be known as Galata. By the 17th century, the Karaköy- Tophane waterfront had become the main arrival point for ships coming in from Europe.

At first, each shipping company had its own floating dock/specific anchorage location where it positioned its vessels, and provided a separate rowing team to bring goods and passengers ashore. With the increase in the maritime transportation traffic and the corresponding increase in the number of passengers, this system became inadequate. In 1879, the construction of piers began, all along the shore.

In 1910, warehouses and hangars were built on the piers. With the foundation of the Turkish Republic in 1923, the piers were turned over to the Maritime Lines and Docks Administration, which would become the Turkish Maritime Administration in 1984. 

The current building was constructed as a warehouse during the realization of the 1957-58 Project, which was designed for Tophane Square by the eminent architect Sedad Hakkı Eldem. Until 1990, the pier served as Istanbul’s main port and today continues to accommodate a great many passenger and freight vessels.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti http://www.istanbulmodern.org/

Sergey Merkurov, as director of the Pushkin Museum of Fine Arts, he saved the monument of Catherine the Great and secretly sent it toYerevan, where it was hidden for decades and finally returned to Russia in 2006.

Sergey Dmitrievich Merkurov (Russian: Серге́й Дми́триевич Мерку́ров, 7 November [O.S. 26 October] 1881 – 8 June 1952) was a prominent Sovietsculptor-monumentalist of Greek-Armenian descent. He was a People's Artist of the USSR, an academic at the Soviet Academy of Arts, and director of the Pushkin Museum of Fine Arts from 1944 to 1949. Merkurov was considered the greatest Soviet master of post-mortem masks. He was the sculptor of the three biggest monuments of Joseph Stalin in the USSR.



A 1981 Soviet stamp commemorating the 100th anniversary
of Sergey Merkurov's birth 
Born 7 November 1881

He was the cousin of George Gurdjieff, a mystic and spiritual teacher.



2006 Armenian stamp featuring Sergey Merkurov and his 1907 work


Sergey Merkurov was born in Alexandrapol (modern Gyumri, Armenia). He left the Kiev Polytechnic Institute after a political scandal and moved toSwitzerland, where he became a student of Adolf Mayer. He attended art college in Germany (1902–05) and then entered the Auguste Rodin studio inParis.

Merkurov had met Vladimir Lenin when the revolutionary leader was living abroad, and listened to his speeches. Among many others, the statue of Lenin that stood in Lenin Square, Yerevan during Soviet times also was the work of Merkurov.

Merkurov returned to the Russian Empire in 1907 as he was called by the Armenian Apostolic Church authorities to execute a post-mortem mask of Catholicos Mkrtich Khrimian. It was his first work of this kind. Then he lived in Tbilisi, Yalta, Moscow, and made post-mortem (death) masks of Leo Tolstoy,Hovhannes Tumanyan, Vladimir Lenin and his wife, Maxim Gorky, Vladimir Mayakovsky and other famous persons. The technique itself is not an easy process. The author pours plaster on the body's face and puts a thread in the middle of it. Then, another material like bronze or plaster is poured inside the mask and this is how an actual-size face of the deceased results.

Merkurov was an outstanding representative of academic modern style, employing the themes of death and stone blocks. As a philosopher of the arts, Merkurov also used motifs of thought (Monument of Dostoevsky, 1911–1913; The figure-portrait of Thought, 1918).

Merkurov was known as a free-thinker and an extraordinary person. He was a member of the Masonic "United Workers' Brotherhood", the Association of Painters of Revolutionary Russia and the Communist Party of the Soviet Union.

As director of the Pushkin Museum of Fine Arts, he saved the monument of Catherine the Great and secretly sent it toYerevan, where it was hidden for decades and finally returned to Russia in 2006.

For Joseph Stalin's 70th birthday, Merkurov made a special gift, a costly granite monument called "Death of the Leader". Stalin refused to accept it and a difficult period in the sculptor's life began.

Merkurov was honored with burial at the Novodevichy Cemetery in Moscow. In 1953 his Notes of a Sculptor was published.
Merkurov Museum in Gyumri

In 1984 the Merkurov Museum was opened in his family house in Gyumri. The post-mortem masks of 59 Soviet leaders and famous people are displayed in the museum, including the only original death mask of Lenin.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti http://ura-inform.com/society/2006/10/23/maska



--russian
У смерти симметричное лицо (ФОТО) Александра Марченко, УРА-Информ Посмертная маска всегда считалась одним из самых достоверных документальных свидетельств, оставляемых потомкам, о знаменитости. 

Эти застывшие лица порой позволяют даже разгадать исторические загадки. Например, советская пропаганда утверждала, что поэт Сергей Есенин повесился из-за душевного кризиса. Однако посмертная маска не оставляет сомнений, что в него стреляли: у Есенина была сбита половина черепа. 

В петлю с такой травмой не полезешь. Но нашли Есенина именно повешенным. Работа, от которой можно сойти с ума Самым знаменитым мастером посмертных масок был предшественник Манизера Сергей Меркуров. В его «послужном списке» – около сотни масок известных людей, в том числе Льва Толстого, Маяковского, Есенина, Ленина... Но однажды с ним случилось то, что могло навсегда заставить бросить это занятие. 

Произошло это в тот момент, когда он лепил маску католикоса (патриарха) армяно-григорианской апостольской церкви Хримяна: «Епископы заперли за мной двери. Я остался один с покойником. За монастырской стеной – две шапки Арарата... и душу надрывающий волчий вой. 

Под эту музыку подошел я к патриаршей кровати. Открываю простыню: предо мной старик в красной изорванной на локтях фуфайке. Большая борода. Орлиный нос. Голова откинута. Невозможно в этой позе снять маску. Беру покойника под мышки и усаживаю его... Жутко... Холод... Заливаю гипсом всю голову. Жду, пока окрепнет гипс. Только сейчас замечаю, что забыл проложить нитку для разрезания формы на два куска. Так форму не снимешь... Приходится заднюю часть формы ломать долотом и молотком на куски здесь же, на голове. 

Наконец, освободил. Стараюсь отделить форму от лица. От волнения я залил и бороду – борода держит форму. Одной рукой беру голову сзади, другой отдираю форму. Форма отделилась от лица и повисла на бороде. И вдруг... Мутный взгляд двух широко открытых глаз с укоризной смотрит на меня. От ужаса ноги мои ослабели. 

Я сел покойнику на колени. Держу висящую на бороде форму и смотрю в его глаза. Он продолжает на меня смотреть... Только потом я сообразил, что гипс от кристаллизации согревается; под теплым гипсом замерзшее лицо оттаяло, и глаза открылись. 

Когда я пришел в себя, оказалось, что от нервного шока у меня отнялись ноги...». Еще один жуткий эпизод произошел с Меркуровым, когда он снимал посмертную маску Ленина. «Приступив к работе, я хотел поправить голову Ильича – склонить ее немного набок. И когда коснулся шеи покойника, мне показалось, что пульсирует сонная артерия. 

Отняв руки и попросив увести Надежду Константиновну Крупскую, позвал врача. Тот пояснил, что это пульсируют мои пальцы, мол, нельзя так волноваться. Под утро я закончил работу и, кроме головы, сделал слепки рук, правая кисть была сведена...» Владимир Маяковский Маска снята с лица поэта под необычным углом, – висок был прострелен. Скульптор С. 

Меркуров Лицо любимого за 899 евро Посмертные маски были очень популярны в Древнем Египте, античной Греции и Риме. Первые известные посмертные маски датируются XVI веком до нашей эры. Эти золотые лики нашли в погребениях Мекены. Маски клали на лица умерших – считалось, что «золотой образ» сохранит от злых духов. В наши дни даже простой смертный может заказать себе гипсовый слепок с отпечатком лица покойного.

У смерти симметричное лицо (ФОТО)

fonte: http://ura-inform.com/society/2006/10/23/maska

Arte das areias da Criméia. A artista ucraniana Svetlana Ivanchenk.

Ela, retira das praias o material que necessita para criar suaarte, quadros espetaculares, em imagens que nascem de sua criatividade e da paleta de cores da areia [as mais variadas] que a natureza lhe oferece. 



Svetlana Ivanchenk é filha do norte do Mar Negro, da cidade de Yalta (Criméia/Ucrânia), onde cursou Belas Artes no Glukhovsky Instituto Pedagógico. Atualmente vive e trabalha em Dnipropetrovsk. Com mais de oitenta obras realizadas, Ivanchenk está presente em coleções particulares de seu país, da Rússia, Alemanha e Israel. 




Seixos, areia, conchas, detritos orgânicos e tudo mais que encontra pode compor uma de suas complexas imagens. Em seu meticuloso e paciente processo, ela recolhe os materiais, separa-os, peneira a areia e seixos e os classifica como numa paleta de cores. Daí inicia um trabalho cuidadoso e criativo. Ivanchenk tem o cuidado de não maltratar o que tem de natural nos produtos que usa para suas obras: nada é esmagado, tingido, ou alterado de qualquer forma.


Falando sobre seu trabalho, a artista comenta o tempo que leva para realizar cada uma de seus quadros – que ela chama de esculturas –, registrando que, só para peneirar 50 gramas de areia leva aproximadamente 8 horas. Contudo, exalta o momento de suas criações, classificando-o como relaxante, concentrado e silencioso. 





fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti
 http://mol-tagge.blogspot.com.br/2013/01/arte-areia-svetlana-ivanchenk.html

Le Musée national de Bosnie rouvre, un pied de nez aux divisions

Trois ans sans salaire, mais en permanence sur leur lieu de travail : c’est ce à quoi se sont astreints les dizaines d’employés du Musée national de Bosnie, la plus importante des institutions culturelles du pays, depuis sa fermeture en 2012. Une mobilisation pour garder intacts les quatre millions d’objets présents entre les murs, qui a su trouver un écho citoyen. Un acte de résistance aussi, dans une Bosnie minée par les divisions, et où la culture commune ne se préserve qu’à coups de subventions, étroitement liées au climat politique.



« Ja sam musej » (Je suis le musée). Face au mutisme des autorités, les employés du Musée national de Bosnie ont reçu le soutien d’un collectif citoyen.Marc Etcheverry/RFI





De notre journaliste à Sarajevo,

La végétation chaotique dévorant le jardin du musée laisse deviner que tout n’a pas fait l’objet d’une attention méticuleuse. Mais les oeuvres, elles, sont préservées. Et c’est bien l’essentiel pour la quarantaine d’employés encore sur les lieux. En ces premiers jours de septembre, chacun s’est mué en agent d’entretien. L’excitation le dispute à la fatigue d’une lutte que tous croyaient sans fin. Ils ont pourtant obtenu gain de cause : après trois ans sans avoir vu de visiteur, le musée - « leur » musée - va rouvrir ses portes ce mardi 15 septembre.



L’initiative « Je suis le musée » a reçu le concours de plusieurs artistes.
 Ici le travail du photographe bosnien Zijad Gaficn,
qui a tiré le portrait de quelques employés.Marc Etcheverry/RFI



Dans le hall d’entrée, alors que deux ouvriers s’éreintent à donner aux murs leur fraîcheur d’antan, Ines Bulajic vante les qualités de l’institution. Ici reposent près de quatre millions d’objets provenant de toute la Bosnie, « ce qui fait du Musée national l’un des plus importants de tous les Balkans ». Le bâtiment, érigé au XIXe siècle, renferme aussi la célèbre Haggadah de Sarajevo, un manuscrit enluminé en hébreu âgé de sept siècles. Ines Bulajic est la porte-parole de l’association Akcija (« Action »), à l’origine de l’initiative « Je suis un musée », organisée pour sensibiliser le grand public à la cause des employés. A compter de ce mardi, il ne sera donc pas seulement question de présenter les trésors de Bosnie aux visiteurs, il s’agira aussi de leur conter trois années de résistance pour leur sauvegarde. Au premier étage, demeure toujours, d’ailleurs, une exposition de l’artiste bosnien Zijad Gafic. Des clichés sur lesquels certains employés prennent la pose, pour la bonne cause.



Employés ou simples citoyens, beaucoup de défenseurs
du musée ont mis la main à la pâte avant la réouverture,
afin que les lieux soient à nouveau présentables au public.Marc Etcheverry/RFI



Dehors, devant le pavillon du département d’ethnologie, un balai et une chaise composent un check-point pour accéder au bâtiment. Azra Becevic, 40 ans, ne joue plus les sentinelles, elle aide deux collègues à briquer des présentoirs. Après 18 ans passés dans ces murs, elle mesure la chance que constitue cette réouverture. « J’ai réussi à survivre car mon travail est assez rare dans le pays. Peu de personnes travaillent dans le secteur de la conservation. J’ai développé, en 18 ans, des liens avec plusieurs institutions. » Mais comme les autres, et malgré son Master obtenu en Grande-Bretagne, elle a dû se résoudre à faire des petits boulots. Mardi pourtant, elle ne reverra pas tous ses collègues. Avant la crise, 65 personnes travaillaient au Musée national de Bosnie - 120 avant la guerre. Ils ne sont plus désormais que quarante.

Enjeux politiciens

La faute aux financements, bien sûr. Car en Bosnie, la culture nationale tombe dans un vide institutionnel. Seules les entités sont à la manette, et dans un pays ethniquement divisé, tous ne se précipitent pas pour maintenir en vie ce genre d’institutions. « Il n’y a pas une ligne de budget pour la culture, confirme Ines Bulajic, dans un soupir. Le musée reçoit seulement des subventions du ministère des Affaires civiles. »

Il y a trois ans, le ministre provenait de République serbe de Bosnie - l’une des trois entités qui composent le pays depuis la fin de la guerre, avec la Fédération « croato-bosniaque », et le district de Brcko. Or le gouvernement de Republika Srpska fait généralement preuve de bien peu d’enthousiasme lorsqu’il s’agit d’apporter sa contribution à l’Etat national. « De 425 000 euros, on est tombé d’un coup à 175 000, précise la porte-parole d’Akcija. Dans ces conditions, le musée ne pouvait pas fonctionner et les salariés ont décidé de le fermer. »

Ainsi tout ce qui pourrait constituer le socle d’une culture commune est sapé par des querelles politiciennes de tous bords. Et cela est particulièrement vrai en ce qui concerne l’Histoire. « Presque chaque objet est source d’interprétations différentes », se désole Azra. Difficile alors de prétendre enseigner un passé commun. Sa camarade de lutte acquiesce : «Vous seriez surpris de savoir combien d’objets provenant de la République serbe de Bosnie nous avons ici. Dans le département d’ethnologie, nous avons une salle dédiée aux oeuvres religieuses orthodoxes. Cela devrait être vu comme un symbole d’harmonie en Bosnie-Herzégovine, mais ça ne l’est pas. » Les deux femmes ne s’étendent pas sur les menaces et quolibets reçus durant ces trois dernières années, y compris de personnes « haut placées ».

D’autres combats

En revanche, elles veulent retenir l’élan de soutien qui a traversé la société civile. « Les gens ont senti qu’il y avait quelque chose de socialement responsable à faire », se rassure Ines Bulajic. Les encouragements ont déferlé, et des centaines d’anonymes sont venus prêter main-forte aux employés du musée. « La mobilisation nous a montré que les citoyens bosniens voulaient que leur argent soit utilisé pour ce genre d’institution. » Une mobilisation qui a donc payé : l’actuel ministre des Affaires civiles, plus conciliant, va mettre la main à la poche, tout comme la Fédération de Bosnie-Herzégovine ou encore le canton de Sarajevo.

Mais pour les défenseurs du vivre ensemble, il ne s’agit que d’une petite victoire. Six autres institutions, dont la Bibliothèque nationale ou le Musée de littérature, sont dans un cas similaire. Et rien ne dit qu’à la faveur d’un énième retournement politique, les fonds ne viennent pas une nouvelle fois à manquer. « Il faut que ces institutions disposent d’un budget pérenne », avance-t-on du côté d’Akcija. Alors que le pays fête cette année les vingt ans des accords de Dayton, qui ont mis fin à la guerre, la culture bosnienne n’est pas seulement le parent pauvre de l’action politique, elle illustre le chemin à parcourir pour des communautés qui campent sur leur passé.

fonte: @edisonmarioti #edisonmariotti http://www.rfi.fr/zoom/20150914-bosnie-musee-national-divisions-ouverture-mobilisation-citoyens