terça-feira, 1 de dezembro de 2015

Georgia O'Keeffe et ses amis photographes entrent au Musée de Grenoble Par Odile Morain

Le musée d'art contemporain de Grenoble consacre pour la première fois en France une monographie à la peintre américaine Georgia O'Keeffe. Jusqu'au 7 février 2016, l'exposition dévoile 90 oeuvres de l'icône de l'art moderne et fait dialoguer ses oeuvres avec les images de son mari photographe Alfred Stieglitz et de ses amis avant-gardes.



Georgia O’Keeffe Pétunias (détail) 1925 Huile sur panneau, 45,7 x 76,2 cm
Fine Arts Museums of San Francisco,
© Georgia O’Keeffe Museum / ADAGP, Paris 2015


A travers sa nouvelle exposition, le musée d'art contemporain de Grenoble retrace la carrière d'une artiste majeure de la peinture moderne : Georgia O'Keeffe. Grande figure de la peinture américaine, elle est aux Etats-Unis une icône aussi célèbre que Jackson Pollock. Epouse du célèbre photographe Alfred Stieglitz, la peintre a sans cesse baigné dans le milieu des images et des idées. Quinze prestigieux musées européens ont collaboré à cette monographie inédite.


L’exposition du musée de Grenoble propose un parcours jalonné par les célèbres clichés de Stieglitz. Muse puis épouse du photographe en 1924, Georgia O'Keeffe est l'artiste femme la plus photographiée du XXe siècle. Elle apparaît sur plusieurs des photos présentées à l'exposition, dont une où elle pose allongée nue pour son compagnon.

Tout au long de sa carrière, elle est attentive aux développements de la photographie moderne et découvre l’avant-garde européenne à la galerie 291 et fréquente le cercle de Stieglitz.

Georgia O’Keeffe, 1919/20 par Alfred Stieglitz 

© Georgia O’Keeffe Museum / ADAGP, Paris 2015


Les sept photographes (Paul Strand, Edward Weston, Imogen Cunningham, Ansel Adams, Eliot Porter et Todd Webb ) qu'elle fréquente à cette époque influencent son œuvre. "Je crois que je regarde les choses et les vois comme je pense que vous les photographieriez", écrit-elle à son ami Paul Strand lors d'un voyage en train en 1917.

"City of ambition" - Alfred Stieglitz entre 1910 et 1911 
© RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski 
© Georgia O’Keeffe Museum / ADAGP, Paris 2015


La vision photographique qu’elle assimile alors, explique en partie la force de ses images.


L'Amérique dans la peauGeorgia O'Keeffe se fait connaître dans les années 1920, par des peintures de fleurs et de buildings au réalisme photographique.

Nuit sur la ville [City Night ], 1926 Huile sur toile, 121,9 x 76,2 cm 
The Minneapolis Institute of Arts, 
Minneapolis © Georgia O’Keeffe Museum / ADAGP, Paris 2015

"C’est primordial de sentir l’Amérique, de vivre l’Amérique, d’aimer l’Amérique, avant de se mettre au travail (…) Je crois que j’ai réalisé quelque chose de plutôt unique en mon temps et que je suis une des rares à avoir donné à mon pays une voix qui lui est propre.", disait-elle à propos de son art. "C’est une artiste typiquement américaine, toujours unique et en marge. Son travail est toujours inédit et difficilement associable aux mouvements qui ont jalonné le XXe siècle", explique Sophie Bernard, conservatrice du musée de Grenoble. Son travail se développe en séries selon un parti pris résolument moderniste.

Figuration et abstraction naturalisteA partir des années 1960, O’Keeffe peint des compositions abstraites, aux tons francs dont les aplats de couleurs rappellent les tableaux de Mark Rothko, Ellsworth Kelly ou Agnès Martin. Ses compositions naissent avant tout de son observation du monde : nature immense, fleurs en très gros plans, ou paysages urbains new-yorkais, la plasticienne produit des oeuvres à la fois formelles et sensuelles.

Virginia Museum of Fine Arts / Georgia O’Keeffe Museum
 / ADAGP, Paris 2015

L'exposition du musée de Grenoble a été rendue possible grâce au réseau franco-américain des musées "Frame" qui a permis d'acheminer des oeuvres venues des quatre coins des États-Unis : Moma et Met de New York, Art Institute of Chicago, musée Georgia O'Keeffe de Santa Fe, Cleveland Museum of Art.

"GEORGIA O’KEEFFE et ses amis photographes" au Musée de Grenoble - 
7 nov.2015 - 7 fév.2016


Le musée est ouvert : tous les jours sauf le mardi, de 10h00 à 18h30
Fermé les 25 décembre et 1er janvier 
Tarifs d’entrée (exposition temporaire et collections permanentes )
Plein tarif : 8 €
5, place Lavalette
38000 Grenoble




fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

http://culturebox.francetvinfo.fr/expositions/photo/georgia-o-keeffe-et-ses-amis-photographes-entrent-au-musee-de-grenoble-231387


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Cultura brasileira: MÚSICA - Povo Indígena Guarani Kaiowa - Mato Grosso do Sul, Brasil.

A música indígena reflete todo o espírito de um povo, existem músicas tradicionais outras de autoria de músicos de diferentes etnias. Bandas indígenas e cantores estão espalhados por todo o Brasil, mas pouco conhecidos no cenário nacional.



vídeo 8:45min



Músicas compostas em línguas indígenas outras em português. Algumas contam historias, falam da cultura e também sobre sentimentos, pensamentos. Existem cantos e rezas específicos para invocações rituais que acompanham também as danças tradicionais dos povos.




9 – Bro Mc’s

Grupo de Rap Guarani Kaiowa do Mato Grosso do Sul.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

http://amazonia.org.br/

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Museo Botero, Bogotá, Colombia

En el año 2000 el artista Fernando Botero donó al Banco de la República una colección de arte de 208 obras, 123 de su propia autoría y 85 de artistas internacionales. Con esta colección se fundó el Museo Botero, ubicado en el barrio La Candelaria, centro histórico de Bogotá, en una casona colonial que funcionó hasta 1955 como Arzobispado de la ciudad, y que fue restaurada y adecuada como museo por el Banco de la República, bajo los preceptos y la curaduría del propio maestro Botero. Desde el 1° de noviembre de 2000 la colección ha estado a disposición del público. El Museo Botero abre todos los días -menos los martes- y tiene entrada gratuita.


Fecha de creación: 1987
Técnica: Óleo sobre lienzo
Registro: Registro3218
Tamaño: 195 x 130 cm


“Para mí es un placer infinito saber que estas obras pertenecen hoy a Colombia; saber que los estudiantes que ingresen a esta casa, entrarán en contacto con las corrientes artísticas más importantes de nuestro tiempo, contemplando aquí permanentemente, obras originales de grandes maestros; saber que los amantes de la pintura y la escultura puedan venir a visitar este remanso de paz y pasearse tranquilamente por estas salas, dejándose inundar por la estética moderna”, expresó el pintor durante el acto inaugural del Museo Botero.

En el costado occidental del Museo se exhiben las 123 obras del propio maestro Botero entre las cuales se hallan pinturas, dibujos y esculturas. En estas piezas pueden apreciarse los rasgos característicos de la obra del artista, su extraordinario dominio de la técnica, la coherencia de su visión, la creatividad, la sensualidad, el manejo del volumen, el gusto por el detalle imprevisto y esa combinación de ironía y respeto que ha marcado su tratamiento de los temas colombianos o sus alusiones a la pintura universal. Son, ante todo, obras de las últimas décadas del siglo XX que permiten disfrutar el lenguaje y el estilo que ha caracterizado al pintor en su madurez.

En el costado oriental de la casa, se exhibe la colección internacional del Museo Botero, 85 obras de altísimo nivel que dan una idea muy completa de la evolución de la pintura y la escultura modernas, siendo la obra más antigua Gitane au tambourin (anterior a 1862) de Camille Corot y la más reciente, el gran óleo de Barceló (1998). Una colección que reúne a artistas tan destacados como Picasso, Leger, Renoir, Monet, Dalí, Giacometti, Beckmann, Freud, Calder y Bacon, y que ubicó al Museo Botero entre las cinco colecciones públicas de arte internacional de mayor importancia en América Latina.

Diariamente cerca de mil personas visitan el Museo Botero, y muchas otras, entre niños, maestros, adultos y familias, participan de los programas educativos que el Banco de la República ofrece, también gratuitamente, para acercar al público a esta magnífica colección. Hay visitas guiadas, charlas, conferencias, talleres para niños y maestros, entre otras actividades, cumpliendo el deseo del maestro Fernando Botero: estar allí por siempre, para la enseñanza y el disfrute de todos los colombianos.

Como lo titulara un periódico de la época, la donación de Fernando Botero fue “el regalo más grande que un colombiano haya hecho a su país”.


fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

http://www.banrepcultural.org/



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La primera noticia que se tiene de la casa que actualmente recibe a la Donación Botero data de 1724, cuando el Arzobispo Antonio Claudio Álvarez de Quiñónez adquirió el terreno a medio construir y se ocupó hasta 1733 en adecuarla como habitación de los arzobispos que llegaban a la capital.

Después de la muerte de Álvarez (1736), la casa fue ocupada por los arzobispos de Santafé, con excepción de Martínez Compañón. Antonio Caballero y Góngora, obispo entre 1788 y 1790, le hizo importantes mejoras y dejó allí su amplia biblioteca y una notable colección de arte: según Daniel Ortega Ricaurte, entre estas estaban obras de Tiziano, Miguel Ángel, Reni, Murillo y Velásquez. En el siglo XIX el obispo Vicente Arbeláez se encarga de mejorar su estado a partir de los planos de Bartolomé Monroy. Las descripciones de la edificación señalan una construcción austera pero sólida, reconocida por los habitantes de la ciudad y a la que se le atribuía cierta solemnidad, aunque de Palacio no tuviera sino el nombre.

La casa tuvo chimenea, lo que en Bogotá resultaba exótico; según José María Caballero algunos viajeros se sorprendían por que solo en dos residencias encontraron el calor de la leña. Los vecinos atribuían maleficios a la chimenea,pues el que se calentaba salía al frío bogotano y prontamente encontraba su final.

Al lado Tomás Reciente construyó el edificio definitivo de la Casa de moneda, entre 1753 y 1756. Esta casa se convierte en el lugar más representativo de la calle, tanto así que es nombrada como Calle de la Moneda.

Este vecindario fue morada de personajes históricos: Luis Caycedo y Flórez, alcalde de primer voto de la ciudad, cuya casa estaba en el sitio de la actual Plazoleta de Vásquez Ceballos, José Ignacio de Márquez, presidente de la Nueva Granada, Juan Hernández de Alba, Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, Francisco Cortázar y Primo Groot.

La casa fue también blanco de ataques. En la revuelta conservadora de 1862, mil hombres en contra de Mosquera atacan la ciudad y una parte del Palacio y la Casa de Moneda son quemadas. Más adelante, en 1886, empleados del Estado se llevaron a la fuerza los archivos de la curia donde se guardaban noticias sobre los impuestos y recaudos de la iglesia, secretos personales y crónicas de la historia.

A parte de estas noticias, la casa y sus habitantes no tuvieron el protagonismo de otras construcciones y personajes de la ciudad, tanto así que hasta el 9 de abril y tras pocas reparaciones, el Palacio se mantuvo en pie, aún al servicio del clero.

Con las fiebres desatadas por el asesinato de Jorge Eliécer Gaitán, la casa es incendiada y destruida. Luis Vidales escribe en ese abril un texto titulado Asesinos del pueblo,basado en una nota de prensa que afirmaba: "(...)entre los escombros del palacio arzobispal fue hallado un libro que ardía misteriosamente desde el 9 de abril: la "Historia de los Padres de la Iglesia". Obra humeante aún que parece un milagro". Por lo demás los daños al clero son una cifra más en la lista de destrucción.

A parte de la violencia y los conflictos políticos, la ciudad es objeto de una disputa más discreta: su reconstrucción, apenas dos o tres meses después del nueve de abril las revistas dedicadas a la arquitectura lanzaban diversas propuestas sobre la reconstrucción de los edificios, nuevos diseños para las vías y "conceptos urbanísticos" que definieran el nuevo centro de la Ciudad.

Parece que el Palacio escapó de la bandada arquitectónica, de su reconstrucción no hay reporte en las revistas especializadas; fue el Banco de la República quien adquirió los terrenos y a partir de las fotografías aéreas y las imágenes de las fachadas reconstruye la casa en dos etapas. Al finalizar la construcción en 1955, es alquilada a la Corte Suprema de Justicia. El palacio Arzobispal se traslada definitivamente a la carrera séptima con calle décima.

La Biblioteca Luis Angel Arango, cuya sede es adquirida en 1955, inaugura en el antiguo Palacio la Hemeroteca Luis López de Mesa; sus puertas se abrieron en enero de 1979, habiendo desplazado un año antes a la Corte Suprema.

Hernando Sánchez, en una crónica aparecida en la revista Guión, sobre la inauguración de la Hemeroteca menciona: “Algo restaurada, albergó a la Corte Suprema de Justicia, cuyos magistrados resolvieron convertir sus espaciosas estancias en encierros personales, evocativos de las cárceles. Todo lo cual señalaba algo así como que la justicia no solo es ciega sino fría”.

Durante el año 86 la casa volvió a recibir a la Corte; la destrucción del Palacio de Justicia en noviembre del 85, dejó sin oficinas a la institución, obligando a la readecuación del edificio y al regreso de la hemeroteca al edificio de la Biblioteca.

La ampliación de la Biblioteca Luis Angel Arango en 1990 creó un espacio para la Hemeroteca, así que ésta se trasladó a su actual lugar, dejando el antiguo Palacio como área de exposiciones y oficinas de la Subgerencia Cultural. El crecimiento de la Colección de Arte del Banco de la República, hizo que fuera necesario conseguir un lugar para mostrar al público las obras de manera permanente, así que en 1995 se inician nuevas obras de adecuación para recibir en diciembre del 96 la primera selección de obras pertenecientes a la colección.

Una vez más la casa es cerrada en el año 2000, la Colección de Arte se traslada a la segunda planta de la Casa de la Moneda y sus paredes se preparan para recibir, desde noviembre, las 183 obras de la Donación Botero, dejando atrás el blanco frío de las paredes y los muebles vacíos para que con el color llegara el placer del arte.

Por:
Katherine Rios
Bogotá, 2002

Publicado en el diario "Jornada". Reproducido en el libro La insurrección desplomada (El 9 de abril, su teoría, su praxis), Editorial Iqueima, Bogotá, 1948, pp. 11-13.

Sánchez Hernando. “Bogotá inaugura su primera hemeroteca”. En: Guión, No 98, Enero de 1979, pp. 80-81.

In the city’s historic center, at the Khan of Hadera national site, stands the “Khan” museum for the history of Hadera.

This was originally an Ottoman farm house that belonged to the owner of the Hadera lands, from whom the ground was purchased for the establishment of Hadera in 1891. 30,000 dunams (30 sq. km) were purchased by four associations of Hovevei Zion from Russia, in order to found the largest agricultural settlement in the Land of Israel at the time. 



One seventh of the land was malaria swamps, which cost the lives of many victims among the settlers. The first families lived in the Khan building until licences were granted to build their homes. Their survival at the site and struggle to dry out the swamps became a symbol in the history of the Land of Israel. 

What’s at the site: the remains of the historic Khan and a farming display within the Khan garden, fascinating exhibitions of the first 70 years of Hadera’s 120, periodic rooms, an abundance of accessories, tools, furniture, objects, historic films, city archive, collections and a big library for the history of Zionism and the Jewish settlement.





fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

http://eng.shimur.org/Khan/

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--IN
No centro histórico da cidade, no local de Khan nacional Hadera, fica o museu "Khan" para a história de Hadera. Esta foi originalmente uma casa de fazenda Otomano que pertencia ao proprietário das terras Hadera, de quem a terra foi comprada para o estabelecimento de Hadera em 1891. 30.000 dunams (30 sq. Km) foram adquiridos por quatro associações de Hovevei Zion da Rússia, para fundar o maior assentamento agrícola na Terra de Israel na época. Um sétimo da terra era pântanos da malária, que custaram a vida de muitas vítimas entre os colonos. As primeiras famílias viviam no prédio Khan até licenças foram concedidas para construir suas casas. Sua sobrevivência no local e luta para secar os pântanos se tornou um símbolo da história da Terra de Israel.

O que há no local: os restos do histórico Khan e um display agricultura dentro do jardim Khan, exposições fascinantes dos primeiros 70 anos de 120, salas de periódicos de Hadera, uma abundância de acessórios, ferramentas, móveis, objetos, filmes históricos, arquivo cidade , coleções e uma grande biblioteca para a história do sionismo e do assentamento judaico.


MUSEOS: PANTALLAS TÁCTILES · en CREACIÓN, MUSEO,MUSEOGRAFÍA, MUSEOLOGÍA, OPINIÓN, TECNOLOGÍA. ·


Hoy seguimos hablando del tipo de tecnología que complementa la función de difusión de los contenidos del museo. Todos estos soportes no son un fin en si, sino una manera de implementar la función didáctica del museo para que los contenidos fluyan y sean accesibles a todo tipo de visitantes, atendiendo a perfiles universales de público. Además, dependiendo del uso que le demos a esta tecnología del “touch”, la información puede desdoblarse ofreciendo todo tipo de contenidos complementarios, incluidos aquellos relacionados con la información general del museo y de su zona de influencia, no tanto ya de un contenido puntual.



Las pantallas táctiles son una solución que se encuentra cada vez más en los museos y centros de interpretación del patrimonio, poquito a poco, pero se encuentran. Estos son soportes de nueva generación que optimizan los costes de desarrollo, ya no son tan costosos ni mucho menos como los de hace no mucho tiempo, aquellos que ya se han quedado muy antiguos y son my frágiles, se estropeaban a la mínima. Estos recursos generan un gran interés, funcionando como elementos de interacción con los visitantes, pensando sobre todo en los niñas y los niños.


Las pantallas táctiles nos permiten desarrollar discursos museográficos paralelos en función entonces del tipo de público y sus necesidades de información, ayudando a la comprensión del mensaje expositivo, haciendo el recorrido en el museo mucho más versátil, de manera que podamos atender al público en función de su interés y/o nivel de curiosidad, todo ello a partir del accionamiento de hipervínculos de textos y/o fotos, incluso trasladarlos a sitios web.

Archivo EVE

Las pantallas táctiles deben colocarse en lugares estratégicos, para que los visitantes puedan acceder a sus contenidos y servicios en línea, y su manejo debe ser muy sencillo, favoreciendo así la interactividad a todo tipo de personas, incluidas aquellas que no suelen utilizar ordenadores o computadoras, y con una exposición gráfica (interfaz) legible, nada de explosión de colores y uso de letras pequeñas. Debe facilitarse el traslado de la información a los dispositivos móviles de los visitantes.


De manera complementaria, las pantallas táctiles deben satisfacer la necesidad del visitante como punto de información general del museo, dónde las personas pueden recabar información mucho más amplia y específica, normalmente de carácter turístico local, información sobre otros museos, patrimonio histórico relevante para los visitantes, como son también lugares para comer, compras y alojamientos.

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Palau de la Música (Barcelona)





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Kostenko, Lina [Костенко, Ліна], Poet -- Lina Kostenko, poeta ucraniana.

She studied at the Kyiv Pedagogical Institute and graduated from the Gorky Institute of Literature in Moscow in 1956. Her first poems were published in the early 1950s. She is the author of the collections Prominnia zemli (Rays of the Earth, 1957), Vitryla (Sails, 1958), and Mandrivky sertsia(Wanderings of the Heart, 1961). The collection ‘Zorianyi integral’ (The Stellar Integral) was ready for publication in 1962, but the censors judged it ideologically harmful and a departure from socialist realism and suppressed it. 




 (Photo: Lina Kostenko.) Poet; 

one of the earliest and most outstanding of the 
shistdesiatnyky, the Soviet Ukrainian writers of the post-Stalinist thaw. 


Twelve of the poems from the collection appeared in the anthology of Ukrainian samvydav Shyroke more Ukraïny (The Wide Sea of Ukraine, Paris–Baltimore 1972), and a volume encompassing her work to date was published in the West in 1969 as Poeziï (Poems). In 1965 and 1968 Kostenko signed several open letters protesting the arrests and secret trials of Ukrainian intellectuals. Her poetry was not published in Ukraine again until 1977, when her collection Nad berehamy vichnoï riky (On the Banks of the Eternal River) appeared. 

A novel in verse, Marusia Churai (1979) and the collectionNepovtornist’ (Uniqueness, 1980) followed and earned its author the Shevchenko Prize in 1987. In 1987 Kostenko published her next collection Sad netanuchykh skul’ptur (Garden of Unthawed Sculptures) and a book of poems for children Buzynovyi tsar (The King of the Lilacs). Her historical novel in verseBerestechko, originally composed in 1966, appeared in book form only in 1999.

Kostenko's poetry consists primarily of intimate, lyric poems and ‘social’ poems on the role and responsibility of a poet, particularly in a totalitarian society. Employing diverse rhythms, sophisticated language, a colloquial and aphoristic manner of writing, and a subtle emotivity, ranging from playful irony and humor to scathing satire, she is acknowledged as one of the better contemporary Ukrainian poets. 

Marusia Churai and Berestechko are quite unique in Ukrainian literature. In the former Kostenko depicts the tragic fate of a semilegendary figure in Ukrainian history against the background of the Cossack-Polish War, while the latter deals with the fateful Battle of Berestechko from the same historical period.

Kostenko, Lina [Костенко, Ліна], b 19 March 1930 in Rzhyshchiv, Kyiv oblast.





http://www.encyclopediaofukraine.com/

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--br via tradutor do google

Kostenko, Lina [Костенко, Ліна], b 19 de março de 1930 em Rzhyshchiv, Kyiv oblast. (Foto:. Lina Kostenko) Poeta; um dos primeiros e mais destacados do shistdesiatnyky, os escritores soviéticos ucranianos do degelo pós-stalinista. 

Ela estudou no Instituto Pedagógico Kyiv e se graduou no Instituto de Literatura Gorky, em Moscou, em 1956. Seus primeiros poemas foram publicados no início de 1950. Ela é a autora das coleções Prominnia zemli (Rays of the Earth, 1957), Vitryla (Velas, 1958), e Mandrivky sertsia (Andanças do Coração, 1961). A coleção 'Zorianyi integral "(The Integral Stellar) estava pronto para publicação, em 1962, mas os censores julgaram ideologicamente prejudicial e uma partida do realismo socialista e suprimiu-lo. 

Doze dos poemas da coleção apareceu na antologia de samvydav ucraniano Shyroke mais Ukrainy (o mar largo da Ucrânia, Paris-Baltimore 1972), e um volume que engloba seu trabalho até à data, foi publicado no Ocidente em 1969 como Poezii (Poemas) . 

Em 1965 e 1968 Kostenko assinou várias cartas abertas que protestavam as detenções e julgamentos secretos dos intelectuais ucranianos. Sua poesia não foi publicada na Ucrânia novamente até 1977, quando sua coleção Nad riky vichnoï berehamy (Nas Margens do Rio Eterno) apareceu. 

Um romance em verso, Marusia Churai (1979) ea coleção Nepovtornist '(Unicidade, 1980) seguiram e ganhou o seu autor o Prêmio Shevchenko em 1987. Em 1987 publicou seu Kostenko próxima coleção Sad skul'ptur netanuchykh (Jardim de Esculturas Unthawed) e um livro de poemas para crianças Buzynovyi tsar (The King of the Lilacs). Seu romance histórico no versículo Berestechko, originalmente composta em 1966, apareceu em forma de livro apenas em 1999.

A poesia de Kostenko consiste principalmente de íntimos, poemas líricos e poemas "sociais" sobre o papel e a responsabilidade de um poeta, particularmente em uma sociedade totalitária. Empregando diversos ritmos, linguagem sofisticada, de forma coloquial e aphoristic da escrita, e uma emotividade sutil, que vão desde ironia brincalhona e humor a sátira mordaz, ela é reconhecida como um dos melhores poetas contemporâneos ucranianos. 

Marusia Churai e Berestechko são bastante singular na literatura ucraniana. No primeiro Kostenko retrata o destino trágico de uma figura semilegendary na história da Ucrânia contra o pano de fundo da Guerra cossaco-polonês, enquanto o segundo trata da fatídica batalha de Berestechko do mesmo período histórico.