Listen to the text.

quinta-feira, 30 de junho de 2016

музея-заповедника М.А. Шолохова. Россия, Ростовская область, --- Museu-Reserva de MA Sholokhov. Rússia, região de Rostov,


музея-заповедника М.А. Шолохова

Музей-заповедник М.А. Шолохова провел для школьников Шолоховского района театрализованное занятие «Зеленые святки», посвященное народному празднику Святой Троицы.

Занятие проходило в березовой роще неподалеку от конюшни музея-заповедника М.А. Шолохова. Символом праздника, с которым в народе связано множество обрядов, традиций и обычаев, является береза. Существует поверье, что именно это дерево обладает особой силой роста и оказывает благоприятное влияние на человека. Березовыми ветками на Дону украшали дома и храмы. По сломанным и воткнутым в землю веткам березы судили о погоде: если листья завянут, то лето грядет сухое, и казаки успеют высушить сено, если нет, - то лето будет дождливое, и сено не высохнет.

На занятии ребята познакомились с традициями празднования Троицы на Верхнем Дону, приняли участие в троичных гуляньях: «завивали венки» на зеленых ветках, украшали их лентами. Каждый завил столько венков, сколько у него кровных родственников. Так на Дону узнавали о своей судьбе и о судьбе своих близких. Если венок зеленый и свежий, то все будет хорошо, а увядший венок сулил болезнь или беду.

Каждый попробовал себя в мастерстве изготовления венков и игрушек из душистых луговых трав. Здесь же, под березами, дети водили хороводы, играли в задорные игры, гадали, спрашивая кукушку, сколько лет им ждать своей свадьбы, а потом юные «кумушки» обменивались венками со словами: «Кума с кумой покумись, целый век не бранись!».

Под веселые песни мальчишки и девчонки пустили на воду сплетенные венки, приговаривая: «Венок мой березовый, плыви - не утони, счастье, несчастье на год покажи». На Дону существовало поверье: «коль венок потонет - быть болезни аль беде». Но ни один венок, брошенный в воду, не утонул, все они поплыли, образовав на воде яркий ковер.

Завершился праздник веселым катанием на лошадях.




Государственный музей-заповедник М.А. Шолохова широко известен в России и за рубежом как уникальный памятник русской культуры, истории казачества, донской природы. В 2006 году Указом Президента России он включён в Государственный свод особо ценных объектов культурного наследия народов Российской Федерации.

Музей был создан 11 июля 1984 года с целью увековечения памяти великого русского писателя. Здесь сохранено всё, что связано с жизнью и творчеством Шолохова (личные вещи, рукописи, письма, дома, в которых он жил, природа, хутора и станицы, изображённые в его произведениях), с историей и культурными традициями Верхнего Дона.

Музей-заповедник находится в Ростовской области на территории трёх её северных районов. Зона охраняемого ландшафта составляет 38236 га. Здесь расположены 19 памятников истории и культуры, 6 памятников природы и 256 памятников археологии. В музее работают 17 постоянно действующих выставок и экспозиций, организованных на современном уровне, мастерские декоративно-прикладного искусства, классы. Выставочная площадь составляет 1870 м2, а общее число хранящихся в фондах музея предметов превышает 70 000.

Музей осуществляет широкую экспозиционную, хранительскую, научно-исследовательскую, просветительскую, экологическую и туристическую деятельность. Несмотря на то, что он значительно удалён от железной дороги и крупных городов (до ближайшей железнодорожной станции Миллерово – 145 км., до г. Ростова-на-Дону – 354 км., до Москвы - 800 км.), в год его посещают 70 тысяч человек, и число посетителей постоянно растёт.

Выставки музейной коллекции побывали в различных уголках России и зарубежья. В 2006 г. жители Тайваня получили возможность познакомиться с классиком русской литературы М.А. Шолоховым на выставке «К вершинам народной литературы. Диалог между Россией и Тайванем». В 2010 г. выставка, посвященная 105-летию писателя, побывала на Х1Х Международной книжной ярмарке в Гаване. На международных туристических выставках в Испании, Германии, Великобритании, привлекающих десятки тысяч посетителей, экспозиции шолоховского музея вызывают большой интерес.

За прошедшую четверть века музей-заповедник М.А. Шолохова стал заметным явлением в культурной жизни России, одним из самых динамично развивающихся молодых музеев Европы. Только за последние 5 лет, реализуя концепцию развития «Роман под открытым небом», он был награждён Международной премией М.А. Шолохова (2004), золотой медалью «Национальное достояние» благотворительного фонда «Меценаты столетия» (2005), серебряной короной и дипломом конкурса «Лидеры туриндустрии» (2005), дипломом финалиста в отдельных номинациях и Гран-при фестиваля «Интермузей». Музей получил сертификат Европейской Ассоциации «Лучшие в сфере наследия», членство в Международном Клубе профессионального превосходства, стал номинантом конкурса Европейского музейного форума на звание лучшего музея Европы 2007 года, лауреатом Национальной туристской премии им. Ю.Сенкевича в номинации «Лучший региональный музей» в 2008г., получил гран-при Национальный экологической премии «ЭкоМир-2009».


Музей-заповедник М.А. Шолохова еще совсем молод, и сегодня развивается со всем энтузиазмом юности, постоянно расширяя сферу своего культурного влияния в России и за рубежом.




http://www.sholokhov.ru/museum/

Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.


A cultura é o único antídoto que existe contra a ausência de amor

Vamos compartilhar.




--br via tradutor do google
Museu-Reserva de MA Sholokhov
Museu-Reserva de MA Sholokhov realizada para escolares da atividade teatral Sholokhov District "Green Christmastide", dedicada ao feriado nacional da Santíssima Trindade.

As aulas são ministradas em um bosque de bétulas perto dos estábulos Museu-Reserva de MA Sholokhov. O símbolo do feriado, que é popularmente associado com muitos rituais, tradições e costumes, é bétula. Acredita-se que esta árvore tem uma força de crescimento especial e tem um efeito benéfico sobre os seres humanos. ramos de bétula decorado casa no Don e templos. Como quebrada e preso nos ramos de bétula chão julgados sobre o tempo: se as folhas murcham, o verão seco está chegando, e os cossacos tem tempo para secar feno, se não - então o verão será chuvoso, e o feno é seco.

caras de aula familiarizados com as tradições da celebração da Santíssima Trindade no Upper Don, participou do ternário festividades "enrolado coroas" nos ramos verdes, decorado-los com fitas. Cada enrolado grinaldas, tanto quanto seus parentes de sangue. Assim, o Don descobriu sobre o seu destino eo destino de seus entes queridos. Se a grinalda verde e fresco, tudo vai ficar bem, mas coroa de flores desbotadas prometeu doença ou infortúnio.

Todos tentaram a sua habilidade na fabricação de brinquedos e coroas de gramas de prado perfumadas. Aqui, sob as bétulas, as danças crianças círculo, jogado jogos de espírito, adivinhando, perguntando-cuco, quanto tempo eles esperam para o seu casamento, e então as "fofocas" jovens trocaram guirlandas com as palavras: "Kuma com pokumis madrinha, um século não Bran" .

Sob o alegre músicas meninos e meninas estão autorizados a água tecido grinaldas, dizendo: "Grinalda minha vidoeiro, nadar - não se afogar, felicidade, infelicidade para o show do ano." No Don havia uma crença ", Kohl pia grinalda - seja al problemas doença." Mas nenhum grinalda jogado na água, afogado, navegaram para formar no tapete brilhante água.

A diversão equitação férias.



Olga Sivolobova


-
MUSEU
museu de história



A State Museum-Reserve de MA Sholokhov é amplamente conhecido na Rússia e no exterior como um monumento único da cultura russa, a história dos cossacos, a natureza Don. Em 2006, o Decreto do Presidente da Rússia, ele está incluído na coleção do estado de objetos especialmente valiosos do património cultural dos povos da Federação Russa.

O museu foi estabelecido 11 de julho de 1984 com a finalidade de perpetuar a memória do grande escritor russo. Manteve-se tudo o que está relacionado com a vida e obra de Sholokhov (coisas pessoais, manuscritos, cartas, casa, onde vivia, natureza, exploração agrícola e da aldeia retratada em suas obras), a história e as tradições culturais do Alto Don.

Museum-Reserve está localizado na região de Rostov no território de suas três regiões do norte. área de paisagem protegida de 38236 hectares. Há 19 monumentos históricos e culturais, 6 monumentos naturais e 256 monumentos arqueológicos. O museu tem 17 exposições permanentes e exposições organizadas no nível atual, oficinas de artes e ofícios classes. A área de exposição de 1.870 m2, e o número total de objetos armazenados em fundos do museu exceder 70.000.

O museu tem uma extensa actividades exposição, hranitelskuyu, pesquisa, educação, ambientais e turísticas. Apesar do fato de que é significativamente longe da estação ferroviária e das principais cidades (a estação ferroviária mais próxima Millerovo - 145 km, para a cidade de Rostov-on-Don -. 354 km, para Moscou - .. 800 km), no ano em que é visitado 70 mil pessoas, e o número de visitantes está em constante crescimento.

Mostra a coleção do museu estavam em diferentes partes da Rússia e no exterior. Em 2006, o povo de Taiwan teve a oportunidade de reunir-se com o clássico MA literatura russa Sholokhov na exposição "Para os topos de literatura popular. Diálogo entre a Rússia e Taiwan ". Em 2010, uma exposição dedicada ao 105º aniversário do escritor, visitou H1H Feira Internacional do Livro de Havana. Nas exposições internacionais de turismo em Espanha, Alemanha, Reino Unido, atraindo dezenas de milhares de visitantes, a exposição Sholokhov Museum são de grande interesse.

Museu-Reserva de MA Durante o último quarto de século Sholokhov tornou-se um evento notável na vida cultural da Rússia, um dos jovens museus mais dinâmicas da Europa. Somente nos últimos 5 anos, através da aplicação do conceito de "nova ao ar livre", ele foi premiado com o Prêmio Internacional MA Sholokhov (2004), uma medalha de ouro Fundo "National Treasure" caridade "Patronos do século" (2005), uma coroa de prata e um diploma do concurso "Líderes da Indústria de Viagens" (2005), Diploma de finalista nas categorias individuais e Grand Prix festival "Intermuseum". O museu recebeu um certificado da Associação Europeia de "The Best in Heritage", membro do Clube Internacional de excelência profissional, foi nomeado para o concurso europeu Forum Museu para o título de melhor museu da Europa de 2007, o vencedor do Prémio Nacional de Turismo. Y.Senkevich Prêmio Nacional Viagem na categoria "Melhor Museu Regional" em 2008., recebeu o Prêmio Nacional de Meio Ambiente Grand Prix "World Eco 2009".

Museu-Reserva de MA Sholokhov de ainda muito jovem e está a desenvolver com todo o entusiasmo da juventude, constantemente expandindo sua esfera de influência cultural na Rússia e no exterior.

Iconografia ganha novo fôlego na Rússia. --- Iconography gains new life in Russia.

A iconografia é um ofício que está ressurgindo na Rússia. Nos últimos anos, o número de especialistas nessa área cresceu bastante. Antigamente, apenas os monges se ocupavam de atividade, mas hoje em dia são as mulheres formadas em Instituições de Ensino Superior de Arte e em cursos especiais que realizam esse trabalho com maior frequência.



O padre Aleksandr, um sacerdote ortodoxo, teve o primeiro contato com a iconografia nas aulas de História da Arte da Faculdade de Artes onde estudava. Mas foi quando analisava o ícone da Trindade de Andrêi Rubliov, exposto na Galeria Tretiakov, que ele teve consciência do valor espiritual da iconografia pela primeira vez.

“A princípio, eu estava analisando o ícone como artista, mas depois, por trás do brilho das cores, enxerguei uma luz interior e ela agitou todo o meu ser”, ele conta. “Eu passei a ver o ícone como uma fonte de luz, a fonte de toda a nossa vida. Andrêi Rubliov conseguiu desvendar o mistério da Santíssima Trindade e foi capaz de transmitir essa luz".

Enigma para os impressionistas

O sacerdote conta que as pessoas recebem educação em arte clássica e realista na Rússia, mas a iconografia, por muitos séculos, permaneceu como que oculta por uma espécie de cortina para o espectador. O interesse em relação às imagens religiosas surgiu na Rússia somente nos séculos 19 e 20, quando foram restaurados os trabalhos mais antigos. Até então os ícones tinham uma aparência muito escura por causa da tecnologia usada em sua criação.

"A questão é que os ícones eram cobertos com óleo de linhaça e ele ia escurecendo ao longo dos séculos. Com o passar do tempo, essas imagens escureciam e até ficavam enegrecidas”, diz padre Aleksandr. “Quando a camada enegrecida de óleo de linhaça era removida, revelava-se o brilho e o esplendor das cores. Descobria-se que as imagens brilhavam com toda paleta de cores."



Andrêi Rubliov, o pintor que sobreviveu ao caos


Muitos dos impressionistas franceses, que buscavam a pureza e a harmonia de cores em suas obras, eram apaixonados pela iconografia da Rússia antiga.

"Henri Matisse estava muito interessado na iconografia russa e em compreender a sua cor. Através dele, muitos de nossos artistas também procuram desvendar o segredo da arte das cores do ícone russo”, explica o sacerdote. “O matemático Boris Rauchenbakh pesquisou os ícones russos e em particular o ícone da Trindade, de Andrêi Rubliov, de um ponto de vista matemático. Ele encontrou leis da matemática superior nessa obra."

O padre Aleksandr está convicto de que a intuição dos pintores de ícones russos era tão precisa que hoje ela pode ser descrita em termos científicos.

O sacerdote diz que, tradicionalmente, os iconógrafos eram monges que jejuavam e oravam por muitos dias antes de começar a pintar a face dos santos e só pegavam o pincel na mão quando começavam a sentir o "ressoar da graça do Espírito Santo dentro de si".




“A própria iconografia é também um mistério, muitos afirmam que é o Espírito Santo que conduz a mão do pintor de ícones. Isso acontece quando a nossa máquina humana funde-se realmente com a mão do Senhor”, explica o padre Aleksandr. “Mas tais casos são raros e podem ser chamados de Revelação Divina. É possível fazer uma cópia de um ícone antigo, mas ela não produzirá o mesmo impacto. O trabalho de pintar um ícone é um processo complexo que requer habilidade, um foco de oração interior, pureza de coração e pureza corporal. Não é para todos que o ícone representa um processo para conversar com Deus.”

O padre Aleksandr teve a sorte de participar da pintura do maior templo russo, a Catedral de Cristo Salvador. Junto com ele muitos outros artistas trabalharam na elaboração das pinturas e depois continuaram a exercer esse ofício. 

"Para muitos formandos, esse foi o primeiro trabalho e proporcionou a eles a oportunidade de continuar exercendo esse ofício no futuro”, diz o padre.

Uma cooperativa de iconografia

Na oficina de Ekaterina Ilinskaia são pintados ícones que atendem aos mais diversos gostos. E não são monges que trabalham lá. De acordo com o que conta Elena Petiaskina, artista da oficina, atualmente existem muitas oficinas de iconografia na Rússia e as tradições iconográficas estão sendo restabelecidas e se desenvolvem ativamente.

"Até cinco ou seis anos atrás, havia pouquíssimas oficinas e agora é até difícil contá-las. Nós pintamos os ícones com base nas tradições russas dos séculos 15 e 16, bem como no estilo mais tardio do século 19. Fazemos as pinturas em tábuas de tília utilizando têmpera e óleo e para o douramento usamos folhas de ouro", diz ela.

Elena afirma que depois de terem encomendado um ícone, as pessoas tornaram-se clientes regulares em 50% dos casos.

"As pessoas gostam de encomendar ícones dimensionados para os recém-nascidos, que são feitos exatamente na medida do comprimento do bebê, bem como ícones para a ocasião do casamento e ícones familiares, onde são representados todos os Santos, patronos dos membros da família”, diz ela. “Nossos clientes são pessoas comuns que querem adquirir uma relíquia de família, ou então dar um presente especial. A demanda para o nosso trabalho é bastante elevada.”

Antes de se tornar iconógrafa, Elena havia sido professora em uma escola.

"Eu concluí a Faculdade de Pedagogia, com especialização em inglês e alemão. Passei um ano na Alemanha e depois lecionei em uma escola. Comecei a me interessar por desenho na qualidade de hobby. Eu tinha muita vontade de pintar ícones, mas não sabia onde aprender a fazer isso”, ela conta.




“Então, certa vez, vi um anúncio de cursos de iconografia. Acabei aprendendo e fui convidada para trabalhar na oficina."

Ela trabalha ali há mais de 5 anos e é especializada na pintura de roupas das imagens dos Santos. Toda a oficina funciona como uma cooperativa, um artista pinta os rostos, outro pinta o corpo, um terceiro faz o douramento e assim por diante.

"Cada um dos artistas faz no ícone o que ele consegue fazer melhor", observa Elena. Basicamente, são as mulheres que exercem esse tipo de atividade.

É interessante que Elena fez o seu primeiro ícone ainda na infância, para dar de presente a sua avó.

“Eu modelei uma plaquinha de argila, risquei uma imagem nela com um prego e depois pintei”, conta ela. “Me pareceu que ficou muito bonito. A argila não havia sido queimada, por isso esse trabalho não pôde ser conservado."

Valores

Os preços das obras de arte sacra começam a partir de 5 mil rublos (US$ 120), sendo que o preço máximo pode chegar até meio milhão de rublos (US$ 12,5 mil).

"Os preços de nossa oficina estão um pouco acima da média”, diz Elena. “Mas os ícones nunca foram baratos. Antigamente, as pessoas também tinham que ficar poupando durante anos para poder ter algo assim. Atualmente existe uma grande quantidade de ícones impressos que são bastante acessíveis, mas nós respeitamos totalmente as tradições. Aqui trabalham artistas, os ícones são decorados com prata e pedras preciosas, por isso o resultado final é totalmente diferente. Um ícone leva de dois a três meses para ser pintado.”

Elena conta que os estrangeiros que visitam a oficina não compram os ícones porque para eles os preços parecem excessivamente altos: “Isso não passa de um souvenir para eles."





Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

A cultura é o único antídoto que existe contra a ausência de amor

Vamos compartilhar.




--in vi TRdutor do google
Iconography gains new life in Russia.

The iconography is a craft that is re-emerging in Russia. In recent years, the number of specialists in this area grew. Previously, only the monks were busy activity, but nowadays women are trained in Art Higher Education Institutions and special courses that do this work more often.



St. Petersburg art group
recreates classic painting

The Aleksandr priest, an Orthodox priest, had the first contact with the iconography in art history classes at the Arts School where she studied. But it was when analyzing the Trinity icon Andrei Rubliov exposed in the Tretyakov Gallery, he was aware of the spiritual value of iconography for the first time.

"At first I was looking at the icon as an artist, but then behind the brightness of the colors, I saw an interior light and she shook my whole being," he says. "I went to see the icon as a light source, the source of all our lives. Andrei Rubliov managed to unravel the mystery of the Holy Trinity and was able to transmit this light. "

Puzzle for the Impressionists

The priest says that people receive education in classical and realist art in Russia, but the iconography for many centuries, that remained hidden by a kind of curtain to the viewer. The interest towards religious images appeared in Russia only in the 19th and 20th centuries, when the older works were restored. Until then the icons had a very dark appearance because of the technology used in its creation.

"The point is that the icons were covered with linseed oil and it was getting dark over the centuries. Over time, these images darkened and even were blackened," says Father Aleksandr. "When the blackened layer of linseed oil was removed, revealed to the brightness and splendor of colors. He discovered that the images shimmered with every color palette. "




Andrei Rubliov, the painter who survived the chaos


Many of the French Impressionists, who sought the purity and harmony of colors in his works, were passionate about the iconography of ancient Russia.

"Henri Matisse was very interested in the Russian iconography and understand their color. Through it, many of our artists also seek to unravel the secret of the art of Russian icon colors," said the priest. "The mathematician Boris Rauchenbakh researched the Russian icons and in particular the icon of the Trinity of Andrei Rubliov, from a mathematical point of view. He found superior laws of mathematics in this work. "

The Father Aleksandr is convinced that intuition of Russian icon painters was so precise that it can now be described in scientific terms.

The priest says that traditionally the iconographers were monks who fasted and prayed for several days before starting to paint the face of the saints and only caught the brush in hand when they began to feel the "echo of the grace of the Holy Spirit within you" .




"The own iconography is also a mystery, many say it is the Holy Spirit who leads the hand icon painter. This happens when our human machine actually merges with the hand of the Lord, "said Father Aleksandr. "But such cases are rare and can be called Divine Revelation. You can make a copy of an old icon but it will not produce the same impact. The work of painting an icon is a complex process that requires skill, an interior prayer focus, purity of heart and body purity. Not for all that the icon represents a process to talk to God. "

The Father Aleksandr was fortunate to participate in the largest Russian temple painting, Christ the Savior Cathedral. Along with it many other artists worked on the preparation of the paintings and then continued to exercise this office.

"For many students, this was the first job and gave them the opportunity to continue exercising this office in the future," says the priest.

An iconography of cooperative

In Ekaterina Ilinskaia workshop icons are painted that meet the most diverse tastes. And are not monks who work there. According to that account Elena Petiaskina, artist workshop, there are currently many iconography workshops in Russia and the iconographic traditions are being re-established and actively develop.

"Until five or six years ago there were very few workshops and is now even difficult to count them. We painted the icons based on Russian traditions of the 15th and 16th centuries, as well as in the late 19th century style We make paintings on boards linden using tempera and oil gilding and the use of gold leaf, "she says.

Elena says that after having commissioned an icon, people have become regular customers in 50% of cases.

"People like ordering sized icons for newborns, which are made exactly as the baby's length, as well as icons for the wedding occasion and familiar icons, which are represented all the saints, patrons of family members" she says. "our customers are ordinary people who want to acquire a family heirloom, or give a special gift. the demand for our work is quite high."

Before becoming iconógrafa, Elena had been a teacher in a school.

"I concluded the College of Education, majoring in English and German. I spent a year in Germany and later taught at a school. I started getting interested in drawing in the hobby quality. I was really keen to paint icons, but did not know where learn how to do it, "she says.




"So once I saw an iconography courses ad. Just I am learning and I was invited to work in the workshop. "

She works there for more than five years and specializes in painting the images of Saints clothes. The whole workshop functions as a cooperative, an artist paints faces, another painting the body, a third one browning and so on.

"Each of the artists is the icon of what they can do better," says Elena. Basically, it is women who perform this type of activity.

Interestingly, Elena made his first icon in childhood, to give away your grandmother.

"I modeled a clay plaque, an image chalked on it with a nail and then painted," she says. "It seemed to me that was very beautiful. Clay had not been burned, so that work could not be maintained. "

values

The prices of sacred art works start from 5000 rubles ($ 120), and the maximum price can reach up to half a million rubles ($ 12,500).

"Our workshop prices are a little above average," says Elena. "But the icons were never cheap. In the past, people also had to be saving for years to have something. Currently there is a lot of icons printed which they are quite affordable, but we respect fully the traditions. Here artists work, the icons are decorated with silver and precious stones, so the end result is totally different. An icon takes two to three months to be painted. "

Elena says that foreigners visiting the shop not shop icons because for them the prices seem too high ". That's just a souvenir for them"


Музей Кролевецького ткацтва, Україна. --- Museu Krolevetsky tecelagem, Ucrânia

Музей Кролевецького ткацтва


Музей Кролевецького ткацтва — краєзнавчий музей у місті Кролевець на Сумщині, зібрання матеріалів і предметів з історичного та культурного розвитку ткацтва Кролевеччини; значний культурний осередок міста.

Музей Кролевецького ткацтва
Засновано 19 листопада 2011 року
Розташування Україна:
Адреса бульв. Шевченка, 33
Фонд 700 од. зберігання


Музей Кролевецького ткацтва — краєзнавчий музей у місті Кролевець на Сумщині, зібрання матеріалів і предметів з історичного та культурного розвитку ткацтва Кролевеччини; значний культурний осередок міста.
Загальні дані


19 листопада 2011 року у рамках проведення Міжнародного літературно-мистецького фестивалю «Кролевецькі рушники», який з 1995 року щорічно проводиться у м. Кролевці, відбулась важлива історична подія – відкриття музею кролевецького ткацтва. Розташовано музей в історичній садибі родини Огієвських (бульв. Шевченка, 33), де колись гостював великий Кобзар.


«У планах обласної влади – перетворити місцевий музей на національний. Адже кролевецькі рушники прославляють не тільки Сумщину – всю Україну», – зазначив під час відвідин музею у 2011 році голова Сумської ОДА Ю. П. Чмирь.
Фонди та експозиція


Рушник, виготовлений у 1839 році


В основу музею була закладена спадщина музейної кімнати Кролевецької фабрики художнього ткацтва. Музейна збірка стародавніх і сучасних творів художнього ткацтва нараховує понад 700 унікальних експонатів, з яких майже 400 – рушники. Найстаріший з рушників датується 1839 роком.


Один із залів музею


Ткані вироби, які зберігаються у фондах музею, дійшли до нас із ХІХ-ХХ століть. Це різноманітні предмети декоративно-ужиткового та обрядового призначення, передусім рушники, розмір й оформлення яких залежали від використання їх у побуті й обрядах. Узорні тканини інтер'єрного вживання – настільники, рядна, фіранки.


Кожний твір художнього ткацтва, що зберігається в музейній колекції, доносить до сучасників уяву про естетичні уподобання та високу майстерність їх творців.






Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

A cultura é o único antídoto que existe contra a ausência de amor

Vamos compartilhar.




--br via tradutor do google

Museu Krolevetsky tecelagem, Ucrânia

Krolevetsky tecendo museu - museu em Krolevets em Sumy, recolha de materiais e objectos de desenvolvimento histórico e cultural de Krolevets tecelagem; uma significativa centro cultural da cidade.

Museu Krolevetsky tecelagem

Fundada 19 de novembro de 2011
Local Ucrânia:
Krolevets (região de Sumy)
avenida endereço. Shevchenko, de 33 anos
700 unidades do Fundo. armazenamento


Krolevetsky tecendo museu - museu em Krolevets em Sumy, recolha de materiais e objectos de desenvolvimento histórico e cultural de Krolevets tecelagem; uma significativa centro cultural da cidade.
informações gerais

. 19 de novembro de 2011 como parte do Literary and Arts Festival Internacional "toalhas Krolevets", que, em 1995, realizado anualmente na cidade Krolevets, foi um importante evento histórico - a abertura do museu Krolevetsky tecelagem. Localizado em uma histórica mansão Ogievskii museu familiar (Shevchenko avenida., 33), onde visitou uma vez o grande Kobzar.

"Os planos do governo regional - voltar-se para o Museu Nacional local. Depois de toalhas Krolevets comemorar não só a região de Sumy - toda a Ucrânia ", - disse durante uma visita ao museu em 2011, o chefe da Administração YP Chmyr Sumy Regional.
Fundos e exposição

Toalha, feita em 1839

A base do museu foi colocada quarto Heritage Museum Krolevets arte da tecelagem fábrica. A coleção do museu de obras antigas e modernas de arte da tecelagem tem mais de 700 artigos originais, dos quais quase 400 - toalhas. Os mais antigos remonta a 1839 com toalhas ano.


Uma das salas do museu
produtos tecidos armazenados no museu, veio até nós a partir do séculos XIX e XX. Esta variedade de objetos de finalidades decorativas e cerimoniais, especialmente toalhas, tamanho e design são dependentes de seu uso na vida cotidiana e rituais. tecido estampado uso interior - intoStolnikov, fila, cortinas.

Cada obra de tecelagem arte, armazenados em coleções de museus, traz à ideia contemporânea de gostos estéticos e grande habilidade de seus criadores.

quarta-feira, 29 de junho de 2016

Danza y Expresión Artística. --- Dança e expressão artística.

¿Cómo se puede representar el movimiento a partir de una figura inmóvil? ésta es una contradicción que ha obsesionado a muchos artistas durante milenios. "El movimiento en la inmovilidad, la inmovilidad en movimiento", este ha sido el lema de las diferentes expresiones artísticas de la danza, desde las antiguas tradiciones del sudeste de Asia hasta lo más contemporáneo como la coreografía vanguardista de Merce Cummingham.


Actualmente, se pueden visitar tres exposiciones donde podremos acercarnos al entendimiento sobre la expresión artista de los bailarines y bailarinas, así como la danza en sí misma. En el MET se exhibe "Pérgamo y los reinos griegos del mundo antiguo" - que muestra una gran variedad de danzarines - y en la que el movimiento está representado de una manera un tanto extraña por la estatua de un hombre identificado como Alejandro el Magno.


Pero, en realidad, Alejandro no está bailando, está cazando. En cualquier caso, la energía, postura y expresión - primordiales virtudes de la danza -, se concentran en esta figura. En el pasado la figura representada en esta estatua era reconocida como Meleandro o Actaeon, un cazador mitológico. Recientemente, sus rasgos faciales, aunque no muy fáciles de reconocer, han ayudado a que los eruditos le asignen la personalidad de Alejandro (la escultura data, probablemente, entre el año 250 al 100 antes de Cristo, es, por lo tanto, posterior a Alejandro en cualquier caso). Quienquiera que sea, el bautizo es convincente. En esta representación plástica, está atrapado en mitad de la acción; se puede sentir lo que estaba haciendo en ese mismo instante, para adivinar y lo que va a ocurrir a continuación.

Archivo EVE

Esta obra artística, es un ejemplo de algo que preocupa insistentemente a los artistas que representan la danza: Es un arte algo diferente a otras expresiones, desde todos los ángulos de percepción visual. La danza existe en tres dimensiones espaciales (así, como también, añadiendo la cuarta dimensión: el tiempo). Cuando los bailarines se mueven, cambian sus formas constantemente ante nuestros ojos; cuando estos movimientos son capturados en una sola imagen, la mirada del artista a menudo es atraída hasta el dibujo esbozado en su multiplicidad y complejidad.

24 Media

Si miramos a Alejandro desde la izquierda, observarás que su brazo izquierdo, descendiendo desde la altura del hombro, está apoyado. Desde el cuello hasta la mano, la tensión del cuerpo se muestra de una forma muy bella. Desde este punto de vista, se ve semi envuelto por su capa, alrededor de sus hombros y el brazo izquierdo, volando hacia atrás. Sin embargo, desde su lado derecho, esa capa es casi invisible - la figura es la de un desnudo - y ahora lo que domina la expresión del movimiento del cuerpo es el brazo derecho levantado.


Mirándolo desde la parte frontal, se hace evidente cómo los dos brazos están implicadas en la misma acción, acompañando con su movimiento la lanza que sujeta. Ahora podrás ver, incluso sin ver su rostro, cómo su cabeza se centra decididamente en un objeto situado más bajo que no se puede ver. Los ángulos de los codos responden unos a otros; los brazos y los hombros describen un zigzag descendente. Son movimientos de danza. Cada línea de aquí tiene un propósito. No hay nada del reposo que caracteriza el ideal griego. Este cazador es perfecto, y perfectamente capturado en el movimiento, pero su perfección está subordinada a la acción y a la intención de la misma.


Muchos de los que visitan la colección permanente de arte antiguo del MET, conocen la "bailarina del panadero" (llamada así porque fue donado por Walter C. Baker), y que proviene de Alejandría, Egipto. Esta exposición, nos ofrece la oportunidad de caminar alrededor de ella. Al igual que otros bailarines de su época (siglos III-II después de C.), está velado de pies a cabeza, y enmascarado. La escultura es una obra maestra en su representación del movimiento complejo a través de la tela.


Pocas representaciones de danza han sido así de multidimensionales, y tan ambigua acerca de la naturaleza de la danza en cuestión. El ángulo de inclinación del torso, la línea de la pierna que avanza (su pie está justo al lado de la planta), el pliegue del codo, todos las formas se suman para rodearla de movimiento. Muestra reposo y también acción, gracia y misterio; lo que muestra y lo que se esconde es belleza a partes iguales.

Ronnie Boehm

La primera imagen que se ve al entrar en el Museo de Arte Moderno de NY, es una exposición de Edgar Degas titulada: "Una extraña nueva belleza". En esta muestra se puede ver un cuadro que es la representación de una bailarina "en punto", al lado de su instructor. La obra se titula "Le Matre de Ballet" (realizada alrededor de 1876). A pesar de que el título no lo identifica, muchos espectadores de la obra de Degas, reconocerán el maestro Jules Perrot - el bailarín más grande de Europa en la década de 1830, con su coreografía dominante en las décadas de 1840 y 1850, siendo el profesor de ballet más importante en la década de 1870.


Degas parecía estar obsesionado con Perrot durante un tiempo muy prolongado. Este maestro de ballet, agarrando el bastón de altura, incluso cuando se sienta, encarna la absoluta autoridad: La mujer joven deberá interpretar lo que aparentemente es imposible, pero él sabe que puede hacerlo.


Aunque Degas es a menudo, y con razón, considerado un realista evocador, algunos expertos dicen que su arte representa el ballet con un toque de caricatura. Podemos poner un ejemplo - la única representación de un salto de ballet que se conoce de Degas - es en el cuadro titulado "Pas Battu" (realizado alrededor de 1879), que tiene un toque de deliberado absurdo. Los hombros de los bailarines parecen encorvados en el salto; el ángulo de sus piernas en el aire parecen un tanto ridículos; la gracia en el esfuerzo de los brazos ("en Couronne") parece cómico. Degas es preciso en su maldad; siente que está satirizando un salto de la danza que realmente no se representa así.


Los temas de Degas son a menudo el trabajo, el estrés y el agotamiento. En torno a esta exposición, sus bailarines, tan a menudo en reposo o comenzando su preparación, sustituyen a las muchas otras mujeres que representó trabajando: cantantes, lavanderas, prostitutas. Su tono artístico parece variar constantemente: Puede ser compasivo, desapasionado, tierno y, en ocasiones también, sin piedad.


Una de las más maravillosas imágenes representando la danza, es el "Friso de los bailarines" (traducción libre del francés "Danseuses attachant Leurs Sandales"), una pintura al óleo de alrededor de 1895 que se expone en el Museo de Arte de Cleveland. Cuatro bailarines sentados se están atando cada una de las cintas de su calzado ("sandalias"); siendo probablemente la misma bailarina reproducida desde cuatro ángulos diferentes. Las piernas separadas, las rodillas dobladas inclinándose sobre el torso, la cara oculta pero denotando el esfuerzo del trabajo, transformándose en una imagen de gracia, belleza y el encanto de todo aquello que rodea el baile.


Podríamos continuar en un viaje casi sin límites por el mundo del arte en su representación de la danza. Son muchos los artistas que nos han regalado imágenes que parten de su fascinación por el ritmo de la música, en su movimiento de la figura humana. Y no todo es baile, pero si movimiento acompasado, sensual y bello como es el ejemplo de Alejandro. Nosotros sentimos profundamente esa admiración de la estética en movimiento, y por eso queríamos compartirla hoy con vosotros.









Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

A cultura é o único antídoto que existe contra a ausência de amor

Vamos compartilhar.







* Algunos archivos multimedia no se muestran en este correo electrónico pero se pueden ver en el sitio web.





--br via tradutor do google

Como pode representar o movimento a partir de um número ainda? Isto é uma contradição que tem assombrado muitos artistas por milênios. "O movimento na imobilidade, imobilidade no movimento," este tem sido o lema das diferentes expressões artísticas de dança, desde as antigas tradições do sudeste da Ásia para a coreografia mais contemporânea e nervoso Merce Cummingham.


Marieaunet

Atualmente, você pode visitar três exposições onde podemos abordar a compreensão da expressão do artista dos dançarinos e da própria dança. mostrando uma variedade de dançarinos - - e em que o movimento é representado de maneira um tanto estranha pela estátua de um homem identificado como Alexandre, o Grande, em MET "Pergamum e os reinos gregos do mundo antigo" é exibido.


Ian Claridge

Mas, na verdade, Alexander não é dança, é a caça. Em qualquer caso, a energia, pose e expressão - virtudes primárias dançar - estão concentrados nesta figura. No passado, a figura representada neste estátua foi reconhecido como Meleandro ou Actaeon, um caçador mitológica. Recentemente, o seu, embora não muito fácil de reconhecer características faciais têm ajudado os estudiosos atribuído à personalidade de Alexander (a escultura, provavelmente, remonta ao ano de 250 a 100 aC, é, portanto, depois de Alejandro de qualquer maneira). Quem quer que seja, o batismo é convincente. Esta representação visual, é pego no meio da acção; você pode sentir o que eu estava fazendo naquele momento, e adivinhar o que vai acontecer a seguir.


arquivo de EVE

Este trabalho artístico é um exemplo de algo que preocupa insistentemente artistas que representam a dança: É um pouco diferente de outras expressões, de todos os ângulos arte percepção visual. A dança existe em três dimensões espaciais (bem, bem, adicionando a quarta dimensão: o tempo). Quando os bailarinos se movem, eles mudam suas formas constantemente diante de nossos olhos; quando esses movimentos são capturados em uma única imagem, o olhar do artista é muitas vezes atraídos para o desenho esboçado em sua multiplicidade e complexidade.


24 mídia

Se olharmos para Alexander a partir da esquerda, você vai notar que seu braço esquerdo, para baixo de altura do ombro, é suportado. Desde o pescoço até a mão, a tensão do corpo é mostrada de uma forma muito bonita. Deste ponto de vista, é semi colocou seu casaco em volta dos ombros e braço esquerdo, voando para trás. No entanto, uma vez que o seu lado direito, a camada é quase invisível - a figura é a de um nu - e agora domina a expressão do movimento do corpo é o braço direito levantado.


Daqui de cima do Norte

Você olha de frente, torna-se claro como os dois braços estão envolvidos na mesma ação, acompanhando o seu movimento segurando a lança. Agora você pode ver, mesmo sem ver seu rosto, como sua cabeça está focada em um objeto decididamente menor do que não pode ser visualizado. Os ângulos de cotovelos responder a uma outra; braços e ombros descrever um ziguezague para baixo. São movimentos de dança. Cada linha tem um propósito aqui. Não há nada do resto que caracteriza o ideal grego. Este caçador é perfeito, e perfeitamente capturado no movimento, mas sua perfeição é subordinada à acção ea intenção dele.


Ben Sadler

Muitos que visitar a colecção permanente de arte antiga do TEM, conhecer o "dançarino Baker" (assim chamado porque foi doado por Walter C. Baker), e vem de Alexandria, Egito. Esta exposição oferece-nos a oportunidade de caminhar ao redor. Como outros dançarinos do seu tempo (III-II depois de séculos BC), é velado da cabeça aos pés, e mascarado. A escultura é uma obra-prima em sua representação do movimento complexo através do tecido.


selvagem algo

Poucas apresentações de dança foram tão multidimensional, e assim ambígua sobre a natureza da dança em questão. O ângulo do tronco, linha de perna avança (o pé fica mesmo ao lado da planta), a dobra do cotovelo, todas as formas são adicionadas para cercar movimento. resto da amostra e ação, graça e mistério; o que mostra e esconde o que é beleza em partes iguais.


Ronnie Boehm

A primeira imagem que você vê quando você entra no Museum of Modern Art, Nova Iorque, é uma exposição de Edgar Degas intitulado "Uma estranha nova beleza". Neste exemplo você pode ver uma imagem que é a representação de um dançarino "no ponto" ao lado de seu instrutor. O trabalho é intitulado "Le Matre de Ballet" (feita em torno de 1876). Embora o título não identifica, muitos espectadores da obra de Degas, reconhecer o mestre Jules Perrot - o maior dançarino na Europa na década de 1830, com a sua coreografia dominante na década de 1840 e 1850, com o mais professora de ballet importante na década de 1870.


Behance

Degas parecia estar obcecado com Perrot por um tempo muito longo. Este mestre de balé, segurando sua bengala alta, mesmo quando você sente encarna a autoridade absoluta: Mulher nova que deve interpretar o que é aparentemente impossível, mas ele sabe que pode fazê-lo.


Cuded

Embora Degas é, muitas vezes, e com razão, considerado um sugestivo realista, alguns especialistas dizem que a sua arte representa o ballet com um toque de caricatura. Podemos dar um exemplo - a única representação de um salto ballet Degas é conhecido - está no quadro intitulado "Pas Battu" (feita por volta de 1879), que tem um toque de absurdo deliberada. Os ombros dos dançarinos parecem empenhados em salto; o ângulo de suas pernas no ar parecer um tanto ridículo; graça no esforço dos braços ( "Couronne") parece cômico. Degas é necessária a sua maldade; Ele sente que está satirizando uma dança hop realmente não está bem representada.


melhores prêmios

questões Degas são muitas vezes o trabalho, estresse e exaustão. Em torno desta exposição, seus dançarinos, tantas vezes em repouso ou iniciar a sua preparação, substituir as muitas outras mulheres que representavam trabalho: cantores, lavadeiras, prostitutas. Seu tom artístico parece variam constantemente: Pode ser compassivo, sem paixão, concurso e às vezes também sem piedade.


dança de energia

Uma das imagens mais maravilhosas que retratam a dança é a "Frieze of Dancers" (tradução livre do francês "Danseuses attachant Leurs Sandales"), uma pintura a óleo por volta de 1895 que está exposta no Museu de Arte de Cleveland. Quatro dançarinos sessão amarrar cada uma das fitas de seus sapatos ( "sandálias"); sendo provavelmente a mesma dançarino jogado a partir de quatro ângulos diferentes. Pernas afastadas, os joelhos dobrados, inclinando-se sobre o tronco, rosto escondido, mas que denota o esforço de trabalho, transformando-se em uma imagem da graça, beleza e encanto de tudo em torno da dança.


soco estúdio

Nós poderíamos ir em uma viagem quase sem limites pelo mundo da arte em sua representação da dança. Muitos artistas que nos deram imagens que saem do seu fascínio com o ritmo da música, o movimento da figura humana. E nem tudo está dançando, mas movendo-se ritmicamente, sensual e bonito como é o exemplo de Alexandre. Sentimos profundamente que a admiração da estética em movimento, e por isso, queria compartilhar com vocês hoje.


concevoir