THIS week the doors of the Design Museum in London will glide open to admit visitors after a six-month hiatus. The break was caused by relocation, the third in the museum’s history. Originally housed in a basement underneath the Victoria & Albert museum, affectionately known as the boiler house, it was given a space of its own in 1989: a converted banana warehouse in Shad Thames on the city’s South Bank. Its new home—a grade-II listed building which once housed the Commonwealth Institute—is grander still.
It has tripled in size, from 3,000 square metres to around 10,000, allowing for a permanent collection, a library, studios for its resident designers and two temporary exhibition spaces. This sprightly upward mobility reflects both the growth of the museum’s ambitions in the three decades since its creation by Sir Terence Conran, but also a greater demand and respect for good design by the wider public. Despite this rags-to-riches arc, the new museum is careful neither to appear too smug, nor gloss over more controversial topics, including Brexit, refugee housing and the ugly consequences of rampant consumer consumption.
The most striking feature of the original building, first designed in 1962 by RMJM architects, is the roof, a billowing, parabolic curve. It is central to the £83m redesign too. In a radical engineering intervention by OMA, Allies & Morrison and Arup, the roof was supported on stilts while the structure beneath it was levelled and then faithfully recreated. The interior—a somewhat Escherian symphony of blonde oak walls, open stairways and white marble recycled from the original building—was designed by John Pawson, the high priest of high-end minimalism. It slots inside the structure as neatly as an iPhone inside its packaging, with an open central atrium that allows visitors to admire the roof’s exposed underbelly from a series of intriguing angles as they move through the museum. The original building was short on natural light, and the new space has worked within these constraints. Daylight is husbanded in a few zones—the members’ room, restaurant and ground floor shop—elsewhere the space is bathed in a warm glow from lights recessed into everything from walls to banisters.
The permanent collection display, designed by Morag Myerscough, adds a lighter and more accessible touch. The “crowdsourced wall”, for example, contains collections of objects nominated by visitors (it currently boasts a pair of Levi’s, a scarlet Olivetti typewriter and some yellow washing-up gloves). Nearby, a colourful sign (pictured) that revolves to reveal the words “designer”, “maker” and “user” in turn, was surely created with Instagram in mind. Its look, in other words, manages to marry the hard-edged, challenging aesthetic favoured by the design cognoscenti, with the more user-friendly feel necessary if the museum is to attract visitors already spoilt for choice. Their goal for the first year is a relatively modest 500,000.
This is not to say what is on view lacks bite. One provocation, in a building that once celebrated the commonwealth, are various references (some subtle, others less so) to the politics of the Brexit vote. Take OMA’s display at the “Fear & Love: Reactions to a Complex World” exhibition. At first glance, the Dutch firm’s offering resembles a slightly garish room-set complete with bold floral wallpaper, striped blind and mid-century furniture. But each object comes from one of the 28 EU member states, while the blind is the firm’s EU barcode flag: the British slat lies discarded on the floor. Downstairs, in the annual “Beazley Designs of the Year display”, is “Better Shelter”, a tiny flat-pack home designed in partnership with Ikea to provide housing for those displaced by crises. Unlike tents, such as those recently removed from Calais, these are lockable, providing a measure of privacy and safety, and when they are no longer in use they can be collapsed and shipped elsewhere.
Other intractable problems find solutions through designed objects here too. A robotic surgeon may help those who, as the cost of healthcare in America has risen, have turned to YouTube videos to attempt self-administered surgery. The environmental cost of consumerism is a popular theme. Adidas teamed up with Pelay to create trainers with recycled ocean plastic; Ma Ke, a Chinese fashion designer, is displaying her project “Wuyong” (“Useless”), clothing intended to be the opposite of fast fashion. More pointed still is Christien Meindertsma’s “Fibre Market”, with woollen fibres from 1,000 discarded sweaters sorted into colour-coded piles. On the walls behind the real makeup of the clothes— 40% acrylic—is contrasted with the information from their labels—100% merino.
Still, the earnestness doesn’t overpower. Elsewhere there is robotic arm in a Perspex box that is programmed to playfully interact, puppy-like, with passing visitors, turning to someone else if they fail to sufficiently entertain it. And glass cups, contorted to maximise the surface tension of the liquid contained within them, allow astronauts to drink coffee in space. Although it contains an eclectic brew, the new Design Museum avoids the pitfalls of many of others of its kind—stultifying collections of chairs in chronological order—and provides instead a thoughtful and timely addition to London’s cultural map.
fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti
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O Museu do Design reabre em um local ambiciosamente renovado.
Nesta semana, as portas do Design Museum em Londres serão abertas para admitir visitantes após um hiato de seis meses. A quebra foi causada pela deslocalização, a terceira na história do museu. Originalmente alojado em um porão sob o Victoria & Albert Museum, afectuosamente conhecido como a casa de caldeira, foi dado um espaço próprio em 1989: um armazém de banana convertido em Shad Thames no South Bank da cidade. Sua nova casa - um edifício classificado em grau II que já abrigou o Instituto da Commonwealth - é ainda maior.
Triplicou em tamanho, de 3.000 metros quadrados para cerca de 10.000, permitindo uma coleção permanente, uma biblioteca, estúdios para seus designers residentes e dois espaços de exposição temporária. Esta viva mobilidade ascendente reflete o crescimento das ambições do museu nas três décadas desde a sua criação por Sir Terence Conran, mas também uma maior procura e respeito pelo bom design pelo público em geral. Apesar deste arco de trapos-à-riquezas, o novo museu tem o cuidado de não parecer demasiado presunçoso, nem lustrar tópicos mais controversos, incluindo Brexit, habitação de refugiados e as conseqüências feias do consumo desenfreado de consumo.
A característica mais marcante do edifício original, projetado pela primeira vez em 1962 por arquitetos RMJM, é o telhado, uma curva ventosa, parabólica. Ele é central para o £ 83m redesign também. Em uma intervenção radical da engenharia por OMA, por Allies & Morrison e por Arup, o telhado foi suportado em stilts quando a estrutura abaixo dela nivelada e recreada fielmente então. O interior - uma sinfonia um tanto escheriana de muros de carvalho, escadas abertas e mármore branco reciclado do edifício original - foi desenhado por John Pawson, o sumo sacerdote do minimalismo high-end. Ele se encaixa dentro da estrutura tão bem como um iPhone dentro de sua embalagem, com um átrio central aberto que permite aos visitantes admirar o telhado exposto underbelly de uma série de ângulos intrigantes como eles se movem através do museu. O edifício original era curto na luz natural, eo espaço novo trabalhou dentro destas limitações. A luz do dia é cultivada em algumas zonas - o quarto dos membros, o restaurante e a loja do andar térreo - em outro lugar o espaço é banhado por um brilho quente de luzes embutidas em tudo, desde paredes até corrimão.
A exposição permanente da coleção, projetada por Morag Myerscough, adiciona um toque mais claro e mais acessível. O "crowdsourced wall", por exemplo, contém coleções de objetos nomeados pelos visitantes (atualmente possui um par de Levi's, uma máquina de escrever Olivetti escarlate e algumas luvas amarelas para lavar roupa). Perto, um sinal colorido (retratado) que gira para revelar as palavras "designer", "criador" e "usuário" por sua vez, foi certamente criado com Instagram em mente. Seu olhar, em outras palavras, consegue se casar com a estética difícil, desafiadora favorecido pelo design cognoscenti, com a sensação mais user-friendly necessário se o museu é para atrair visitantes já estragado para a escolha. Seu objetivo para o primeiro ano é um relativamente modesto 500.000.
Isto não quer dizer o que está à vista falta mordida. Uma provocação, num edifício que uma vez celebrou a comunidade, são várias referências (algumas sutis, outras menos) à política do voto Brexit. Leve a exibição da OMA na exposição "Medo e Amor: Reações a um Mundo Complexo". À primeira vista, a oferta da empresa holandesa assemelha-se a um quarto ligeiramente espalhafatoso, com papel de parede floral arrojado, móveis cegos e móveis de meados do século. Mas cada objeto vem de um dos 28 Estados-Membros da UE, enquanto o cego é a bandeira da UE de código de barras da UE: a lama britânica está descartada no chão. No andar de baixo, no "Beazley Designs of the Year display" anual, é "Better Shelter", uma pequena casa de flat-pack projetada em parceria com a Ikea para fornecer moradia para aqueles deslocados por crises. Ao contrário das tendas, tais como as recentemente removidas de Calais, estas são bloqueáveis, proporcionando uma medida de privacidade e segurança, e quando eles não estão mais em uso, eles podem ser recolhidos e enviados para outro lugar.
Outros problemas intratáveis encontrar soluções através de objetos projetados aqui também. Um cirurgião robótico pode ajudar aqueles que, à medida que o custo dos cuidados de saúde na América aumentou, recorrem aos vídeos do YouTube para tentarem uma cirurgia auto-administrada. O custo ambiental do consumismo é um tema popular. Adidas juntou-se com Pelay para criar instrutores com plástico oceânico reciclado; Ma Ke, uma designer de moda chinesa, está exibindo seu projeto "Wuyong" ("inútil"), vestuário destinado a ser o oposto da moda rápida. Ainda mais apontado é o "Fiber Market" de Christien Meindertsma, com fibras de lã de 1.000 camisolas descartadas, classificadas em pilhas codificadas por cores. Nas paredes por trás da composição real da roupa - 40% acrílico - é contrastada com a informação de suas etiquetas - 100% merino.
Ainda assim, a seriedade não domina. Em outros lugares há braço robótico em uma caixa Perspex que está programado para interagir de forma brincalhona, como um filhote de cachorro, com passar visitantes, virando para outra pessoa se eles não conseguirem entreter o suficiente. E copos de vidro, contorcidos para maximizar a tensão superficial do líquido contido dentro deles, permitem que os astronautas bebam café no espaço. Apesar de conter uma bebida eclética, o novo Museu do Design evita as armadilhas de muitas outras de suas coleções de cadeiras em ordem cronológica - e fornece em vez disso uma adição ponderada e oportuna ao mapa cultural de Londres.
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