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quarta-feira, 7 de dezembro de 2016

Oklahoma City Museum of Art announces 2017 exhibit season, ranging from Kehinde Wiley exhibit to Japanese woodblock prints. --- O museu de arte de Oklahoma City anuncia a estação 2017 da exposição, variando da exposição de Kehinde Wiley às cópias japonesas do woodblock.

The Oklahoma City Museum of Art has announced its 2017 special exhibition season - with art ranging from the paintings and sculptures of an internationally celebrated contemporary artist - Kehinde Wiley - to Japanese woodblock prints, new acquisitions in photography and a celebration of the 75th anniversary of OKCMOA's Works Progress Administration (WPA) collection. The Kehinde Wiley exhibition is the final stop of its national tour.

 Kehinde Wiley's (American, b. 1977). 
2008 painting "Ibrahim Sacko" will be featured in the special exhibition "Kehinde Wiley: A New Republic." The Oklahoma City Museum of Art will be the final stop of the exhibit in 2017. 

"Next year will continue the momentum we gathered in 2016 with the special exhibition 'Matisse in His Time: Masterworks of Modernism from the Centre Pompidou, Paris,'" said President and CEO E. Michael Whittington in a news release. "Our members and visitors can look forward to a dynamic and exciting season of contemporary and traditional art. We will start the year with our newly installed second floor, including a celebration of the 75th anniversary of our WPA collection and will continue with photography, Japanese woodblock prints and a blockbuster exhibition featuring the big, brilliant works of Kehinde Wiley. Our 2017 exhibitions feature something for everyone."

Dec. 16, 2016 - July 2, 2017

"The Complete WPA Collection: 75th Anniversary"

In 1935, in an effort to curb the mass unemployment of the Great Depression, President Franklin D. Roosevelt created the WPA, one of a number of domestic programs known collectively as the New Deal. While much of the WPA was focused on improving the nation's infrastructure, it also provided substantial resources for the arts and artists through the Federal Art Project (FAP), which employed 3,500 artists by 1936, and was instrumental in launching the careers of many major American painters.

The Museum's WPA collection features a large proportion of rural American landscapes and depictions of labor, infrastructure and industrial development. All works are figurative, as was favored by the WPA, and there are significant representations of female and foreign-born (predominately Russian) artists in the Museum's holdings. The WPA collection also contains two artists with local ties, Muscogee (Creek)/Pawnee painter and muralist Acee Blue Eagle and printmaker Elmer Capshaw.

Feb. 18 - May 14, 2017

"After the Floating World: The Enduring Art of Japanese Woodblock Prints"

Images carved onto wooden blocks used to create colorful prints on paper are among the most famous Japanese art forms. These prints, popular in Japan from the 17th through the 19th centuries, are known as "Ukiyo-e," which translates as "pictures from the floating world." "Ukiyo-e" artists produced prints in a variety of subject matter including actors in the Kabuki theater, female portraiture, folktales and mythology and landscapes.

Organized from the collections of the Oklahoma City Museum of Art, this exhibition focuses on two artists: Torii Kiyotada VII (1875-1941) and Hiroshi Yoshida (1876-1950). These printmakers were at the forefront of the early 20th century evolution of the "Ukiyo-e" tradition into a style known as "Shin Hanga" that incorporated stylistic elements from the West. Kiyotada VII was born into a family with a long tradition of producing theatrical images, and his prints of Kabuki actors illustrate the rich tradition of Japanese theater. Yoshida (1876-1950) was a popular artist both in Japan and in the United States whose extensive world travels resulted in evocative prints of familiar landmarks such as Mt. Fuji, the Taj Mahal, the Acropolis and Niagara Falls.

"The Unsettled Lens"

Since the 19th century, photographers have crafted images that hinge on the idea of the uncanny, a psychological phenomenon existing, according to Sigmund Freud, at the intersection between the homely ("Heimlich") and the estrangement within the home ("Unheimlich") - the reassuring and the threatening.

"The Unsettled Lens" showcases new acquisitions in photography and photographs from the museum's permanent collection. Each of the photographs in the exhibition build tension with the viewer based on a sense of the uncanny. By converting the familiar into unrecognizable abstract impressions of reality, by intruding on moments of intimacy, by weaving enigmatic narratives and by challenging notions of time and memory, these photographs take viewers to unfamiliar and often unsettling places within the bounds of their own minds. 

June 17 - Sept 10, 2017

"Kehinde Wiley: A New Republic"

"Kehinde Wiley: A New Republic" presents an overview of the artist's career, including about 50 of his oil paintings, stained glass and sculpture. The exhibition highlights the range of Wiley's production, starting with examples of early paintings executed around the time of his 2001 residency at the Studio Museum in Harlem. These figurative canvases of African-American men, inspired by Wiley's observation of street life in Harlem, mark the beginning of his focused exploration of the male figure.

In subsequent bodies of work, the artist took figuration a step further to examine the European tradition of portraiture. Appropriating the format of specific paintings by renowned masters such as Titian, Van Dyke, Ingres and Manet, Wiley began the practice of replacing historical subjects with contemporary young African-American men sporting fashionable urban gear: puffy down jackets, sneakers, hoodies, jerseys and baseball caps. Juxtaposed with ornate decorative backgrounds, the stylized likeness and grounds became part of Wiley's signature style.

In a 2015 feature, The New York Times called Wiley "one of the most celebrated painters of his generation ... known for vibrant, photo-based portraits of young black men [who] gaze out at us coolly, their images mashed up with rococo-style frills and empowering poses culled from art history."

The exhibition also will include a selection from his ongoing "World Stage" project, which he initiated in 2006 by establishing a satellite studio in Beijing. In addition, the exhibition will include portrait busts and stained glass "paintings," as well as female portraiture from Wiley's recent series "An Economy of Grace."

"Kehinde Wiley: A New Republic" is organized by the Brooklyn Museum. Oklahoma City will be the final stop for "A New Republic."

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

--br via tradutor do google
O museu de arte de Oklahoma City anuncia a estação 2017 da exposição, variando da exposição de Kehinde Wiley às cópias japonesas do woodblock. 

Kehinde Wiley (American, 1977). 2008 pintura "Ibrahim Sacko" será apresentado na exposição especial "Kehinde Wiley: Uma Nova República." O Museu de Arte de Oklahoma City será o ponto final da exposição em 2017. Imagem fornecida.

O museu de arte de Oklahoma City anunciou sua estação 2017 especial da exposição - com a arte que vai das pinturas e das esculturas de um artista contemporâneo comemoração internacional - Kehinde Wiley - às cópias japonesas do woodblock, às aquisições novas na fotografia e à celebração do 75th anniversary do OKCMOA Coleção Works Administration (WPA). A exposição Kehinde Wiley é a última parada de sua turnê nacional.

"O ano que vem continuará o impulso que reunimos em 2016 com a exposição especial 'Matisse em seu tempo: obras-primas do modernismo do Centre Pompidou, em Paris'", disse o presidente e CEO, E. Michael Whittington, em um comunicado à imprensa. "Nossos membros e visitantes podem esperar uma temporada dinâmica e emocionante de arte contemporânea e tradicional.Nós começaremos o ano com o nosso recém-instalado segundo andar, incluindo uma celebração do 75 º aniversário da nossa coleção WPA e continuará com a fotografia, japonês Woodblock imprime e uma exposição do blockbuster que caracteriza as obras grandes, brilhantes de Kehinde Wiley.Nossas 2017 exposições caracterizam algo para todos. "

16 de dezembro de 2016 - 2 de julho de 2017

"A coleção completa de WPA: 75th aniversário"

Em 1935, em um esforço para conter o desemprego maciço da Grande Depressão, o presidente Franklin D. Roosevelt criou o WPA, um dos vários programas domésticos conhecidos coletivamente como New Deal. Enquanto a maior parte da WPA estava focada em melhorar a infra-estrutura da nação, também forneceu recursos substanciais para as artes e artistas através do Projeto de Arte Federal (FAP), que empregava 3.500 artistas em 1936 e foi fundamental para lançar as carreiras de muitos Pintores.

A coleção WPA do Museu apresenta uma grande proporção de paisagens americanas rurais e representações de trabalho, infra-estrutura e desenvolvimento industrial. Todas as obras são figurativas, como foi favorecido pela WPA, e há representações significativas de mulheres e artistas nascidos no estrangeiro (predominantemente russo) nas explorações do Museu. A coleção WPA também contém dois artistas com laços locais, Muscogee (Creek) / Pawnee pintor e muralista Acee Blue Eagle e gravador Elmer Capshaw.

18 de fevereiro - 14 de maio de 2017

"Após o mundo de flutuação: A arte de resistência de impressões de Woodblock do japonês"

As imagens cinzeladas em blocos de madeira usados ​​para criar cópias coloridas no papel estão entre as formas de arte japonesas as mais famosas. Essas gravuras, conhecidas no Japão do século XVII ao XIX, são conhecidas como "Ukiyo-e", que se traduz como "imagens do mundo flutuante". Artistas "Ukiyo-e" produziram impressões em uma variedade de assuntos, incluindo atores no teatro Kabuki, retrato feminino, contos populares e mitologia e paisagens.

Organizada a partir das coleções do Museu de Arte de Oklahoma City, esta exposição concentra-se em dois artistas: Torii Kiyotada VII (1875-1941) e Hiroshi Yoshida (1876-1950). Estes gravadores estavam na vanguarda da evolução do início do século 20 da tradição "Ukiyo-e" em um estilo conhecido como "Shin Hanga" que incorporou elementos estilísticos do Ocidente. Kiyotada VII nasceu em uma família com uma longa tradição de produzir imagens teatrais, e suas impressões de atores de Kabuki ilustram a rica tradição do teatro japonês. Yoshida (1876-1950) era um artista popular no Japão e nos Estados Unidos cujas extensas viagens mundiais resultaram em impressões sugestivas de marcos familiares como o Monte. Fuji, o Taj Mahal, a Acrópole e Niagara Falls.

"A Lente Desconectada"

Desde o século XIX, os fotógrafos criaram imagens que dependem da idéia do estranho, um fenômeno psicológico existente, de acordo com Sigmund Freud, na intersecção entre o homossexual ("Heimlich") eo estranhamento dentro da casa ("Unheimlich"), - o reconfortante e o ameaçador.

"The Unsettled Lens" apresenta novas aquisições em fotografia e fotografias da coleção permanente do museu. Cada uma das fotografias na exposição construir tensão com o espectador com base em um sentido do uncanny. Ao converter o familiar em impressões abstratas irreconhecíveis da realidade, ao invadir momentos de intimidade, tecendo narrativas enigmáticas e desafiando noções de tempo e memória, essas fotografias levam os espectadores a lugares desconhecidos e muitas vezes inquietantes dentro dos limites de suas próprias mentes.

17 de junho - 10 de setembro de 2017

"Kehinde Wiley: Uma Nova República"

"Kehinde Wiley: Uma Nova República" apresenta uma visão geral da carreira do artista, incluindo cerca de 50 de suas pinturas a óleo, vitrais e escultura. A exposição destaca a gama de produção de Wiley, começando com exemplos de pinturas antigas executadas em torno do tempo de sua residência de 2001 no Studio Museum em Harlem. Essas telas figurativas de homens afro-americanos, inspiradas pela observação de Wiley da vida de rua em Harlem, marcam o início de sua exploração focalizada da figura masculina.

Em trabalhos posteriores, o artista levou a figuração um passo adiante para examinar a tradição européia do retrato. Wiley começou a praticar a substituição de temas históricos por jovens contemporâneos afro-americanos com roupas urbanas de moda: casacos, tênis, hoodies, blusas e Bonés de beisebol Juxtaposta com fundos decorativos ornamentados, a semelhança estilizada e motivos tornou-se parte do estilo de assinatura de Wiley.

Em um artigo de 2015, The New York Times chamou Wiley de "um dos mais célebres pintores de sua geração ... conhecido por retratos vibrantes, foto-baseados de jovens negros [que] olham para nós com frieza, suas imagens trituradas com Rococo estilo folhos e empoderamento poses eliminadas da história da arte. "

A exposição também incluirá uma seleção de seu projeto "World Stage", que ele iniciou em 2006 por meio do estabelecimento de um estúdio de satélite em Pequim. Além disso, a exposição incluirá bustos de retratos e "pinturas" de vitrais, assim como retratos femininos da recente série de Wiley "Uma economia de graça".

"Kehinde Wiley: A New Republic" é organizado pelo Brooklyn Museum. Oklahoma City será a parada final para "A New Republic".

The Design Museum reopens in an ambitiously renovated site. --- O Museu do Design reabre em um local ambiciosamente renovado.

THIS week the doors of the Design Museum in London will glide open to admit visitors after a six-month hiatus. The break was caused by relocation, the third in the museum’s history. Originally housed in a basement underneath the Victoria & Albert museum, affectionately known as the boiler house, it was given a space of its own in 1989: a converted banana warehouse in Shad Thames on the city’s South Bank. Its new home—a grade-II listed building which once housed the Commonwealth Institute—is grander still. 

It has tripled in size, from 3,000 square metres to around 10,000, allowing for a permanent collection, a library, studios for its resident designers and two temporary exhibition spaces. This sprightly upward mobility reflects both the growth of the museum’s ambitions in the three decades since its creation by Sir Terence Conran, but also a greater demand and respect for good design by the wider public. Despite this rags-to-riches arc, the new museum is careful neither to appear too smug, nor gloss over more controversial topics, including Brexit, refugee housing and the ugly consequences of rampant consumer consumption.

The most striking feature of the original building, first designed in 1962 by RMJM architects, is the roof, a billowing, parabolic curve. It is central to the £83m redesign too. In a radical engineering intervention by OMA, Allies & Morrison and Arup, the roof was supported on stilts while the structure beneath it was levelled and then faithfully recreated. The interior—a somewhat Escherian symphony of blonde oak walls, open stairways and white marble recycled from the original building—was designed by John Pawson, the high priest of high-end minimalism. It slots inside the structure as neatly as an iPhone inside its packaging, with an open central atrium that allows visitors to admire the roof’s exposed underbelly from a series of intriguing angles as they move through the museum. The original building was short on natural light, and the new space has worked within these constraints. Daylight is husbanded in a few zones—the members’ room, restaurant and ground floor shop—elsewhere the space is bathed in a warm glow from lights recessed into everything from walls to banisters. 

The permanent collection display, designed by Morag Myerscough, adds a lighter and more accessible touch. The “crowdsourced wall”, for example, contains collections of objects nominated by visitors (it currently boasts a pair of Levi’s, a scarlet Olivetti typewriter and some yellow washing-up gloves). Nearby, a colourful sign (pictured) that revolves to reveal the words “designer”, “maker” and “user” in turn, was surely created with Instagram in mind. Its look, in other words, manages to marry the hard-edged, challenging aesthetic favoured by the design cognoscenti, with the more user-friendly feel necessary if the museum is to attract visitors already spoilt for choice. Their goal for the first year is a relatively modest 500,000.

This is not to say what is on view lacks bite. One provocation, in a building that once celebrated the commonwealth, are various references (some subtle, others less so) to the politics of the Brexit vote. Take OMA’s display at the “Fear & Love: Reactions to a Complex World” exhibition. At first glance, the Dutch firm’s offering resembles a slightly garish room-set complete with bold floral wallpaper, striped blind and mid-century furniture. But each object comes from one of the 28 EU member states, while the blind is the firm’s EU barcode flag: the British slat lies discarded on the floor. Downstairs, in the annual “Beazley Designs of the Year display”, is “Better Shelter”, a tiny flat-pack home designed in partnership with Ikea to provide housing for those displaced by crises. Unlike tents, such as those recently removed from Calais, these are lockable, providing a measure of privacy and safety, and when they are no longer in use they can be collapsed and shipped elsewhere.

Other intractable problems find solutions through designed objects here too. A robotic surgeon may help those who, as the cost of healthcare in America has risen, have turned to YouTube videos to attempt self-administered surgery. The environmental cost of consumerism is a popular theme. Adidas teamed up with Pelay to create trainers with recycled ocean plastic; Ma Ke, a Chinese fashion designer, is displaying her project “Wuyong” (“Useless”), clothing intended to be the opposite of fast fashion. More pointed still is Christien Meindertsma’s “Fibre Market”, with woollen fibres from 1,000 discarded sweaters sorted into colour-coded piles. On the walls behind the real makeup of the clothes— 40% acrylic—is contrasted with the information from their labels—100% merino. 

Still, the earnestness doesn’t overpower. Elsewhere there is robotic arm in a Perspex box that is programmed to playfully interact, puppy-like, with passing visitors, turning to someone else if they fail to sufficiently entertain it. And glass cups, contorted to maximise the surface tension of the liquid contained within them, allow astronauts to drink coffee in space. Although it contains an eclectic brew, the new Design Museum avoids the pitfalls of many of others of its kind—stultifying collections of chairs in chronological order—and provides instead a thoughtful and timely addition to London’s cultural map.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

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O Museu do Design reabre em um local ambiciosamente renovado.

Nesta semana, as portas do Design Museum em Londres serão abertas para admitir visitantes após um hiato de seis meses. A quebra foi causada pela deslocalização, a terceira na história do museu. Originalmente alojado em um porão sob o Victoria & Albert Museum, afectuosamente conhecido como a casa de caldeira, foi dado um espaço próprio em 1989: um armazém de banana convertido em Shad Thames no South Bank da cidade. Sua nova casa - um edifício classificado em grau II que já abrigou o Instituto da Commonwealth - é ainda maior.

Triplicou em tamanho, de 3.000 metros quadrados para cerca de 10.000, permitindo uma coleção permanente, uma biblioteca, estúdios para seus designers residentes e dois espaços de exposição temporária. Esta viva mobilidade ascendente reflete o crescimento das ambições do museu nas três décadas desde a sua criação por Sir Terence Conran, mas também uma maior procura e respeito pelo bom design pelo público em geral. Apesar deste arco de trapos-à-riquezas, o novo museu tem o cuidado de não parecer demasiado presunçoso, nem lustrar tópicos mais controversos, incluindo Brexit, habitação de refugiados e as conseqüências feias do consumo desenfreado de consumo.

A característica mais marcante do edifício original, projetado pela primeira vez em 1962 por arquitetos RMJM, é o telhado, uma curva ventosa, parabólica. Ele é central para o £ 83m redesign também. Em uma intervenção radical da engenharia por OMA, por Allies & Morrison e por Arup, o telhado foi suportado em stilts quando a estrutura abaixo dela nivelada e recreada fielmente então. O interior - uma sinfonia um tanto escheriana de muros de carvalho, escadas abertas e mármore branco reciclado do edifício original - foi desenhado por John Pawson, o sumo sacerdote do minimalismo high-end. Ele se encaixa dentro da estrutura tão bem como um iPhone dentro de sua embalagem, com um átrio central aberto que permite aos visitantes admirar o telhado exposto underbelly de uma série de ângulos intrigantes como eles se movem através do museu. O edifício original era curto na luz natural, eo espaço novo trabalhou dentro destas limitações. A luz do dia é cultivada em algumas zonas - o quarto dos membros, o restaurante e a loja do andar térreo - em outro lugar o espaço é banhado por um brilho quente de luzes embutidas em tudo, desde paredes até corrimão.

A exposição permanente da coleção, projetada por Morag Myerscough, adiciona um toque mais claro e mais acessível. O "crowdsourced wall", por exemplo, contém coleções de objetos nomeados pelos visitantes (atualmente possui um par de Levi's, uma máquina de escrever Olivetti escarlate e algumas luvas amarelas para lavar roupa). Perto, um sinal colorido (retratado) que gira para revelar as palavras "designer", "criador" e "usuário" por sua vez, foi certamente criado com Instagram em mente. Seu olhar, em outras palavras, consegue se casar com a estética difícil, desafiadora favorecido pelo design cognoscenti, com a sensação mais user-friendly necessário se o museu é para atrair visitantes já estragado para a escolha. Seu objetivo para o primeiro ano é um relativamente modesto 500.000.

Isto não quer dizer o que está à vista falta mordida. Uma provocação, num edifício que uma vez celebrou a comunidade, são várias referências (algumas sutis, outras menos) à política do voto Brexit. Leve a exibição da OMA na exposição "Medo e Amor: Reações a um Mundo Complexo". À primeira vista, a oferta da empresa holandesa assemelha-se a um quarto ligeiramente espalhafatoso, com papel de parede floral arrojado, móveis cegos e móveis de meados do século. Mas cada objeto vem de um dos 28 Estados-Membros da UE, enquanto o cego é a bandeira da UE de código de barras da UE: a lama britânica está descartada no chão. No andar de baixo, no "Beazley Designs of the Year display" anual, é "Better Shelter", uma pequena casa de flat-pack projetada em parceria com a Ikea para fornecer moradia para aqueles deslocados por crises. Ao contrário das tendas, tais como as recentemente removidas de Calais, estas são bloqueáveis, proporcionando uma medida de privacidade e segurança, e quando eles não estão mais em uso, eles podem ser recolhidos e enviados para outro lugar.

Outros problemas intratáveis ​​encontrar soluções através de objetos projetados aqui também. Um cirurgião robótico pode ajudar aqueles que, à medida que o custo dos cuidados de saúde na América aumentou, recorrem aos vídeos do YouTube para tentarem uma cirurgia auto-administrada. O custo ambiental do consumismo é um tema popular. Adidas juntou-se com Pelay para criar instrutores com plástico oceânico reciclado; Ma Ke, uma designer de moda chinesa, está exibindo seu projeto "Wuyong" ("inútil"), vestuário destinado a ser o oposto da moda rápida. Ainda mais apontado é o "Fiber Market" de Christien Meindertsma, com fibras de lã de 1.000 camisolas descartadas, classificadas em pilhas codificadas por cores. Nas paredes por trás da composição real da roupa - 40% acrílico - é contrastada com a informação de suas etiquetas - 100% merino.

Ainda assim, a seriedade não domina. Em outros lugares há braço robótico em uma caixa Perspex que está programado para interagir de forma brincalhona, como um filhote de cachorro, com passar visitantes, virando para outra pessoa se eles não conseguirem entreter o suficiente. E copos de vidro, contorcidos para maximizar a tensão superficial do líquido contido dentro deles, permitem que os astronautas bebam café no espaço. Apesar de conter uma bebida eclética, o novo Museu do Design evita as armadilhas de muitas outras de suas coleções de cadeiras em ordem cronológica - e fornece em vez disso uma adição ponderada e oportuna ao mapa cultural de Londres.

Uruguai terá museu da maconha. --- Uruguay will have a marijuana museum. --- 乌拉圭将大麻博物馆。

O Uruguai, que há três anos regulou o mercado da maconha para uso recreativo, terá um museu da cannabis permanente em Montevidéu a partir de sexta-feira (9), informaram os promotores da iniciativa.

O chamado Museu da Cannabis de Montevidéu começará a funcionar "como forma de continuar a rica história de liberdades que o Uruguai sempre adotou de forma vanguardista", indica um comunicado divulgado à imprensa.

"É uma maneira de conectar pessoas que amam a natureza, a arte e a ciência", disse o diretor do museu, Eduardo Blasina.

O local apresenta "uma viagem a um dos cultivos mais antigos do mundo, que será sem dúvida uma das plantas mais importantes do terceiro milênio pelas suas propriedades medicinais e de reconstituição dos solos", explicou Blasina.

O centro conta com o apoio do seu homólogo de Amsterdã, o Hash Marihuana & Hemp Museum, que contribuiu com materiais que serão exibidos no local, situado próximo ao Río de la Plata na capital uruguaia, afirma a nota.

Em 2013, o Uruguai aprovou uma lei que autoriza o cultivo de maconha para consumo próprio em casa e a formação de clubes de cultivadores para plantar de forma cooperativa, e busca implementar uma inédita venda de maconha legal produzida por empresas privadas sob controle estatal através da rede de farmácias do país.

Este último aspecto da lei é o que tem gerado mais dificuldades para o governo de Tabaré Vázquez, que anunciou neste ano a abertura do registro de consumidores para poder começar a vender maconha ao público, mas não conseguiu organizá-la.

Vázquez disse que, ao contrário do que o governo esperava, essa iniciativa prevista na lei ficará para 2017.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

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--in via tradutor do google

Uruguay will have a marijuana museum.

Uruguay, which has regulated the marijuana market for recreational use three years ago, will have a permanent cannabis museum in Montevideo from Friday (9), prosecutors said.

The so-called Cannabis Museum in Montevideo will begin to function "as a way to continue the rich history of freedoms that Uruguay has always adopted in an avant-garde way," according to a statement released to the press.

"It's a way of connecting people who love nature, art and science," said museum director Eduardo Blasina.

The site features "a trip to one of the oldest crops in the world, which will undoubtedly be one of the most important plants of the third millennium for its medicinal properties and reconstitution of soils," Blasina explained.

The center has the support of its Amsterdam counterpart, the Hash Marihuana & Hemp Museum, which has contributed materials to be displayed at the site, located near the Río de la Plata in the Uruguayan capital, the statement said.

In 2013, Uruguay passed a law authorizing the cultivation of marijuana for self-consumption at home and the formation of growers' clubs to plant cooperatively, and seeks to implement an unprecedented sale of legal marijuana produced by private companies under state control through Network of pharmacies in the country.

This last aspect of the law is what has generated more difficulties for the government of Tabaré Vázquez, who announced this year the opening of the register of consumers to start selling marijuana to the public, but could not organize it.

Vázquez said that, contrary to what the government expected, this initiative provided by law will be for 2017.

--chines simplificado via tradutor do google