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domingo, 4 de junho de 2017

Why the Rise of Workout Classes in Museums Should Worry Art Lovers. --- Por que o surgimento das aulas de exercícios em museus deve se preocupar com os amantes da arte.

A calisthenics circuit around the Metropolitan Museum, interval training at the Berlin Biennale, yoga among the statues in the Beaux-Art Court of the Brooklyn Museum or in the halls of London’s Victoria and Albert Museum: Fitness has, over the past year, crept ever more directly into museums, spaces which for centuries have been temples to stillness. No longer content merely to gaze upon paintings and sculptures of perfected bodies, viewers seem increasingly interested in going to art institutions to imitate them.

“Art of Yoga” at the Brooklyn Museum. Photo by Sasha Juliard. Courtesy of the Brooklyn Museum.

The dance company Monica Bill Barnes & Company and writer-illustrator Maira Kalman collaborated to create the Met’s Museum Workout. Among other things, it was a sign that the New York institution is seeking more audience participation, as it grapples with financial difficulties.


Held over the first three months of 2017, the workout was billed as an interactive tour, in which a dancer and choreographer in sequined dresses led participants through the galleries while jogging, jumping, high-stepping, arm-swinging, and marching with hands on heads like kindergarteners being led to lunch—all to a soundtrack.


Before the tour kicked off each day, participants were told that, ideally, each would “feel as if you’re taking this glorious walk through nature, so there isn’t this obligation to understand anything or to know anything.”


It’s an excellent aim: Too often, museum visitors feel compelled to ferret out the “meaning” of a work or rush to form judgments about it, instead of simply enjoying the work in the present moment, the way one might behold a forest or the horizon. But treating art like nature also implies a sort of passivity toward it; it means the participants are interacting with the tour-cum-workout’s leaders, rather than the works themselves. It treats the artworks as a setting, rather than as pieces to behold and think about.

“Art of Yoga” at the Brooklyn Museum. Photo by Sasha Juliard. Courtesy of the Brooklyn Museum.

Interactivity isn’t an inherent virtue, merely because it’s a buzzword. But museums’ desire to lure larger crowds from wider backgrounds (a good thing) is driving them to embrace strategies honed within the so-called experience economy. This has led them to build interactive works as well as extra-artistic events into their programs. But there is a danger in this embrace of activity within museums that institutions will lose their traditional role as places of quiet contemplation, as a refuge from the economic world and the need to get things done. 

Nik Kosmas’s contribution to the 2016 Berlin Biennale was all about getting work done. The three structures Kosmas placed on the outdoor deck at the Akademie der Künste’s Pariser Platz location would have appeared ordinary in a gym. In the context of the biennial, however, they stood like monuments to practicality. The artworks—a power rack, a squat rack, and a rig, painted atypically in multiple bright colors—reflected an ambivalence about art that was present throughout the exhibition, which was curated by DIS, a collective that could be said to engage in cultural entrepreneurialism as much as art. (Another health-oriented work operated as a juice bar.)


Kosmas renounced his status as a visual artist in 2013 to turn his attention to business and other projects. Yet he continues to produce objects that would likely still be seen as sculptures when presented in an art context. To combat this, Kosmas’s structures for the Biennale were explicitly not presented as “a statement, installation, or performance,” according to the exhibition’s website.


Instead, they served as tools (or in some cases as backdrops) for a series of “Open Workouts” led by people who, like Kosmas himself, have what he calls a “a spirit that doesn’t fit into the ‘mainstream’ of fitness or art.” Kosmas says he prefers to operate in “a grey zone” and worried that, given the art context, his workouts might too easily “turn into a performance, or a parody.”

“Art of Yoga” at the Brooklyn Museum. Photo by Ariana Mygatt. Courtesy of the Brooklyn Museum.

As such, we might assume the project sought to get art-world denizens moving. (They are, after all, not the fittest group of people on average, in my experience.) But the workouts seem equally effective at quelling a specific anxiety: that merely contemplating a painting or sculpture might be a time-wasting, unproductive, inefficient use of the day. Shouldn’t we be doing something instead of just looking, the workouts ask. And, by extension, should all our interactions with art be more businesslike?

It could also be the other way around: that these sweat-inducing artworks get us to move in order to be more contemplative? That would seem to be the point of the Victoria and Albert Museum’s Saturday morning yoga classes, which are followed by a gallery tour called “The Story of Personal Transformation through Art.”


Exercise improves cognition by increasing blood flow to the brain and it boosts concentration and memory by stimulating the release of a protein called brain-derived neurotrophic factor. So, looking at art immediately after a workout will, generally, allow you to reflect on it with greater focus.

That workouts would become artworks seems a natural progression, given that the body has been a subject of art since we first put handprints on cave walls. But, to the extent that art institutions are using exercise as a form of therapy to address our neurotic inability to focus—to help us be mindful, to use the current cliché—should concern us.  

In getting physical we ought not take our eye off the wall.

—Daniel Kunitz









fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti


Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.














--br via tradutor do google
Por que o surgimento das aulas de exercícios em museus deve se preocupar com os amantes da arte.

Um circuito de calistenia em torno do Museu Metropolitano, treinamento de intervalo na Bienal de Berlim, yoga entre as estátuas no Beaux-Art Court do Brooklyn Museum ou nos salões do Museu Victoria e Albert de Londres: o Fitness, durante o ano passado, se arrastou Mais diretamente em museus, espaços que durante séculos foram templos para a quietude. Não se contentam apenas em contemplar pinturas e esculturas de corpos aperfeiçoados, os espectadores parecem cada vez mais interessados ​​em ir às instituições de arte para imitá-las.

A empresa de dança Monica Bill Barnes & Company e a escritora e ilustradora Maira Kalman colaboraram para criar o Met's Museum Workout. Entre outras coisas, foi um sinal de que a instituição de Nova York está buscando mais participação no público, pois lidam com dificuldades financeiras.

Realizada durante os primeiros três meses de 2017, o treino foi marcado como um passeio interativo, no qual dançarina e coreógrafa com vestidos de lantejoulas levou os participantes através das galerias ao trotar, saltar, pisar alto, balançar os braços e marchar com as mãos em frente Cabeças como crianças que estão sendo levadas a almoçar - tudo para uma trilha sonora.

Antes da turnê ter começado todos os dias, os participantes disseram que, idealmente, cada um "sentiria como se estivesse fazendo essa gloriosa caminhada pela natureza, então não existe essa obrigação de entender nada ou de saber nada".

É um excelente objetivo: muitas vezes, os visitantes dos museus se sentem obrigados a descobrir o "significado" de uma obra ou pressa para formar julgamentos sobre isso, em vez de simplesmente aproveitar o trabalho no momento presente, como se pode ver uma floresta ou o horizonte. Mas tratar a arte como a natureza também implica uma espécie de passividade em relação a ela; Isso significa que os participantes estão interagindo com os líderes do tour-cum-workout, e não os próprios trabalhos. Ele trata as obras de arte como um cenário, e não como peças para contemplar e pensar.

A interatividade não é uma virtude inerente, apenas porque é uma palavra-chave. Mas o desejo dos museus de atrair multidões maiores de origens mais amplas (uma coisa boa) é levá-los a abraçar estratégias aprimoradas dentro da chamada economia de experiência. Isso os levou a criar trabalhos interativos, bem como eventos extra-artísticos em seus programas. Mas existe um perigo nesse abraço da atividade dentro dos museus de que as instituições perderão seu papel tradicional como lugares de contemplação silenciosa, como um refúgio do mundo econômico e a necessidade de fazer as coisas.

O contributo de Nik Kosmas para a Bienal de 2016 em Berlim foi sobre o trabalho. As três estruturas que Kosmas colocou no deck ao ar livre na localização de Pariser Platz da Akademie der Künste pareceriam comuns na academia. No contexto da bienal, no entanto, eles ficaram como monumentos em praticidade. As obras de arte - uma cremalheira de energia, uma prateleira e uma plataforma, pintadas atípicamente em múltiplas cores brilhantes - refletiam uma ambivalência sobre a arte que estava presente durante toda a exposição, que foi organizada pela DIS, um coletivo que poderia dizer se envolver em cultura Empreendedorismo tanto quanto art. (Outro trabalho orientado para a saúde funcionava como uma barra de suco).

Kosmas renunciou ao seu status como artista visual em 2013 para voltar sua atenção para negócios e outros projetos. No entanto, ele continua a produzir objetos que provavelmente ainda seriam vistos como esculturas quando apresentados em um contexto artístico. Para combater isso, as estruturas de Kosmas para a Bienal não foram explicitamente apresentadas como "uma declaração, instalação ou performance", de acordo com o site da exposição.

Em vez disso, eles serviram como ferramentas (ou, em alguns casos, como backdrops) para uma série de "Workouts abertos" liderados por pessoas que, como o próprio Kosmas, têm o que ele chama de "um espírito que não se encaixa no" mainstream "de Fitness ou arte. "Kosmas diz que prefere operar em" uma zona cinza "e preocupado que, dado o contexto da arte, seus exercicios possam facilmente se transformar em uma performance ou uma paródia.

Como tal, podemos assumir que o projeto buscava tornar os habitantes do mundo da arte em movimento. (Eles são, afinal, não o grupo mais apto de pessoas em média, na minha experiência.) Mas os exercícios parecem igualmente eficazes para aliviar uma ansiedade específica: a simples contemplação de uma pintura ou escultura pode ser um desperdício de tempo, improdutivo, ineficiente Uso do dia. Não devemos estar fazendo algo em vez de apenas olhar, os exercícios pedem. E, por extensão, todas as nossas interações com a arte sejam mais comerciais?

Também poderia ser o contrário: que essas artesãs induzidas pelo suor nos levem a se mover para sermos mais contemplativos? Isso parece ser o ponto das aulas de yoga da manhã de sábado e de Victoria e Albert, que são seguidas por uma galeria chamada "The Story of Personal Transformation through Art".


O exercício melhora a cognição aumentando o fluxo sanguíneo para o cérebro e aumenta a concentração e a memória estimulando a liberação de uma proteína chamada fator neurotrófico derivado do cérebro. Então, olhar para a arte imediatamente após um treino, em geral, permite que você reflita sobre isso com maior foco.

Que os exercícios se tornem obras de arte parece uma progressão natural, dado que o corpo tem sido um assunto de arte desde que colocamos impressões de mão nas paredes das cavernas. Mas, na medida em que as instituições de arte estão usando o exercício como uma forma de terapia para abordar nossa incapacidade neurótica de foco - para nos ajudar a ser conscientes, usar o clichê atual - deve nos preocupar.

Ao ficar fisicamente, não devemos tirar a vista da parede.

-Daniel Kunitz




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