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segunda-feira, 30 de janeiro de 2017

The Center for the Performing Arts Tour. video 5:10 min --- O Centro de Artes Performáticas. video 5:10 min

Starting with grand opening of the Palladium in January 2011, the Center for the Performing Arts is an inviting gathering place for the community, along with the Center's Studio Theater and the Tarkington. Combined, the three venues are a place for community engagement and for people to celebrate great art together.

Artistic Director, Michael Feinstein, the multi-platinum selling, five-time Grammy-nominated entertainer dubbed "The Ambassador of the Great American Songbook," is considered one of the premier interpreters of American Popular Song. More than a mere performer, he is nationally recognized for his commitment to the American Popular Song, both celebrating its art and preserving its legacy for the next generation. In addition to serving as Artistic Director, Mr. Feinstein performs frequently at the Center for the Performing Arts and assists with programming.

The Center is not only a haven for local theater, dance and music organizations to perform, it also provides three of the finest stages in the world playing host to the globe's most gifted performers. 

Equally important to the talents performing on stage is the Center's architecture. Our success will be measured both by the works on stage and the inspiration found under our magnificent classical Palladio dome. There isn't any other complex built in North America where so much attention has been paid to acoustics. The Palladium will last 500 years or more, creating a legacy that will be passed along to our children and grandchildren for generations to come. 

The mission of the Center for the Performing Arts is to welcome, engage, inspire, and transform through compelling performing arts experiences in a world class environment. 

Credit: Artistic Director, Michael Feinstein - Begin The Beguine

Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,

mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 

but what modifies the way of looking and hearing.

--br via tradutor do google
O Centro de Artes Performáticas

Começando com a inauguração do Palladium em janeiro de 2011, o Center for the Performing Arts é um convidativo local de encontro para a comunidade, juntamente com o Center The Studio Theatre eo Tarkington. Combinados, os três locais são um lugar para o envolvimento da comunidade e para que as pessoas celebrem a grande arte juntos.

O diretor artístico, Michael Feinstein, multi-platinum selling, cinco vezes nomeado para o Grammy entertainer dublado "O embaixador do Great Songbook americano", é considerado um dos principais intérpretes da American Popular Song. Mais do que um mero intérprete, é reconhecido nacionalmente por seu compromisso com a Canção Popular Americana, celebrando sua arte e preservando seu legado para a próxima geração. Além de atuar como Diretor Artístico, Feinstein atua freqüentemente no Centro de Artes Performáticas e auxilia na programação.

O Centro não é apenas um refúgio para o teatro local, dança e organizações de música para executar, também fornece três dos melhores estágios do mundo a acolher os artistas mais talentosos do mundo.

Igualmente importante para os talentos que executam no palco é a arquitetura do Centro. Nosso sucesso será medido tanto pelas obras no palco quanto pela inspiração encontrada em nossa magnífica cúpula clássica de Palladio. Não há qualquer outro complexo construído na América do Norte, onde muita atenção foi dada à acústica. O Palladium durará 500 anos ou mais, criando um legado que será transmitido aos nossos filhos e netos para as gerações vindouras.

A missão do Centro de Artes Performáticas é acolher, envolver, inspirar e transformar através de atraentes experiências de artes de palco em um ambiente de classe mundial.

Krannert Art Museum opens "Enough to Live On: Art from the WPA"; --- Krannert Museu de Arte abre "O suficiente para viver em: Arte da WPA";

Thousands of American artists created works that captured the state of the nation in the 1930s and early 1940s, portraying agrarian and industrial scenes, workers, class struggles and patriotic themes. 

Edwin Boyd Johnson, Mural Painting (detail), 1934. Oil on canvas. Allocated by the U.S. Government, commissioned through the New Deal Art Projects 1934-2-22 (c) Edwin Boyd Johnson.

The works, created through the Works Progress Administration (WPA) Federal Art Project, were allocated to universities, libraries and museums when the project ended. Krannert Art Museum is displaying some of the hundreds of WPA works it houses in an exhibition, “Enough to Live On: Art from the WPA,”. 

The Federal Art Project included printmakers, painters, muralists and sculptors, as well as art teachers. The artists were given broad themes for their work – regionalism, which included agrarian scenes and portrayals of Midwestern life, and social realism, which included depictions of class consciousness and of working life and nightlife. The art was representational and different stylistically from the abstract art movement that had been popular in Europe and was beginning to migrate to America. 

The artworks that were created were often displayed in federal, state and municipal buildings, libraries, hospitals and public schools. They were meant for the average person, said Kathryn Koca Polite, assistant curator at Krannert Art Museum. “Anyone could go up to one of the works and understand it and appreciate it,” she said. 

Holger Cahill, the director of the Federal Art Project, “requested artists to depict the hopes and the dreams of the average person, but also the realities of a broken nation. He wanted art for everyone,” Koca Polite said. 

The exhibition includes a mural painting by Edwin Boyd Johnson that was recently restored. There were several holes and tears in the canvas, paint loss and it was in need of cleaning. After being repaired by Restoration Division, a fine art conservation firm, it is now able to be shown after being in storage for many years. 

The painting has a blocky, angular, Art Deco look to it, with many figures and symbols intended to instill a sense of national pride. 

“You have notions of family with the mother and child, a symbol of sustenance and nourishment through the sheaf of wheat, a man holding a hammer as a reference to hard work, a representation of the idea of industry versus the common man with the inclusion of smokestacks, and a symbol of art with the classical nude placed on a pedestal.,” said Koca Polite. “All of these images symbolize different aspects of the nation. Perhaps it represents ideals the average person would want to aspire to, even in the midst of all that was going on in the nation at the time.” 

Several woodblock prints by Illinois artist Charles Turzak that depict scenes of Chicago are included in the exhibition. The four prints on view show Oak Street Beach, Lincoln Park, a view from the north bank of the Chicago River and an industrial scene south of the Loop. 

The exhibition also includes two lithographs by graphic artist Ida Abelman. “Wonders of Our Time” shows a group of gaunt figures beneath the Brooklyn Bridge. 

“You get this sense of despair. Where are they going to get their next meal? How are they going to live?” Koca Polite said. Abelman’s work keenly brings home the issues of the era. 

“Land Grant” also opened Jan. 26 at KAM. The exhibition arose out of an art and design seminar on curatorial methods, led by Terri Weissmann, an art history professor, and Amy L. Powell, Krannert Art Museum’s curator for modern and contemporary art. It marks the sesquicentennial of the University of Illinois by examining the history of its founding as a land grant university, land use practices, questions of indigeneity and the status of public higher education. The exhibition was organized by students, and it includes photos, paintings, documents, newspaper accounts and experimental projects from the collections of Krannert Art Museum, the Rare Book and Manuscript Library, the University Archives and other sources. 

One of the central objects in the exhibition is a painting by Billy Morrow Jackson, “We the People: The Land Grant College Heritage,” that was commissioned by the U. of I. for the president’s office. The painting features portraits of Abraham Lincoln, Justin Morrill and Jonathan Baldwin Turner, all of whom were instrumental in creating and passing the Morrill Act establishing land-grant colleges. 

“It shows the history of the university, but it’s only one portrayal of that history,” Powell said. 

Students found documents, images and artworks that support the painting’s vision of a free and democratic education for all and others that share similar goals but demonstrate alternative models of education, she said, such as the Whole University Catalog, an effort by electrical engineering professor Heinz von Foerster with his students in 1969. Also on display is a concrete canoe painted in the pattern of a corn cob (titled Corn-Crete) from the Boneyard Yacht Club and the Department of Civil and Environmental Engineering, an artifact from Inter-Collegiate Concrete Canoe Races that began in 1971. 

They looked at objects examining the histories of indigenous people to the land that was given over to public education. One such object is a Bible printed in the Cherokee language, from the Rare Book and Manuscript Library. It is unbound, its pages loose, meaning it was never used, Powell said. 

“It becomes this obstinate object of refusal,” she said. 

The Jan. 26 opening at the museum also includes a small exhibition of light and kinetic sculpture and optical illusion, titled “Light and Movement in Sculpture,” curated by Powell and including the research of doctoral candidate in Art History Hayan Kim. The featured sculptures are from the 1960s and ‘70s, and many were created by artist-engineers. The time period was one of much collaboration between art and science, and the pieces show the future-oriented perspectives of their makers, often with a strong machinist impulse, Powell said. 

One sculpture called “Lumia,” created by mechanical engineer Earl Reiback, consists of a light box with a motor turning a series of colorful prisms. 

“(Reiback) saw himself as a choreographer and sculptor of light,” Powell said, adding that “Lumia” has a visual effect that has been compared to the aurora borealis. 
Placing these works from the permanent collection in a gallery that experiences shifting light — the Kinkead Gallery near the Sixth Street entrance of the museum — gives the work an added dimension, especially the works that reflect light. In addition to Reiback, featured artists include Fletcher Benton, Chryssa, Max Finkelstein, Richard Hunt, Josef Levi, and James Libero Prestini.

Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,

mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 

but what modifies the way of looking and hearing.

--br via tradutor do google
Krannert Museu de Arte abre "O suficiente para viver em: Arte da WPA";

Milhares de artistas americanos criaram obras que capturaram o estado da nação nos anos 30 e início dos anos 40, retratando cenas agrárias e industriais, trabalhadores, lutas de classes e temas patrióticos.

As obras, criadas através do Projeto de Arte Federal WPA (Works Progress Administration), foram alocadas para universidades, bibliotecas e museus quando o projeto terminou. Krannert Art Museum está exibindo algumas das centenas de obras WPA que abriga em uma exposição, "O suficiente para viver em: Arte da WPA,".

O Projeto de Arte Federal incluiu gravadores, pintores, muralistas e escultores, bem como professores de arte. Os artistas receberam temas amplos para o seu trabalho - o regionalismo, que incluía cenas agrárias e retratos da vida no meio-oeste, eo realismo social, que incluía representações da consciência de classe e da vida profissional e da vida noturna. A arte era representativa e estilisticamente diferente do movimento de arte abstrata que tinha sido popular na Europa e estava começando a migrar para a América.

As obras que foram criadas foram freqüentemente exibidas em edifícios federais, estaduais e municipais, bibliotecas, hospitais e escolas públicas. Eles foram destinados para a pessoa média, disse Kathryn Koca Polite, curador assistente no Museu de Arte Krannert. "Qualquer um poderia ir a um dos trabalhos e compreendê-lo e apreciá-lo," disse.

Holger Cahill, diretor do Federal Art Project, "pediu aos artistas que retratassem as esperanças e os sonhos da pessoa comum, mas também as realidades de uma nação destruída. Ele queria arte para todos ", disse Koca Polite.

A exposição inclui uma pintura mural de Edwin Boyd Johnson que foi recentemente restaurada. Havia vários buracos e lágrimas na tela, perda de tinta e estava na necessidade de limpeza. Depois de ser reparado pela Restauração Divisão, uma empresa de conservação de belas artes, agora é capaz de ser mostrado depois de estar em armazenamento por muitos anos.

A pintura tem um blocky, angular, olhar do art deco a ele, com muitas figuras e símbolos pretendidos instill um sentimento do orgulho nacional.

"Você tem noções de família com a mãe e filho, um símbolo de sustento e nutrição através do feixe de trigo, um homem segurando um martelo como uma referência ao trabalho duro, uma representação da idéia de indústria versus o homem comum com a inclusão De chaminés, e um símbolo da arte com o nude clássico colocado em um pedestal. ", Disse Koca Polite. "Todas essas imagens simbolizam diferentes aspectos da nação. Talvez represente ideais que a pessoa média quereria aspirar, mesmo no meio de tudo o que estava acontecendo na nação naquele tempo. "

Diversas cópias do woodblock pelo artista Charles Turzak de Illinois que descrevem cenas de Chicago são incluídas na exposição. As quatro impressões na vista mostram a praia da rua do carvalho, parque de Lincoln, uma vista da margem norte do rio de Chicago e de uma cena industrial sul do laço.

A exposição também inclui duas litografias da artista gráfica Ida Abelman. "Maravilhas do Nosso Tempo" mostra um grupo de figuras magros sob a Ponte do Brooklyn.

"Você tem essa sensação de desespero. Onde eles estão indo para obter sua próxima refeição? Como vão viver? ", Disse Koca Polite. O trabalho de Abelman ressalta os problemas da época.

"Land Grant" também abriu 26 de janeiro na KAM. A exposição surgiu de um seminário de arte e design sobre métodos curadores, liderado por Terri Weissmann, professor de história da arte, e Amy L. Powell, curadora do Museu de Arte Krannert para arte moderna e contemporânea. Ele marca o sesquicentenário da Universidade de Illinois, examinando a história de sua fundação como uma universidade de concessão de terra, práticas de uso do solo, questões de indigeneidade eo status de ensino superior público. A exposição foi organizada por estudantes e inclui fotos, pinturas, documentos, contas de jornais e projetos experimentais das coleções do Museu de Arte de Krannert, da Biblioteca de Livros Raros e Manuscritos, dos Arquivos da Universidade e de outras fontes.

Um dos objetos centrais na exposição é uma pintura de Billy Morrow Jackson, "Nós, o Povo: A Terra Grant College Heritage", que foi encomendado pela U. de I. para o escritório do presidente. A pintura caracteriza retratos de Abraham Lincoln, de Justin Morrill e de Jonathan Baldwin Turner, todos de que eram instrumental em criar e em passar a lei de Morrill que estabelece faculdades de terra-concessão.

"Ele mostra a história da universidade, mas é apenas um retrato dessa história", disse Powell.

Os estudantes encontraram documentos, imagens e obras de arte que apóiam a visão da pintura de uma educação livre e democrática para todos e outros que compartilham objetivos semelhantes, mas demonstram modelos alternativos de educação, como o Whole University Catalog, um esforço do professor de engenharia elétrica Heinz Von Foerster com seus alunos em 1969. Também em exibição é uma canoa de concreto pintado no padrão de uma espiga de milho (intitulado Corn-Crete) do Boneyard Yacht Club e do Departamento de Engenharia Civil e Ambiental, um artefato de Inter-Collegiate Concrete Raças da canoa que começaram em 1971.

Eles examinaram objetos que examinavam as histórias dos povos indígenas sobre a terra que foi entregue à educação pública. Um desses objetos é uma Bíblia impressa na língua Cherokee, da Biblioteca de Livros Raros e Manuscritos. Está desatada, suas páginas soltas, o que significa que nunca foi usado, disse Powell.

"Torna-se este obstinado objeto de recusa", disse ela.

A abertura de 26 de janeiro no museu também inclui uma pequena exposição de luz e escultura cinética e ilusão de ótica, intitulado "Luz e Movimento em Escultura", com curadoria de Powell e incluindo a pesquisa de doutorado em História da Arte Hayan Kim. As esculturas em destaque são dos anos 60 e 70, e muitas foram criadas por artistas-engenheiros. O período de tempo foi de grande colaboração entre arte e ciência, e as peças mostram as perspectivas de futuro de seus criadores, muitas vezes com um forte impulso maquinista, disse Powell.

Uma escultura chamada "Lumia", criada pelo engenheiro mecânico Earl Reiback, consiste de uma caixa de luz com um motor girando uma série de prismas coloridos.

"(Reiback) viu-se como um coreógrafo e escultor de luz", disse Powell, acrescentando que "Lumia" tem um efeito visual que tem sido comparado com a aurora boreal.

Colocar essas obras da coleção permanente em uma galeria que experimenta a mudança de luz - a Galeria Kinkead perto da entrada da Sexta Rua do museu - dá ao trabalho uma dimensão adicional, especialmente as obras que refletem a luz. Além de Reiback, destacados artistas incluem Fletcher Benton, Chryssa, Max Finkelstein, Richard Hunt, Josef Levi e James Libero Prestini.