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sexta-feira, 17 de março de 2017

Art of Chinese Paper Cutting. --- Arte de corte de papel chinês. --- 中国剪纸艺术。

Today, Chinese paper-cuts are used for religious and ceremonial purposes. They are buried with the dead and burned at funerals. They were also used as offerings to ancestors and the gods. 

Additionally, paper-cuts are chiefly used as decorations. They are also to be used as patterns, especially for embroidery and lacquer wears. They can also adorn walls, windows, doors, columns, mirrors, lamps and lanterns in homes. Chinese people believe that the red paper-cuts on the door can bring good luck and happiness to the whole family. The paper-cuts are more often seen during traditional Chinese festivals, particularly in Chinese New Year, the Spring Festival. They are also given as presents or gifts to good friends or other family members. In Chinese traditional culture, paper-cuts can reflect many aspects of life such as prosperity, health, or harvest.


During the Spring Festival, the character “ Fu (福)” is pasted upside down on the door to express people’s wish for the coming of happiness.



When a man and woman get married, the red paper-cuts with the character “Xi (囍)” is a traditional decoration. It is believed that this paper-cut will bring the new couple happiness. 



At a birthday party of an older person, paper-cuts with the character “Shou (寿)” are often seen.



Back to the 18th century, Beijing Opera, the gem of Chinese traditional arts, hadformed a set of complete techniques and artistic expression. One of the main manifestations of the art, facial makeup, came into being after a long-term assimilation of themerits of various local operas. When facial makeups are made by the light hands on papers, these two forms of art , namely, Beijing Opera and Chinese paper cutting, are mixed with each other.


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Yangzhou Paper-cut

Yangzhou City is one of the earliest regions in China prevalent with the paper-cut art.The Yangzhou paper-cut is comely and fluent in lines, refined and exquisite in composition with exaggerated and compact images, constituting one of the representatives of folk paper-cut art in South China. Rice paper is mostly adopted in the paper-cut art.



Yuxian Paper-cut

Situated in Northwest Hebei Province, Yuxian County is reputed for its folk paper-cut art. The cutting skill of Yuxian paper-cut embodies not only the straightforwardness and simplicity of the northern folk style, but also the delicate and elegant style of the handicraft in South China. It distinguishes itself with the artistic style of full composition, vivid shapes, flamboyant colors and unique technology.



Shaanxi Paper-cut

Shaanxi folk paper-cut, though often used as patterns for embroidery, serves as windows decoration. The subjects of Shaanxi paper-cut are various in kind---human figures, birds and animals, flowers and plants, fishers and insects, all-embracing. Shaanxi paper-cut is considered to be bold and unconstrained, brief and exaggerated.


Foshan Paper-cut

Foshan paper-cut is a folk art developed from local folk activities mostly distributed in some villages and towns of Chancheng District and Nanhai District, Foshan City. The traditional Foshan paper-cut features mainly the themes of festival and luck, exorcising and blessing, children and longevity etc. A unique local style is shaped with the brilliant copper foils adopted in the paper-cut.












Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,

mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 

but what modifies the way of looking and hearing.





--br via tradutor do google
Arte de corte de papel chinês.

Hoje, os cortes de papel chineses são usados ​​para fins religiosos e cerimoniais. Eles são enterrados com os mortos e queimados em funerais. Eles também eram usados ​​como oferendas aos ancestrais e aos deuses.

Além disso, os cortes de papel são usados ​​principalmente como decorações. Eles também devem ser usados ​​como padrões, especialmente para bordados e laca desgasta. Eles também podem adornar paredes, janelas, portas, colunas, espelhos, lâmpadas e lanternas em casas. Os chineses acreditam que os cortes de papel vermelhos na porta podem trazer boa sorte e felicidade para toda a família. Os cortes de papel são vistos mais frequentemente durante os festivais chineses tradicionais, particularmente no ano novo chinês, o festival da mola. Eles também são dadas como presentes ou presentes para bons amigos ou outros membros da família. Na cultura tradicional chinesa, os cortes de papel podem refletir muitos aspectos da vida, como prosperidade, saúde ou colheita.

Durante o Festival da Primavera, o personagem "Fu (福)" é colado de cabeça para baixo na porta para expressar o desejo das pessoas para a vinda da felicidade.

Quando um homem e uma mulher se casam, os cortes de papel vermelhos com o caráter "Xi (囍)" são uma decoração tradicional. Acredita-se que este papel cortado trará a felicidade do novo casal.

Em uma festa de aniversário de uma pessoa mais velha, papel-cortes com o caráter "Shou (寿)" são vistos frequentemente.

De volta ao século XVIII, a Ópera de Pequim, a jóia das artes tradicionais chinesas, formou um conjunto de técnicas completas e expressão artística. Uma das principais manifestações da arte, a maquiagem facial, surgiu após uma assimilação a longo prazo dos méritos de várias óperas locais. Quando makeups faciais são feitas pelas mãos leves em papéis, estas duas formas de arte, ou seja, Ópera de Pequim e corte de papel chinês, são misturados uns com os outros.

Yangzhou Papel cortado

A cidade de Yangzhou é uma das regiões as mais adiantadas em China prevalent com o paper-cut art. O papel-corte de Yangzhou é comely e fluente nas linhas, refinado e requintado na composição com imagens exageradas e compactas, constituindo um dos representantes do papel- Cut no sul da China. O papel do arroz é adotado na maior parte na arte do papel-corte.

Yuxian Papel cortado

Situado no noroeste da província de Hebei, Yuxian County é reputado por sua arte folk papel-cut. A habilidade de corte de Yuxian papel cut-encarna não só a simplicidade e simplicidade do estilo folclórico do norte, mas também o estilo delicado e elegante do artesanato no sul da China. Distingue-se com o estilo artístico da composição cheia, formas vívidas, cores extravagantes e tecnologia original.

Shaanxi Papel cortado

Folha de Shaanxi papel cortado, embora muitas vezes usado como padrões para bordados, serve como decoração de janelas. Os assuntos de Shaanxi paper-cut são vários em espécie --- figuras humanas, aves e animais, flores e plantas, pescadores e insetos, abrangente. Shaanxi papel cortado é considerado ser ousado e sem restrições, breve e exagerada.

Foshan Papel cortado

Foshan corte de papel é uma arte popular desenvolvido a partir de atividades folclóricas locais, principalmente distribuídos em algumas aldeias e cidades de Chancheng District e Nanhai District, Foshan City. O tradicional papel de corte de Foshan apresenta principalmente os temas do festival e sorte, exorcising e bênção, crianças e longevidade etc. Um estilo local único é moldado com as folhas de cobre brilhante adotado no corte de papel.






--chines simplificado via tradutor do google
中国剪纸艺术。
今天,中国剪纸用于宗教和礼仪目的。他们与死者埋葬并在葬礼上烧毁。他们也被用作祭祖和神。
此外,剪纸主要用作装饰。它们也被用作图案,特别是用于刺绣和漆衣。他们还可以在家里装饰墙壁,窗户,门,柱子,镜子,灯具。中国人相信,门上的红纸削减可以给全家带来好运和幸福。在传统的中国节日,尤其是春节,春节,更多见到剪纸。他们还作为礼物或礼物给好朋友或其他家庭成员。在中国传统文化中,剪纸可以反映生活的许多方面,例如繁荣,健康或收获。

春节期间,“福”字被颠倒地贴在门上,表达了人们对幸福的来临的愿望。

当一个男人和一个女人结婚,红色的剪纸与字符“囍(囍)”是一种传统的装饰。相信这次剪纸会带来新的夫妻幸福。

在一个老人的生日聚会上,经常看到用字符“寿(寿)”的剪纸。

回到18世纪,北京戏剧,中国传统艺术的宝石,已经形成了一套完整的技术和艺术表现。艺术的主要表现之一,面部化妆,在长期同化各种地方歌剧的剧院后形成。当通过轻手在纸上进行面部化妆时,这两种形式的艺术,即北京戏曲和中国剪纸,彼此混合。

扬州切纸

扬州市是中国最早使用剪纸艺术的地区之一。扬州剪纸流畅,线条流畅,构图精致,构图精巧,构成了夸张和紧凑的图像,构成了民间纸 - 艺术在中国南方。大米纸主要用于切纸艺术。

玉仙剪纸

玉仙县位于河北省西北部,以民间剪纸艺术而闻名。玉仙剪纸的切割技巧不仅体现了北方民间风格的直接性和简单性,而且体现了华南工艺品的精致优雅风格。它与充分的构成,生动的形状,华丽的颜色和独特的技术的艺术风格区别。

陕西剪纸

陕西民间剪纸,虽然经常被用作刺绣的图案,用作窗户装饰。陕西剪纸的主题是各种各样的 - 人类的数字,鸟类和动物,花卉和植物,渔民和昆虫,全包。陕西剪纸被认为是大胆和无约束,简短和夸张。

佛山切纸


佛山剪纸是一种从当地民间活动发展而来的民间艺术,主要分布在佛山市禅城区和南海区的一些村镇。传统的佛山剪纸特色主要是节日和运气,运动和祝福,儿童和长寿等主题。一个独特的本地风格的形状与切割中采用的辉煌的铜箔。

Rio de Janeiro, Brazil - Tomorrow's Museum wins the most innovative green building award. --- Rio de Janeiro, Brasil - Museu do Amanhã vence prêmio de construção verde mais inovadora.

The Museum of Tomorrow has just received the International Award MIPIM in the category "Green Building more innovative".

 Awards best green innovative building 


Marco of the revitalization of the Port Region of Rio de Janeiro, is the first Brazilian museum to receive laurea, one of the most important in the real estate environment. The winners of the 2017 MIPIM Awards are being announced at a ceremony at the Palais des Festivals in Cannes, France. Among its differentials, the Museum of Tomorrow has the technology used in capturing solar energy and the use of the cold waters of the bottom of Guanabara Bay in the air conditioning system.

In the category "Green Building Most Innovative", the museum competed with Siemens headquarters in Munich; The 119 Ebury Street residential building in London; And the Värtan Bioenergy plant in Stockholm. Best Innovative Green Building: The breathtaking (Museum of Tomorrow).

Architect: Awards 2017 - MIPIMWorld (@MIPIMWorld) "The Museum of Tomorrow has as its mission to awaken its visitors to build a tomorrow guided by the ethics of coexistence and sustainability. Thus, adopting sustainability measures was a guideline from the beginning of its construction, "says Hugo Barreto, secretary general of the Roberto Marinho Foundation, the institution responsible for the design of the space. Created in 1991, the MIPIM Award is an international competition that selects the most notable projects already built or under construction worldwide.

The awards are held during the MIPIM fair, the largest real estate event in the world. During the MIPIM, participants vote on their favorite project in each category. The vote of the participants represents 50% of the total of the note, and adds to that of the jurors. With 11 categories, the MIPIM Awards 2017 selected projects from 22 countries - with four finalists per category. In 2016, the sustainable guidelines of the Museum of Tomorrow were also recognized with the Gold label of Leadership in Energy and Environmental Design (LEED), granted by the Green Building Council - the main American institution in the seal Of green buildings.

It was the first museum in the country to obtain this recognition at the second highest level of classification - there are four: certificate, silver, gold and platinum.












Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,

mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 

but what modifies the way of looking and hearing.














--br
Rio de Janeiro, Brasil - Museu do Amanhã vence prêmio de construção verde mais inovadora. 

O Museu do Amanhã acaba de receber o Prêmio Internacional MIPIM na categoria “Edifício verde mais inovador”. 

Marco da revitalização da Região Portuária do Rio de Janeiro, é o primeiro museu brasileiro a receber a láurea, uma das mais importantes do meio imobiliário. Os vencedores da edição 2017 do MIPIM Awards estão sendo anunciados em cerimônia no Palácio dos Festivais, em Cannes, na França. Entre seus diferenciais, o Museu do Amanhã tem a tecnologia empregada na captação da energia solar e o uso das águas geladas do fundo da Baía de Guanabara no sistema de ar condicionado. 

Na categoria “Edifício verde mais inovador”, o museu concorreu com a sede da Siemens, em Munique; o edifício residencial 119 Ebury Street, em Londres; e a fábrica da Värtan Bioenergy, em Estocolmo. Best Innovative Green Building: the breathtaking (Museum of Tomorrow). 

Architect: Awards 2017 — MIPIMWorld (@MIPIMWorld) “O Museu do Amanhã tem como missão despertar seus visitantes para a construção de um amanhã guiado pela ética da convivência e da sustentabilidade. Assim, adotar medidas de sustentabilidade foi uma diretriz desde o início de sua construção”, diz Hugo Barreto, secretário geral da Fundação Roberto Marinho, instituição responsável pela concepção do espaço. Criado em 1991, o Prêmio MIPIM é uma competição internacional que seleciona os projetos mais notáveis já construídos ou em fase de construção por todo o mundo. 

A premiação é realizada durante a feira MIPIM, maior evento do mercado imobiliário do mundo. Durante o MIPIM, os participantes votam em seu projeto favorito em cada categoria. O voto dos participantes representa 50% do total da nota, e se soma ao dos jurados. Com 11 categorias, o prêmio MIPIM Awards 2017 selecionou projetos de 22 países — com quatro finalistas por categoria. Em 2016, as diretrizes sustentáveis do Museu do Amanhã também foram reconhecidas com o selo Ouro da certificação LEED (Leadership in Energy and Environmental Design ou Liderança em Energia e Projeto Ambiental, em português), concedida pelo Green Building Council — principal instituição americana na chancela de edificações verdes. 

Foi o primeiro museu do país a obter este reconhecimento no segundo mais alto nível de classificação — são quatro: certificado, prata, ouro e platina.

Professor Martin Grossmannm comments on the "resilience of museums" to the Journal of USP - University of São Paulo. --- O professor Martin Grossmannm, comenta para o Jornal da USP - Universidade de São Paulo, sobre a “resiliência dos museus”.

Despite the profound changes that have taken place in recent centuries, museums are still present when culture is discussed, says professor

Museu de arte moderna de Nova York: modelo de museu com capacidade de transformação – Foto: Luenne Neri/USP Imagens


In the column that aired March 15, Professor Martin Grossmann talked about the capacity of museums to transform and adapt to the economic, cultural and social changes that have taken place over the centuries - what he called "resilience Of museums ". "The museum is always a presence when discussing culture," said Grossmann.


Taking as an example the art museums - his specialty -, the teacher mentioned two paradigmatic moments for these institutions. The first one is represented by the Berlin Altes Museum, which gives the museum a centrality in Western civilization. The second moment is with the advent of the museums of modern art, which causes a transposition of the cultural centrality of Europe to the United States. Greater example of this second paradigm is the Museum of Modern Art of New York. "It is interesting to note also that this model becomes something more abstract than the Enlightenment museum," said Grossmann. "I invite our listeners to do a search on the internet and look at these two space-time conceptions that the museum represents."









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O professor Martin Grossmannm, comenta para o Jornal da USP - Universidade de São Paulo, sobre a “resiliência dos museus”.


Apesar das profundas mudanças ocorridas nos últimos séculos, museus continuam presentes quando se discute cultura, afirma professor


Na coluna que foi ao ar no dia 15 de março, o professor Martin Grossmann falou sobre a capacidade dos museus de se transformar e de se adequar diante das mudanças econômicas, culturais e sociais ocorridas ao longo dos séculos – o que ele chamou de “resiliência dos museus”. “O museu é sempre uma presença quando se discute cultura”, destacou Grossmann.


Tomando como exemplo os museus de arte – sua especialidade -, o professor citou dois momentos paradigmáticos para essas instituições. O primeiro deles é representado pelo Altes Museum de Berlim, que confere ao museu uma centralidade na civilização ocidental. O segundo momento se dá com o advento dos museus de arte moderna, que provoca uma transposição da centralidade cultural da Europa para os Estados Unidos. Exemplo maior desse segundo paradigma é o Museu de Arte Moderna de Nova York. “É interessante verificar também que esse modelo se torna algo mais abstrato do que o museu iluminista”, disse Grossmann. “Convido nossos ouvintes a fazer uma pesquisa na internet e olhar essas duas concepções de espaço-tempo que o museu representa.”

London Design Museum has new facilities and is worth a visit by itself. --- London Design Museum tem novas instalações e vale uma visita por si só.

In a city with so much cultural appeal, the London Design Museum was once one of the most sought after spaces in the city, having more than 100 exhibitions since its opening in 1989 and accounting for more than five million visitors.



Still, those in charge thought it was worth taking a step forward and spending almost 100 million euros on new facilities. But not a new building. They moved into Kensington, reclaiming the Commonwealth Institute, an architectural icon of British modernism. A work by the architect John Pawson worth a visit by itself.



There are now about ten thousand square meters of exhibition space, where it is both possible to see a five pound note as a plastic chair or even a walkman. All this is design. The permanent exhibition, Designer Maker User, tells the story of contemporary design. And, unlike before, entry is free.







Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,

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A cultura e o amor devem estar juntos.

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London Design Museum tem novas instalações e vale uma visita por si só.

Numa cidade com tanta oferta cultural, o London Design Museum já era um dos espaços mais procurados da cidade, tendo mais de cem exposições desde a abertura, em 1989, e contabilizado mais de cinco milhões de visitantes.

Ainda assim, os responsáveis acharam que valia dar um passo em frente e gastar quase cem milhões de euros em novas instalações. Mas não um edifício novo. Mudaram-se para o bairro de Kensington, recuperando o Commonwealth Institute, um ícone arquitetónico do modernismo britânico. Um trabalho a cargo do arquiteto John Pawson que vale uma visita por si só.

São agora cerca dez mil metros quadrados de área expositiva, onde tanto é possível ver uma nota de cinco libras como uma cadeira de plástico ou mesmo um walkman. Tudo isto é design. A exposição permanente, Designer Maker User, narra a história do design contemporâneo. E, ao contrário do que acontecia anteriormente, a entrada é livre.

¿QUÉ ES UN RESTAURADOR? - · en ARTE, MUSEO, PATRIMONIO.·

El propósito de la entrada de hoy es establecer las coordenadas básicas, los principios y requisitos, para entender más y mejor lo que es la profesión de restaurador/restauradora. En la mayoría de los países, la profesión de restaurador está aún por definir; todo aquel que restaura se denomina mecánicamente restaurador, independientemente de la extensión y profundidad de su formación. Vamos a intentar aclarar hoy este tema con la ayuda del ICOM CC (Comité para la Conservación).


La preocupación por la ética y estándares relacionados con los profesionales que están en contacto con los objetos históricos, incluyendo a los propietarios de estos objetos, ha dado lugar a varios intentos para definir la profesión con rigor, intentando crear un distingo con profesiones afines y/o relacionadas, y establecer así los requisitos de formación adecuados. Otras profesiones, como la de doctor en medicina, abogado, arquitecto, etcétera, han pasado por una fase de auto-examen, disponiendo de una definición concreta en cada una de sus especialidades, pudiendo establecer estándares aceptados universalmente. La definición de la profesión de restaurador creemos que hoy en día se encuentra desfasada (lo digital ya forma parte del patrimonio) y debería ser actualizada. La concreción de base ayudará a la profesión a lograr una paridad definitoria con disciplinas tales como las de curador o conservador, entre otras muchas relacionadas.


La actividad del restaurador consiste en el examen técnico, la preservación y la conservación-restauración de bienes culturales: el examen del bien físico (el digital también) consiste en el procedimiento preliminar adoptado para determinar la importancia documental de un artefacto, su estructura y materiales originales, el alcance de su deterioro, la alteración y pérdida, y la documentación de estos hallazgos. La preservación es la acción que se realiza para retardar o prevenir el deterioro o daño del objeto. Es preciso conocer sus propiedades para el control de su medio ambiente y/ o el tratamiento de su estructura, con el fin de mantener dicho objeto en un estado inmutable. La restauración es la acción realizada por un profesional especialista para que un objeto, o un artefacto, deteriorado o dañado recupere su estado natural en la medida de lo posible, sacrificando al mínimo su integridad estética e histórica.



El trabajo del restaurador se puede desarrollar en los museos, en los servicios oficiales de protección del patrimonio, en las empresas privadas de conservación o de forma independiente. Su tarea consiste en comprender el aspecto material de los objetos de importancia histórica y artística con el fin de prevenir su deterioro y mejorar nuestra comprensión de ellos, potenciando aún más la distinción entre lo que es original y lo que es espurio.


El restaurador contrae una responsabilidad especial en el tratamiento que se realiza con incunables irremplazables, a menudo únicos y de gran valor artístico, religioso, histórico, científico, cultural, social o económico. El valor de tales objetos reside en el carácter de su manufactura, en la prueba de su existencia en los documentos históricos y, por consiguiente, en su autenticidad. La manipulación profesional y experta de estos objetos es de una importancia superlativa, ya que “son una expresión significativa de la vida espiritual, religiosa y artística del pasado, a menudo documentos de una situación histórica, ya sean de trabajo de primer rango o, simplemente, objetos de la vida cotidiana”. La calidad documental del objeto histórico es la base para la investigación en la historia del arte, la etnografía, la arqueología, y en otras disciplinas con base científica. Por lo tanto, es de máxima importancia preservar su integridad física.


Dado que el riesgo de manipulación o transformación del objeto dañado es inherente a cualquier medida de conservación o restauración, el restaurador debe trabajar en la más estrecha colaboración con el curador u otro especialista relacionado con la materia. Juntos deben distinguir entre lo necesario y lo superfluo, lo posible y lo imposible, teniendo en cuenta que el orden de intervención mejora las cualidades del objeto, anulando así lo que pudiera ir en detrimento de su integridad. El restaurador debe ser consciente de la naturaleza documental de un objeto. Cada objeto contiene – solo o combinados – conceptos históricos, estilísticos, iconográficos, tecnológicos, intelectuales, estéticos y/o mensajes espirituales y datos. En el encuentro del profesional restaurador con éstos durante la investigación y el trabajo sobre el objeto, no debería mostrarse sensible (conmovido) , y ha de ser ser capaz de reconocer su naturaleza de manera neutra, guiándose profesionalmente en el desempeño de su labor.


Por lo tanto, todas las intervenciones deberán estar precedidas de un examen metódico y científico orientado a la comprensión del objeto en todos sus aspectos, y las consecuencias de cada manipulación se deben considerar exhaustivamente. Al que, por falta de formación, sea incapaz de llevar a cabo tales exámenes, o debido a cualquier otra razón se niegue a proceder de esta forma, no le podrá ser confiada la responsabilidad del tratamiento del objeto. Sólo un experimentado profesional restaurador bien entrenado puede interpretar correctamente los resultados de tales exámenes y prevenir las consecuencias de las decisiones tomadas.


La intervención sobre un objeto histórico o artístico debe seguir la secuencia común a toda la metodología científica: investigación de origen, análisis, interpretación y síntesis. Sólo entonces se puede completar el tratamiento para preservar la integridad física del objeto y hacer accesible su significado. Lo más importante es que este enfoque aumenta nuestra capacidad para descifrar el mensaje científico del objeto y contribuye a generar nuevos conocimientos sobre el mismo. El restaurador trabaja en el objeto en sí. Su campo de acción, como el de un cirujano, está ligado al arte de la habilidad manual. Y al igual que en el caso del cirujano, esa habilidad manual debe estar vinculada a los conocimientos teóricos y a la capacidad simultánea para evaluar la situación, para actuar sobre ella de inmediato y para determinar su impacto.


La cooperación interdisciplinaria es de suma importancia en esta profesión, actualmente el restaurador debe trabajar formando parte de un equipo. Del mismo modo que el cirujano no puede ser al mismo tiempo un radiólogo, patólogo y psicólogo, el conservador-restaurador no puede ser un experto en arte o historia cultural, y a su vez en química u otras ciencias naturales o humanidades. El trabajo del restaurador( al igual que el del cirujano) puede ser complementado por los resultados de análisis e investigación de los estudiosos. Esta cooperación funcionará bien si el restaurador es capaz de formular sus preguntas científicamente y actuar con precisión y capacidad para interpretar las respuestas en el contexto adecuado.


Las actividades profesionales del restaurador son distintas a las de las profesiones artísticas o artesanales. El criterio básico de esta distinción es que, a partir de sus actividades, los restauradores no crean nuevos objetos culturales. A diferencia de otras profesiones artísticas como la de orfebre, artesano, ebanista, decorador u otras, el objetivo de los restauradores es el de reconstruir físicamente lo que ya existe y puede ser preservado. No obstante, los artistas también pueden beneficiarse enormemente de los conocimientos y consejos de los restauradores, así como de su orientación material para la realización de determinado tipo de obra.


La recomendación para la intervención sobre cualquier objeto de valor histórico y/o artístico, no debería ser realizada por un artista, un artesano o un conservador, sólo puede ser resuelta por un bien formado conservador, un profesional experimentado y altamente sensible, con un buen grado de entrenamiento; el aprendiz es un auxiliar de apoyo. Este profesional en solitario, en concierto con el curador u otro especialista, deberá disponer de los medios para examinar el objeto, determinar su estado, y evaluar la importancia de su acervo, generando material documentado.


Para ajustarse a las características y especificaciones profesionales mencionadas anteriormente, el restaurador debe recibir la formación artística, técnica y científica necesaria, basada en una educación completa. Esta formación debe conllevar un desarrollo de la sensibilidad y la habilidad manual, la adquisición de conocimientos teóricos acerca de los materiales y técnicas, y la conexión con la necesaria metodología científica para fomentar la capacidad de resolver problemas de conservación siguiendo un enfoque sistemático y metodológico, basado en la necesidad de investigar e interpretar los resultados de una forma muy crítica y neutral, sin dejarse llevar por las emociones.


La formación teórica y la educación del profesional restaurador debería incluir las siguientes materias:
Historia del arte y civilizaciones.
Métodos de investigación y documentación.
El conocimiento de la tecnología y los materiales.
Teoría de la conservación y la ética.
Historia de la conservación-restauración y su tecnología.
Química, biología y física de los procesos y métodos de conservación con relación al deterioro.

Archivo EVE

Se entiende que una pasantía (beca de trabajo) es una parte esencial de cualquier programa de entrenamiento. La importancia de la tesis o diploma no debería dar paso directo a la profesión; el desarrollo de un trabajo de becario y su finalización debería ser reconocido en esta profesión (como en otras muchas) por el equivalente de postgrado de título universitario. En todas las etapas de esta formación, se debe poner un mayor énfasis sobre la práctica, teniendo en cuenta la necesidad de desarrollar y perfeccionar la comprensión de los factores técnicos, científicos, históricos y estéticos. El objetivo final es el desarrollo de profesionales bien formados y responsables, capaces de llevar a cabo las intervenciones de conservación altamente complejas con extremo cuidado y de documentar a fondo el trabajo y los registros, contribuyendo así no sólo a la conservación en si misma, sino a generar una comprensión más profunda de los acontecimientos históricos y artísticos relacionados con los objetos que están bajo su tratamiento.










fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti


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