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domingo, 2 de abril de 2017

Tibetan Clothing and Ornaments. --- Roupas e enfeites tibetano.. --- 西藏服饰。

According to archeological findings, the ancestors of the Tibetan lived in the Brahmaputra River delta. Historical records suggest that the Tibetan were part of the Xiqiang group during the Han Dynasty (206 BC - 220). 

As the Han people stepped into the Tang Dynasty (618 - 907), they and the Tibetan developed a profound friendship, which culminated in the marriage of the Tang princess Wencheng and the leader of Tibet, Songtsen Gampo. Many believe that it was Princess WenCheng that first brought Buddhism to Tibet, where it quickly spread. 

In the 13th century, the Mongols established the Yuan Dynasty (1271 - 1368), and began to exert sovereignty in Tibet. 

Long-standing and unique Tibetan clothing and ornaments are featured by diversified styles and patterns as well as bright color. It is traditional costume formed from ancient times under the influence of climate in the area, people's production activities and the religious culture.

Ordinary dress with distinctive ethnic features is the Tibetan-style robe, which is characterized by long sleeves, loose waist and large lapel. Moreover, faconne decoration is important, and top priority is given to the conformity of dressing to personal status, reflecting by the existence of precious fur and silt piped sleeves, lapels and fundus. When wearing a Tibetan-style robe, underlinen is indispensable, with male-style ones mainly being fitted with high collars, and female ones with turn-down collars, both kinds made of silk in different colors. 

Female underlinen is provided with long sleeves, which are curled up in most times and laid down when dancing, so that they will wave in the wind with the dancer, presenting a beautiful vision.

Tibetan clothing and ornaments, though bright in color, are harmoniously presented. It is in the clothing and ornaments that the gorgeous features of the Tibetans are perfectly embodied.

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.

--br via tradutor do google
 Roupas e enfeites tibetano.
De acordo com achados arqueológicos, os antepassados ​​do tibetano viveu no Rio Brahmaputra delta registros históricos sugerem que os tibetanos eram parte do grupo Xiqiang durante a dinastia Han (206 aC - 220).

Como o povo Han entrou na Dinastia Tang ( 618-907), eles e os tibetanos desenvolveram uma profunda amizade, que culminou com o casamento do Tang princesa Wencheng eo líder do Tibet, Songtsen Gampo Muitos acreditam que era a princesa Wencheng que primeiro trouxe o budismo para o Tibete, onde rapidamente. . espalhada no século 13, os mongóis estabeleceu a dinastia Yuan (1271-1368), e começou a exercer a soberania no Tibete.

De longa data e vestuário tibetano única e ornamentos são caracterizados por estilos e padrões diversificados, bem como cor brilhante. 

É traje tradicional formado a partir de tempos antigos sob a influência do clima na área, as atividades de produção das pessoas e da cultura religiosa.

Vestido comum com características étnicas distintas é o manto Tibetano-estilo, que é caracterizada por mangas compridas, cintura solta e grande lapela. 

Além disso, decoração façonné é importante, e prioridade é dada à conformidade de vestir ao estatuto pessoal, refletindo pela existência de pele precioso e mangas silte encanada, lapelas e fundo de olho. 

Quando vestindo uma túnica tibetano-estilo, underlinen é indispensável, com os de estilo masculino, principalmente, sendo equipados com golas altas, e os do sexo feminino com golas abertura de cama, ambos os tipos feitos de seda em cores diferentes. underlinen Feminino é fornecido com mangas compridas, que são enrolado em na maioria das vezes e fixadas ao dançar, de modo que eles vão acenar no vento com o dançarino, apresentando uma visão bonita.

Roupas e ornamentos tibetano, embora brilhante na cor, estão harmoniosamente apresentado. É no vestuário e ornamentos que as características lindos dos tibetanos estão perfeitamente encarnado.

--chines simplificado via tradutor do google


根据考古发现,西藏的祖先居住在雅鲁藏布江三角洲。历史记载表明,西藏人在汉代(公元前206年至220年)是西强集团的一部分。随着汉族人进入唐代(618 - 907年),他们和西藏人发展了深厚的友谊,最终导致了文皇公主和西藏领导松松甘榜的结婚。许多人相信文城公主首先把佛教带到了西藏,迅速蔓延到西藏。十三世纪,蒙古人建立了元朝(1271 - 1368年),开始在西藏施行主权。


The Cultural Heritage Advisory Council approved in August 2012 the Cultural Complex of Bumba-meu-boi do Maranhão as Cultural Heritage of Brazil. --- O Conselho Consultivo do Patrimônio Cultural aprovou em agosto de 2012 o Complexo Cultural do Bumba-meu-boi do Maranhão como Patrimônio Cultural do Brasil.

Bumba my boi, boi-bumbá or pavulagem is a dance of popular Brazilian folklore, with human characters and fantastic animals, that revolves around the death and resurrection of an ox. A popular car (folguedo) found all over Brazil mainly in the North and Northeast regions. Also considered a pastoral self or drama that, traditionally, is represented in the open field or private residences, during the Christmas period, like survival of the medieval Christian festivities, in which the cult of the ox was made in homage to the birth of Christ.

The bumba feast my ox emerged in the northeast of the country. Thus legends were created, all without any historical foundation, but as many other Popular Dances are told and traverse generations lasting in Brazilian popular cultures.Its origin is linked to the livestock cycle, and in the state of Maranhão it presents its own characteristics in the State. There is held in commemoration of St. Anthony, St. Peter, St. John and St. Marcal.
"Bumba-meu-boi differentiated itself from other national forms, adopting its own ritualistic content, diversifying its styles and accents; Creating new forms of presentation, music, props and guiding their survival by popular taste, without, however, disrespecting the legend that gives rise to the self "(Gomes 2009 apud MARQUES, 1999)

The story unfolds from a self where central history is common to all groups, with few regional variations. It has its own cycle composed of the rehearsals, the birth (or rebirth) and the baptism of a new Ox, the public presentations and the death, to resurface next year.

The term Bumba-meu-boi, diverges opinions. For Gustavo Barrosos (1923), the expression "Bumba-meu-boi" means "zabumba, my ox" or "zumba is accompanying ox", because during the ox's display, the chorus that sings the chorus says: "ê Bumba, setting the pace in the zabumba. For Câmara Cascudo (1956), "Bumba" is the interjection "zás" which means: "Bate, chifra, meu boi".

This folguedo comes from a Luso-Iberian tradition of the sixteenth century, with other European influences such as that of the old Italian popular comedy, present in this farce with its improvised dialogues and their characters burlesque, and still under English influence with respect to the use of the mask And in the absence of the female element.

In the Northeast, the Bumba-meu-boi was born of the slaves and poor people aggregated from mills and farms, rural workers and hard offices in the cities, without female participation. Formed in the scenery of the leather cycle where the northeastern pastoral area was very developed, counting, mainly with the relevant role of the cowboy, the central character.

One of the legends surrounding its emergence says that the feast appeared in the State of Piauí, because the region where Piauí is today began to be populated by cowboys who came from Bahia in search of new pastures for cattle. However, the only known fact about the history of this feast is that of an episode in the period of Dutch domination in the state of Pernambuco, more precisely in Recife. This event is called the Flying Ox episode, and that from then on it would have evolved into a legend with a more elaborate story as it is today.

But it is in the state of Maranhão that the bumba my ox has been more valued throughout the northeast and from there, exported to the state of Amazonas under the name of boi-bumbá, visited annually by thousands of tourists who will visit the famous Folk Festival Of Parintins, made since 1913.

Nowadays, the essence of the legend links satire, comedy, tragedy and drama, and always shows the contrast between the fragility of man and the brute strength of an ox. This essence originated from the legend of Catirina and Father Francisco, of Northeastern origin. When it was taken to the North, it was adapted to the Amazonian reality, and reverenced the ox as if it were native to the Amazon forest (which is historically incorrect, since cattle are not native to the Americas), also exalting the joy, Synergy and strength of indigenous collective celebrations.

As it spreads throughout the country, my bumba acquires names, rhythms, forms of presentation, costumes, characters, instruments, props and different themes. In this way:

In Pernambuco it is called boi-calemba or bumbá;

In Maranhão, Rio Grande do Norte, Alagoas and Piauí is called bumba my ox;

In Ceará, it is an ox of kings, ox-surubim and ox-zumbi;

In Bahia, it is January-January, starfish, dromedary, and goldfish;

In Minas Gerais, Rio de Janeiro, Cabo Frio and Macaé (in Macaé, there is the famous Ox of Sadi) is bumba or folguedo-do-boi;

In the Holy Spirit he is an ox of kings;

In São Paulo, he is a boí da jacá and a boi-dance;

In Pará and Amazonas, it is boi-bumbá or pavulagem;

In Paraná, and Santa Catarina, it is ox-de-mourão or ox-of-papaya;

In Rio Grande do Sul it is bumba, boizinho, or boi-papão.


There are many stories about the legend of the ox. One of the best known is that involving a pair of blacks, Father Francisco (Chico) and Catirina, employees of a farm and an ox (the beloved calf of the farmer).

The story unfolds from the desire of Catirina, who is pregnant, has a desire to eat an ox tongue. Chico to satisfy the desire of his wife, steals the Ox to tear out the tongue and cook for his wife.

The farmer giving up his beloved bull calf, orders the cowboys and the Indians to look for him. When they find the Ox, they notice that he is sick.

The farmer to the knowledge of the disease of the ox calls the healer / shaman / doctor to cure him.

After many attempts, the ox is finally healed (resuscita), and the farmer, forgives Pai Chico and Catirina, ending the representation with a great party.

The manifestation presents great plasticity and great socio-political relevance, whose perpetuation until the present day is the justification of its functional permanence. In the form of a popular theater of the people and for the people, where races, social classes, yearnings, critiques, religiosity, fantasy, knowledge and ignorance of the real world and the supernatural intersect, in a constant parading of songs and dances in which the Participants live and relive the most fun and picturesque moments of their daily lives.


The characters of Bumba-meu-boi are classified into categories: human and fantastic animals, varying according to place may have different nomenclatures.

Human Characters

The most common human characters are:

Vaqueiro - representative figure of the sertão, dresses the character with doublet and leather hat;

Catirina - represents prostitution and is always a man dressed in black checked, wearing old clothes and scarf on the head;

Doctor, Curator or Priest - represent satirically the science, magic and religion, which are used to resuscitate the ox. These three elements dress according to profession;

Caretas or Papangus - represent a critique of the servitude of the Negro. They wear black robes (mask, carapinha, beret, etc.);

Farmer or Colonel - owner of the ox, which represents the domain of Mr. de Engenho. Usually uses a whip that represents the symbol of authority;

Galantes - are the very narrative of the theme. They sing and dance the praises without taking a direct part in the car. They usually wear silk costumes in vivid colors.

Animal Characters

Those that predominate are:

Burrinha - symbol of the work - is a hybrid composition, man and animal, formed by a framework in the form of burrinha;

Ema - symbol of sustenance - is a feathered frame, led by a boy;

Bode - symbol of sensual activities - is a cloth covering in the form of this animal, being used by an uninhibited element and gaiato;

Ox - a symbol of courage and haughtiness, which dies and resurrects, in a demonstration of the two opposing forces: good and evil. It is a light wooden frame covered with black or white cloth stained with black, all adorned with ribbons and mirrors to ward off the evils, which brings one or two men under its sash;

Jaraguá - which represents the supernatural and unknown world. It's a giraffe-shaped frame with horse's jaws, covered in vivid, impactful colors.

Presentation structure

The presentations are usually started with the presentation of each character, where each one has its moment and a characteristic song that obeys, in a general way, the form stanza-refrão.

The music

Now the musical sections are traditional, now they are modern taken advantage of the celebration of the people, the carnival. There are times when they are improvised, predominating the rhythms: march and baião.

The musical instruments are the most diverse and depend on the region where the bull is presented. Each one of them has its peculiar instruments: zabumba, triangle, tambourine, accordion, guitar, cavaquinho and, often, sax or clarinet. But, the real instrumental of the bumba-meu-boi is the one that composes what is called "Conjunto de Forró". In the Cariri area, this is often accompanied by the Cabaçal Band.


Oxen of predominantly indigenous influence, bulls, use the following instruments more:

Maracá: instrument made of tin, full of pellets or beads of Santa Maria. It is an instrument of both African and indigenous origin;

Matraca: made of wood, mainly pau d'arco, is played beating against each other;

Pandeirão: large tambourine, usually covered with goat leather. Some are more than 1 meter in diameter and about 10 cm in height. They are tuned to fire.

Drum ounce: It is a kind of cuica, it is played by pulling a stick that is attached to the leather and inside the instrument. It mimics the howling of the ox, or the ounce.

The oxen of zabumba mainly use:

Tamborinho: small drum covered with animal hide. The most common is to use agouti leather. It is touched with the fingertips.

Drum Ounce: It's a kind of cuicca. It is touched by pulling a rod that is attached to the leather inside the instrument;

Zabumba: is a great drum, also known as bass drum, is a typical African instrument;

Drum of Fire: made of a log of wood covered by fire and covered with a raw hide of ox, attached to the log by studs. It is a typically African instrument;

The Bois de Orquestra have a very varied instrumentation, using wind instruments such as saxophones, trombones, clarinets and pistons; Banjos, drums and tarols, and also mara.

The dance

The choreography appears as follows: the gallants form two strings, one on either side of the stage, while the figures are presented in order of entry with dances and varied steps, according to the rhythm.

The dance composes the whole space of the presentation, which is done with singing, dialogue and dance.

Through the improvisation of verses, used to mock some of the present, offering them what is of less importance (the parts of the ox) and that even provokes laughter in the audience: horns, tongue, gut, tail, etc.

After the resurrection of the ox, all sing, dance and say goodbye to the public.

Parintins Festival

Considered one of the largest regional festivals in the country, the Parintins Festival does not happen during carnival, but it can be compared to the great carnival events that take place in Brazil, because of its importance and grandeur. Present in the official calendar of events of or Parintins since 1965, the event is repeated every June. The name of the festival originates from the place where it happens, the Island of Parintins, 420 kilometers from Manaus.

During the festival an almost centenary rivalry is represented between two groups that staged in the streets of Parintins the folklore of the boi-bumbá.

Each of the oxen staged the legend in their own way

The guaranteed ox, founded in 1913, was the first to stage. It is the most popular of the groups and its color is red.

Nine years later the ox was founded Galante, that would be called Caprichoso from 1925. Its color is the blue that represents the Amazonian elite.

Until the year 1987, the dispute between the oxen happened in the center of Parintins. The following year an arena was built, to which the presentations were transferred. Today, the event receives about one hundred thousand people in the "bumbódromo" in the three nights of dispute. Unlike what happens in the sambodromos, only 5% of the bumbódromo tickets are sold, the remainder is distributed free to the cheers of the oxen.

The Toadas

The predominant rhythm is called Toada. The toadas are songs that generally reflect the regional peculiarities of Brazil, that is, it is not an exclusively Amazonian rhythm. It can be composed of melodies of various types: simple, sometimes tearful and sad, sometimes alacre and bumpy, sometimes comical or satirical. In general, toadas are not romanticized, but they have stanzas and choruses. Until the end of the 80's, in the Amazon, the toadas were songs whose lyrics exalted the boi and cabocla parintinense culture.

In the 90's, the indigenous theme that was successfully introduced in Boi Bumbá de Parintins, gained strength, especially with the advent of indigenous rituals, which became the highlight of the Festival.

With the success of such toadas, the public of the capital, Manaus, adopted the toada as a symbol of the Amazonian culture.

The parade

About three thousand and five hundred members of each bull parade by night, divided into 30 tribes (a kind of samba school wing). Each ox has a master of ceremonies, which tells the plot and the allegories.

The Guaranteed and the Whimsical parade for three nights, in performances that last two and a half hours. The choreographies of the oxen are rehearsed for six months in the "corrals", spaces equivalent to the samba school blocks.

In Parintins, each ox presents about twenty toadas - songs of simple melody on the legend of the boi-bumbá - accompanied by a drum composed of approximately five hundred musicians. The allegories are pushed by people and can reach 40 meters in length and 12 meters in height.


The Cultural Heritage Advisory Council approved in August 2012 the Cultural Complex of Bumba-meu-boi do Maranhão as Cultural Heritage of Brazil. The proposal was presented in 2008 to the Institute of National Historical and Artistic Heritage - Iphan by the Interinstitutional Commission of Work, composed by the Iphan Regional Superintendence and the current Iphan Superintendence in Maranhão, State Secretariat of Culture, Municipal Cultural Foundation, Maranhense Commission Of Folklore, Research Group of Religion and Popular Culture of UFMA, representatives of the Groups of Bumba-meu-boi of the Accents of the Baixada, Matraca, Zabumba, Coast-of-hand, Orchestra and of Oxen Alternatives.

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Author: Massuel dos Reis Bernardi

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.


Bumba meu boi.

Autor: Massuel dos Reis Bernardi

Bumba meu boi, boi-bumbá ou pavulagem é uma dança do folclore popular brasileiro, com personagens humanos e animais fantásticos, que gira em torno da morte e ressurreição de um boi. Um auto popular (folguedo) encontrado em todo o Brasil principalmente nas regiões Norte e Nordeste. Também considerado um auto ou drama pastoril que, por tradição, é representado em campo aberto ou residências particulares, durante o período natalino, como sobrevivência das festividades cristãs medievais, em que o culto do boi se fazia em homenagem ao nascimento de Cristo.

A festa do bumba meu boi surgiu no nordeste do país. Assim foram criadas lendas, todas sem qualquer fundamento histórico, mas como muitas outras Danças Populares são contadas e atravessam gerações perdurando nas culturas populares brasileiras.

Sua origem está ligada ao ciclo do gado, e no estado do Maranhão apresenta-se com características próprias no Estado. Lá é realizado em comemoração á Santo Antônio, São Pedro, São João e São Marçal.

“o Bumba-meu-boi diferenciou-se das demais formas nacionais, adotando um conteúdo ritualístico próprio, diversificando seus estilos e sotaques; criando novas formas de apresentação, de músicas, de adereços e pautando sua sobrevivência pelo gosto popular, sem, no entanto, desrespeitar a lenda que dá origem ao auto” (GOMES 2009 apud MARQUES,1999)

A história se desenvolve a partir de um auto onde a história central é comum a todos os grupos, com poucas variações regionais. Possui um ciclo próprio composto pelos ensaios, o nascimento (ou renascimento) e o batismo de um novo Boi, as apresentações públicas e a morte, para então ressurgir no próximo ano.

O termo Bumba-meu-boi, diverge opiniões. Para Gustavo Barrosos (1923), a expressão “Bumba-meu-boi” significa “zabumba, meu boi” ou “o zabumba está te acompanhando boi”, porque durante a exibição do boi, o coro que canta o estribilho diz: “ê bumba, marcando o ritmo no zabumba. Para Câmara Cascudo (1956), “Bumba” é a interjeição “zás” que significa: “Bate, chifra, meu boi”.

Este folguedo vem de uma tradição luso-ibérica do século XVI, com outras influências europeias como a da antiga comédia popular italiana, presente nesta farsa com seus diálogos improvisados e seus personagens burlescos, e ainda sob influência inglesa no que diz respeito ao uso da máscara e na ausência do elemento feminino.

No Nordeste, o Bumba-meu-boi nasceu dos escravos e pessoas pobres agregadas dos engenhos e fazendas, trabalhadores rurais e de árduos ofícios nas cidades, sem a participação feminina. Formado no cenário do ciclo do couro onde a área pastoril nordestina era bastante desenvolvida, contando, principalmente com o papel relevante do vaqueiro, o personagem central.

Uma das lendas em torno de seu surgimento diz que a festa surgiu no Estado do Piauí, pois a região onde hoje se situa o Piauí começou a ser povoada por vaqueiros que vinham da Bahia em busca de novas pastagens para o gado. Porém, o único fato conhecidamente certo sobre a história do surgimento dessa festa é o de um episódio ocorrido no período da dominação holandesa no estado de Pernambuco, mais precisamente em Recife. Esse acontecimento é denominado de episódio do Boi Voador, e que, a partir dai, teria evoluído para uma lenda com uma história mais elaborada tal como é hoje.

Mas é no Estado do Maranhão que o bumba meu boi tem sido mais valorizado em todo o nordeste e, dali, exportado para o Estado do Amazonas com o nome de boi-bumbá, visitado anualmente por milhares de turistas que vão conhecer o famoso Festival Folclórico de Parintins, realizado desde 1913.

Atualmente, a essência da lenda enlaça a sátira, a comédia, a tragédia e o drama, e demonstra sempre o contraste entre a fragilidade do homem e a força bruta de um boi. Esta essência se originou da lenda de Catirina e Pai Francisco, de origem nordestina. Ao ser levada para a região Norte, sofreu adaptação à realidade amazônica, e faz reverência ao boi como se esse fosse nativo da floresta Amazônica (o que é historicamente incorreto, pois o gado bovino não é nativo das Américas), também exaltando a alegria, sinergia e força das festas coletivas indígenas.

Ao espalhar-se pelo país, o bumba meu boi adquire nomes, ritmos, formas de apresentação, indumentárias, personagens, instrumentos, adereços e temas diferentes. Dessa forma:

Em Pernambuco é chamado boi-calemba ou bumbá;

No Maranhão, Rio Grande do Norte, Alagoas e Piauí é chamado bumba meu boi;

No Ceará, é boi de reis, boi-surubim e boi-zumbi;

Na Bahia, é boi-janeiro, boi-estrela-do-mar, dromedário e mulinha-de-ouro;

Em Minas Gerais, Rio de Janeiro, Cabo Frio e Macaé (em Macaé, há o famoso boi do Sadi) é bumba ou folguedo-do-boi;

No Espírito Santo é boi de reis;

Em São Paulo é boi de jacá e dança-do-boi;

No Pará e Amazonas, é boi-bumbá ou pavulagem;

No Paraná, e Santa Catarina, é boi-de-mourão ou boi-de-mamão;

No Rio Grande do Sul é bumba, boizinho, ou boi-mamão.


Existem muitas histórias sobre a lenda do boi. Uma das mais conhecidas é a que envolve um casal de negros, Pai Francisco (Chico) e Catirina, empregados de uma fazenda e um boi (o novilho querido do fazendeiro).

A história se desenrola a partir do desejo de Catirina, que grávida, tem desejo de comer língua de boi. Chico para satisfazer o desejo de sua mulher, rouba o Boi para arrancar a língua e cozinhar para sua esposa.

O fazendeiro dando por falta do seu boi novilho querido, ordena que os vaqueiros e os índios o procurem. Estes ao encontrarem o Boi, notam que ele está doente.

O fazendeiro ao saber da doença do boi chama o curandeiro/pajé/médico para curá-lo.

Após muitas tentativas, o boi finalmente é curado (ressuscita), e o fazendeiro, perdoa Pai Chico e Catirina, encerrando a representação com uma grande festa.

A manifestação apresenta grande plasticidade e grande relevância sócio-política, cuja perpetuação até os dias de hoje é a justificativa de sua permanência funcional. Sob o formato de um teatro popular do povo e para o povo, onde se entrecruzam raças, classes sociais, anseios, críticas, religiosidade, fantasia, conhecimento e desconhecimento do mundo real e do sobrenatural, num desfilar constante de cantos e danças nos quais os participantes vivem e revivem os momentos mais divertidos e pitorescos da sua vida cotidiana.


Os personagens do Bumba-meu-boi são classificados em categorias: humanos e animais fantásticos, variando conforme o lugar podem ter nomenclaturas diversas.

Personagens Humanos

Os personagens humanos mais comuns são:

Vaqueiro – figura representativa do sertão, veste-se a caráter com gibão e chapéu de couro;

Catirina – representa a prostituição e é sempre um homem travestido de negra despachada, usando roupa velha e lenço na cabeça;

Doutor, Curador ou Padre – representam de maneira satírica a ciência, a magia e a religião, às quais se recorrem a fim de ressuscitar o boi. Estes três elementos se vestem de acordo com a profissão;

Caretas ou Papangus – representam uma crítica à servidão do negro. Usam trajes de negrinhos (máscara, carapinha, boina, etc.);

Fazendeiro ou Coronel – dono do boi, que representa o domínio do senhor de Engenho. Usa geralmente uma chibata que representa o símbolo da autoridade;

Galantes – são a própria narrativa do tema. Cantam e dançam as loas sem tomarem parte direta no auto. Vestem geralmente trajes de seda, em cores vivas.

Personagens Animais

Os que predominam são:

Burrinha – símbolo do trabalho – é uma composição híbrida, homem e animal, formada por um arcabouço em forma de burrinha;

Ema – símbolo do sustento – é uma armação coberta de penas, conduzida por um garoto;

Bode – símbolo das atividades sensuais – é uma coberta de pano na forma desse animal, sendo usada por um elemento desinibido e gaiato;

Boi – símbolo da coragem e da altivez, que morre e ressuscita, numa demonstração das duas forças antagônicas: o bem e o mal. É uma armação de madeira leve, coberta de tecido preto ou branco manchado de preto, todo adornado de fitas e espelhinhos para afugentar os males, que traz um ou dois homens sob seu arcabouço;

Jaraguá – que representa o mundo sobrenatural e desconhecido. É uma armação em forma de girafa com queixada de cavalo, coberta com cores vivas e que causam impacto.

Estrutura de apresentação

As apresentações, geralmente são iniciadas com a apresentação de cada personagem, onde cada um tem seu momento e uma música característica que obedece, de um modo geral, à forma estrofe-refrão.

A Música

Ora os trechos musicais são tradicionais, ora são modernos aproveitados da festa do povo, o carnaval. Vezes há em que são improvisados, predominando os ritmos: marcha e baião.

Os instrumentos musicais são os mais diversos e dependem da região onde se apresenta o boi. Cada uma delas tem seus instrumentos peculiares: zabumba, triângulo, pandeiro, sanfona, violão, cavaquinho e, muitas vezes, sax ou clarineta. Mas, o verdadeiro instrumental do bumba-meu-boi é aquele que compõe o que se chama “Conjunto de Forró”. Na zona do Cariri, este é muitas vezes acompanhado pela Banda Cabaçal.


Os bois de influência predominantemente indígena, bois de matraca, utilizam mais os seguintes instrumentos:

Maracá: instrumento feito de lata, cheio de chumbinhos ou contas de Santa Maria. É um instrumento de origem tanto africana como indígena;

Matraca: feita de madeira, principalmente pau d'arco, é tocada batendo-se uma contra a outra;

Pandeirão: pandeiro grande, coberto geralmente de couro de cabra. Alguns têm mais de 1 metro de diâmetro e cerca de 10 cm de altura. São afinados a fogo.

Tambor onça: É uma espécie de cuíca, toca-se puxando uma vareta que fica presa ao couro e dentro do instrumento. Imita o urro do boi, ou da onça.

Os bois de zabumba utilizam principalmente:

Tamborinho: pequeno tambor coberto de couro de bicho. O mais comum é usar couro de cutia. É tocado com a ponta dos dedos.

Tambor Onça: É uma espécie de cuíca. Toca-se puxando uma vareta que fica presa ao couro dentro do instrumento;

Zabumba: é um grande tambor, conhecido também como bumbo, é um instrumento tipicamente africano;

Tambor de Fogo: feito de uma tora de madeira ocada a fogo e coberto por um couro cru de boi preso à tora por cravelhas. É um instrumento tipicamente africano;

Os Bois de Orquestra têm instrumentação muito variada, utilizam instrumentos de sopro como saxofones, trombones, clarinetas e pistões; banjos, bumbos e taróis, e também mara.

A Dança

A coreografia se apresenta da seguinte maneira: os galantes formam dois cordões, um de cada lado do cenário, enquanto as figuras vão se apresentando por ordem de entrada com danças e passos variados, de acordo com o ritmo.

A dança compõe todo o espaço da apresentação, o que é feito com canto, diálogo e dança.

Através da improvisação de versos, aproveitados para ironizar alguns dos presentes, oferecendo-lhes o que há de menor importância (as partes do boi) e que chega a provocar gargalhadas na plateia: chifres, língua, tripa, rabo, etc.

Após a ressurreição do boi, todos cantam, dançam e se despedem do público.

Festival de Parintins

Considerado uma das maiores festas regionais do país, o Festival de Parintins não acontece durante o carnaval, mas pode ser comparada às grandes manifestações carnavalescas que acontecem pelo Brasil, por sua importância e grandiosidade. Presente no calendário oficial de eventos de ou Parintins desde 1965, o evento se repete todo mês de junho. O nome do festival é originário do lugar onde ela acontece, a Ilha de Parintins, a 420 quilômetros de Manaus.

Durante o festival é representada uma rivalidade quase centenária entre dois grupos que encenavam nas ruas de Parintins o folclore do boi-bumbá.

Cada um dos bois encenam a lenda à sua maneira

O boi Garantido, fundado em 1913, foi o primeiro a encenar. É o mais popular dos grupos e sua cor é a vermelha.

Nove anos depois foi fundado o boi Galante, que viria a se chamar Caprichoso a partir de 1925. Sua cor é o azul que representa a elite amazonense.

Até o ano de 1987, a disputa entre os bois aconteciam no centro de Parintins. No ano seguinte foi construído uma arena, para onde as apresentações foram transferidas. Hoje, o evento recebe cerca de cem mil pessoas no "bumbódromo" nas três noites de disputa. Diferente do que acontece nos sambódromos, apenas 5% dos ingressos do bumbódromo são vendidos, o restante é distribuído de graça para as torcidas dos bois.

As Toadas

O ritmo predominante se chama Toada. As toadas são cantigas que em geral refletem as peculiaridades regionais do Brasil, ou seja, não se trata de um ritmo exclusivamente amazonense. Pode ser composto por melodias de diversos tipos: simples, ora chorosa e triste, ora álacre e buliçosa, ora cômica ou satírica. Em geral, as toadas não são romanceadas, mas possuem estrofes e refrãos. Até o final dos anos 80, no Amazonas, as toadas eram músicas cujas letras exaltavam o boi e a cultura cabocla parintinense.

Na década de 90, a temática indígena que foi introduzida com sucesso no Boi Bumbá de Parintins, ganhou mais força, principalmente com o advento dos rituais indígenas, que se tornaram o ponto alto do Festival.

Com o sucesso de tais toadas, o público da capital, Manaus, adotou a toada como símbolo da cultura amazonense.

O Desfile

Cerca de três mil e quinhentos integrantes de cada boi desfilam por noite, divididos em 30 tribos (uma espécie de ala de escola de samba). Cada boi possui um mestre de cerimônias, que narra o enredo e as alegorias.

O Garantido e o Caprichoso desfilam por três noites, em apresentações que duram duas horas e meia. As coreografias dos bois são ensaiadas durante seis meses nos "currais", espaços equivalentes às quadras de escolas de samba.

Em Parintins, cada boi apresenta cerca de vinte toadas - canções de melodia simples sobre a lenda do boi-bumbá - acompanhados por uma bateria composta por aproximadamente quinhentos músicos. As alegorias são empurradas por pessoas e podem chegar a 40 metros de comprimento e 12 metros de altura.


O Conselho Consultivo do Patrimônio Cultural aprovou em agosto de 2012 o Complexo Cultural do Bumba-meu-boi do Maranhão como Patrimônio Cultural do Brasil. A proposta de foi apresentada em 2008 ao Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional – Iphan pela Comissão Interinstitucional de Trabalho, composta pela Superintendência Regional do Iphan e atual Superintendência do Iphan no Maranhão, Secretaria de Estado de Cultura, Fundação Municipal de Cultural, Comissão Maranhense de Folclore, Grupo de Pesquisa Religião e Cultura Popular da UFMA, representantes dos Grupos de Bumba-meu-boi dos Sotaques da Baixada, Matraca, Zabumba, Costa-de-mão, Orquestra e de Bois Alternativos.

Выставка «Обретение» --- Exhibition "Acquisition" --- Exposição: Descobrindo

30 марта в Краснодарском художественном музее имени Ф. А. Коваленко открывается совместный выставочный проект Владимира Аксенова и Геннадия Кузькина «Обретение».

В. Аксенов. Времечко

Несмотря на разность творческих устремлений, общим знаменателем для художников выступает желание утвердить свое существование во времени, выразить личностную уникальность вне зависимости от восприятия и оценок социума. В процессе создания произведений происходит обретение собственного пространства с присущей только ему системой ценностей, метафизической географией и субъективной мифологией.

В. Аксенова и Г. Кузькина объединяет серьезный подход к созданию произведений, продуманность замысла и тщательность его воплощения. Пропустив через себя обширный спектр стилистических направлений, каждый из них обрел свой неповторимый творческий почерк. В настоящее время художники тяготеют к абстракции. Традиционную живописную технику совмещают с приемами коллажа, большое внимание уделяют фактуре произведений.

Владимир Аксенов окончил Красноярское художественное училище имени В. И. Сурикова. Живет и работает в Новороссийске, помимо родного города выставлялся в Краснодаре, Сочи, Москве, Санкт-Петербурге, Манчестере (Великобритания), Харбине (Китай). Его работы отличает сложный образный строй, в них отсутствуют пояснения и указатели, так что зрителю приходится самостоятельно ориентироваться в многомерности создаваемых художником миров.

Геннадий Кузькин – выпускник художественно-графического факультета Дагестанского Государственного педагогического института – как художник сформировался в Махачкале. Переехав в 2013 году в Абинск Краснодарского края, значительно изменил тематику и художественный язык произведений. Ему свойственны лаконичность, отточенность символики, ирония по поводу бесчеловечности современной цивилизации.

Выставочный проект «Обретение» предполагает творческое осмысление со стороны зрителей, потому что обрести что-либо – понимание, ответ на вопрос, представление о себе и окружающем мире – можно только при собственном активном участии.

Для посетителей 12+

Выставка будет работать по 9 апреля в здании музея по адресу: ул. Красная, 13, 1-й этаж.

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.

--in via tradutor do google
Exhibition "Acquisition"

March 30 in the Krasnodar Art Museum named after F. A. Kovalenko opens a joint exhibition project of Vladimir Aksenov and Gennady Kuzkin "Finding".

   Vladimir Aksenov

Despite the difference in creative aspirations, the common denominator for artists is the desire to assert their existence in time, express personal uniqueness regardless of perception and evaluation of society. In the process of creating works, the acquisition of its own space with its inherent value system, metaphysical geography and subjective mythology.

V. Aksenova and G. Kuzkin unites a serious approach to the creation of works, the thoughtfulness of the plan and the thoroughness of its implementation. Having passed through a vast range of stylistic trends, each of them gained his unique creative handwriting. Currently, artists gravitate toward abstraction. Traditional pictorial technique is combined with the techniques of collage, much attention is paid to the texture of the works.

Vladimir Aksenov graduated from the Krasnoyarsk Art College named after VI Surikov. Lives and works in Novorossiysk, in addition to his native city exhibited in Krasnodar, Sochi, Moscow, St. Petersburg, Manchester (Great Britain), Harbin (China). His work is distinguished by a complex imagery, there are no explanations and pointers, so that the viewer has to independently orient himself in the multidimensionality of the worlds created by the artist.

Gennady Kuzkin - a graduate of the art and graphic department of the Dagestan State Pedagogical Institute - as an artist formed in Makhachkala. Having moved to Abinsk in Krasnodar Region in 2013, he significantly changed the subject and artistic language of the works. It is characterized by laconicism, the refined symbolism, irony about the inhumanity of modern civilization.

The exhibition project "Acquisition" assumes creative comprehension on the part of the audience, because you can find something - understanding, answering the question, understanding yourself and the world around you - only with your active participation.

For visitors 12+

The exhibition will run on April 9 in the museum building at: ul. Red, 13, 1st floor.

--br via tradutor do google

Exposição: Descobrindo.

F. A. Kovalenko abriu um projeto de exposição conjunta Vladimira Aksenova e Gennady Kuz'kina 30 de março em Krasnodar Art Museum. descoberta

Apesar da diferença de aspirações criativas, o denominador comum para os artistas por um desejo de afirmar a sua existência no tempo, para expressar a personalidade única, independentemente das percepções e avaliações da sociedade. No processo de criação de obras que vão sobre encontrar o seu próprio espaço com inerente apenas o seu sistema de valores, geografia metafísica e mitologia subjetiva.

Aksenov e G. Kuz'kina combina uma abordagem séria para a criação de produtos, design inteligente e o rigor da sua implementação. Passou por uma extensa gama de direções estilísticas, cada um deles tem encontrado o seu próprio estilo artístico único. Atualmente, os artistas tendem a abstração. técnica de pintura tradicional combinada com técnicas de colagem, prestar muita atenção para as obras de textura.

Vladimir Aksyonov se formou na Escola de Arte Surikov Krasnoyarsk. Vive e trabalha em Novorossiysk, além de sua cidade natal exibido em Krasnodar, Sochi, Moscou, São Petersburgo, Manchester (Reino Unido), Harbin (China). Sua obra se distingue por imagens complexas, eles não contêm explicações e sugestões, de modo que o espectador tem de orientar-se na multidimensionalidade de mundos criados pelo artista.

Gennady Kuz'kin - graduação faculdade arte gráfica do Daguestão Estado Instituto Pedagógico - foi formada como um artista em Makhachkala. Depois de se mudar em 2013 em Abinsk Krasnodar Território, alterou significativamente as obras sujeitas e artísticas da língua. Ele é caracterizado pela concisão, elegância simbolismo, ironia sobre a desumanidade da civilização moderna.

O projeto de exposição "Adquirente" envolve o pensamento criativo por parte dos telespectadores, porque para encontrar alguma coisa - a compreensão, a resposta para a questão da representação de si e do mundo que nos rodeia - só é possível com a participação ativa de sua própria.

Para os visitantes 12+

A exposição será executado em 9 de Abril no edifício do museu no endereço: ul. Red, 13, 1º andar.

Frederick Walker ARA RWS was an English social realist painter and illustrator described by Sir John Everett Millais as "the greatest artist of the century". --- Frederick Walker ARA RWS foi um pintor Inglês realista social e ilustrador descrito por Sir John Everett Millais como "o maior artista do século".

Early Life and training

Walker was born at 90 Great Titchfield Street, Marylebone in London, the elder of twins and the 5th son of William Henry, Jeweller, and Ann (née Powell) Walker - he was one of 8 children. His grandfather, William Walker had been an artist of some merit, who had exhibited regularly at the Royal Academy and British Institution between 1782–1802. Fredrick's mother was an embroideress, and became the family's chief breadwinner when his father died in 1847.

Life and work

"Comfort in grief" (1862)

Frederick received his education at a local school and later at the North London Collegiate School in Camden. He showed a talent for art from an early age teaching himself to copy prints using pen and ink - he also practiced drawing in the British Museum. From 1855–57 he worked in an architect's office in Gower Street but gave up architecture to become a student at the British Museum and at James Mathews Leigh's art school.

In March 1858 he was admitted as a student at the Royal Academy, and later that year also became a part-time apprentice wood engraver to Josiah Wood Whymper in Lambeth. It was here that he met fellow artists J W North and George Pinwell. During the 2 years of his apprenticeship he continued to paint in his spare time, in both oils and watercolours.

The Illustrator

Summer days (1866)

In 1859 he joined the Artists' society in Langham Chambers, and from 1860–65 achieved great success as a black and white illustrator for popular journals of the day such as Cornhill Magazine, Once a Week, Good Words, Everybody's Journal, and Leisure Hour. Much of his work during this period was engraved by Joseph Swain. He was oduced to satirist and author William Thackeray, the Cornhill's editor, for whom he provided drawings (e.g. "Comfort in grief") for "The Adventures of Philip", initially published as a serial but then as a book in 1862. He also illustrated Thackeray's unfinished novel "Denis Duval", magazine stories by Thackeray's daughter Ann Ritchie (many of these drawings later reproduced in watercolour), and provided drawings (e.g. "Summer days") for the Dalziel brothers which appeared in 2 poetry books, "A Round of Days" and "Wayside Posies".

The artist
Frederick Walker (from an early photograph)
London 26 May 1840 – 4 June 1875 St Fillans

Walker produced his first important watercolour, Strange faces in 1862 (Yale Center for British Art, New Haven), and in the following year Philip in Church which won a medal at the Paris Exhibition of 1867. Walker exhibited at the Old Watercolour Society from 1864 until the end of his life, becoming an associate member in February 1864. He was later made a full member in 1866, which entitled him to add the postnominal initials 'RWS' after his name. He was also elected an honorary member of the Belgian Watercolour Society in 1871.

In 1863 Walker exhibited his first oil painting, The Lost Path at the Royal Academy of Arts, and thereafter showed Wayfarers (1866; Private collection), Bathers (1867; Lady Lever Art Gallery), Vagrants (1868; Tate, London), The Old Gate[8] (1869), The Plough (1870; Tate, London), At the Bar (1871; Untraced), The Harbour of Refuge[9] (1872) and The Right of Way (1875). In 1871 he was elected an Associate Royal Academician (ARA).

Final years
The Vagrants (1868; Tate, London)

Walker never married and lived all his life in London with members of his family - brother John (d. 1868), sister Fanny (d. 1876) and mother (d. 1874) - residing in Bayswater from 1863. He twice visited Paris (in 1863 and 1867) and Venice (1868 and 1870 - in the latter year with his friend William Quiller Orchardson). In 1873 he travelled to Algiers in an unsuccessful attempt to recuperate from a bout of tuberculosis, which gradually worsened until his death in June 1875 at St Fillans in Perthshire, Scotland. He was buried at Cookham.

Postcard of The Harbour of Refuge, 1872, sent from Dunoon to Glasgow, Scotland, August, 1908.

Books partly illustrated by Walker

Thackeray, W. M. The Adventures of Philip[10] (London: Smith, Elder & Co, 1862).

Dalziel, George. A Round of days (London: Routledge, 1866).

Buchanan, R. W. Wayside Posies (London: Routledge, 1867).

Thackeray, W. M. Denis Duval(London: Smith, Elder & Co, 1867).

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.

--br via tradutor do google

Frederick Walker ARA RWS  foi um pintor Inglês realista social e ilustrador descrito por Sir John Everett Millais como "o maior artista do século".

Vida e trabalho
"Conforto no sofrimento" (1862)
Vida precoce e treinamento

Walker nasceu em 90 Great Titchfield Street, Marylebone em Londres, o mais velho de gêmeos e o quinto filho de William Henry, joalheiro, e Ann (née Powell) Walker - ele era um de 8 crianças. Seu avô, William Walker tinha sido um artista de algum mérito, que tinha exibido regularmente na Academia Real e instituição britânica entre 1782-1802. A mãe de Fredrick era uma embroideress, e transformou-se o chefe de família que ganha o pão quando seu pai morreu em 1847.

Frederick recebeu sua educação em uma escola local e mais tarde na North London Collegiate School em Camden. Ele mostrou um talento para a arte desde a mais tenra idade ensinando-se a copiar impressões usando caneta e tinta - ele também praticou desenho no Museu Britânico. De 1855-57 trabalhou em um escritório de arquiteto em Gower Street, mas desistiu de arquitetura para se tornar um estudante no Museu Britânico e na escola de arte de James Mathews Leigh.

Em março 1858 foi admitido como um estudante na academia real, e mais tarde esse ano transformou-se também um gravador de madeira do aprendiz do meio-tempo a Josiah Wood Whymper em Lambeth. Foi aqui que ele conheceu artistas J W North e George Pinwell. Durante os 2 anos de aprendizado, continuou a pintar em seu tempo livre, tanto em óleos quanto em aquarelas.

O Ilustrador
Dias de verão (1866)

Em 1859 ele se juntou à sociedade de artistas em Langham Chambers, e de 1860-65 obteve grande sucesso como ilustrador em preto e branco para revistas populares do dia, como Cornhill Magazine, uma vez por semana, Good Words, Everybody's Journal e Leisure Hour . Muito de seu trabalho durante este período foi gravado por Joseph Swain. Ele foi indicado ao satirista e autor William Thackeray, editor do Cornhill, para quem ele forneceu desenhos (por exemplo, "Comfort in grief") para "The Adventures of Philip", publicado inicialmente como um livro em série, mas depois como um livro em 1862. Ele também Ilustrou o romance inacabado de Thackeray "Denis Duval", histórias da revista pela filha Ann Ritchie de Thackeray (muitos destes desenhos mais tarde reproduzidos na aguarela), e forneceu desenhos (por exemplo "dias de verão") para os irmãos de Dalziel que apareceram em 2 livros de poesia, Round of Days "e" Posies de Wayside ".

O artista - (Londres 26 de maio de 1840 - 4 de junho de 1875 St Fillans)

Walker produziu sua primeira aquarela importante, faces estranhas em 1862 (centro de Yale para a arte britânica, New Haven), e no seguinte ano Philip na igreja que ganhou uma medalha na exposição de Paris de 1867. Walker expôs na sociedade velha da aguarela de 1864 Até o final de sua vida, tornando-se um membro associado em fevereiro de 1864. Ele foi mais tarde feito membro de pleno direito em 1866, que lhe deu o direito de acrescentar as iniciais pós-iniciais 'RWS' após o seu nome. Ele também foi eleito membro honorário da Belgian Watercolor Society em 1871.

Em 1863, Walker exibiu sua primeira pintura a óleo, The Lost Path na Royal Academy of Arts, e depois mostrou Wayfarers (1866, coleção privada), Bathers (1867, Lady Lever Galeria de Arte), Vagrants (1868, Tate, Londres) Porta Antiga [8] (1869), O Arado (1870; Tate, Londres), No Bar (1871; Untraced), O Porto de Refúgio (1872) eo Direito de Vía (1875). Em 1871 ele foi eleito Associado Real Acadêmico (ARA).

Últimos anos
Os vagabundos (1868, Tate, Londres)

Walker nunca se casou e viveu toda a sua vida em Londres com membros de sua família - irmão John (1868), irmã Fanny (1876) e mãe (1874) - residente em Bayswater a partir de 1863. Ele visitou duas vezes Paris Em 1863 e 1867) e Veneza (1868 e 1870 - no último ano com seu amigo William Quiller Orchardson). Em 1873 viajou a Argel em uma tentativa mal sucedida de recuperar-se de um bout da tuberculose, que gradualmente piorou até sua morte em junho 1875 em St Fillans em Perthshire, Scotland. Ele foi enterrado em Cookham.
Cartão do porto do refúgio, 1872, emitido de Dunoon a Glasgow, Scotland, agosto, 1908.

Livros parcialmente ilustrados por Walker

    Thackeray, W. M. As Aventuras de Philip [10] (Londres: Smith, Elder & Co, 1862).
    Dalziel, George. Uma rodada de dias (Londres: Routledge, 1866).
    Buchanan, R. W. Wayside Posies (Londres: Routledge, 1867).
    Thackeray, W. M. Denis Duval (Londres: Smith, Elder & Co, 1867).