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terça-feira, 1 de agosto de 2017

Puppet Magic at Hove Museum of England, - Museu Magico de Marionete em Hove, Inglaterra,

A new exhibition opens at Hove Museum tomorrow showcasing the work of local puppet artists. In this post, Martina Bellotto talks about her work behind the scenes and the artists involved.



The Art of Puppetry. Making Magic in the Museum is a vibrant and colourful display that brings together local puppet artists with their stories, puppets, props and stage designs.



“They seem to come alive with music, light and dance. This is the art of puppetry.” Philip Sugg

It has been very exciting for me to work on this new exhibition at Hove Museum in the last four months as part of my Workforce Development. It has been great to work with puppet artists and get closer to a form of art with which I was not familiar.


All is finally coming together in these last weeks. We have worked hard on the installation and the galleries are now ready to welcome visitors and to bring them into new worlds, where imagination meets reality. The puppets come alive thanks to the talent of the puppet artist, whether they are operated by string, glove or rod.



Puppetry is a very ancient form of theatre and can take many forms, but all share the same process of animating inanimate figures and objects to tell a story. The puppet artists taking part in this exhibition tell their different tales, from the traditional Italian figures of Punch and Judy to the enigmatic Slavic folktale of Baba Yaga. They show us different ways of storytelling with puppets whether it is through simple paper pop-up theatres, the ancient form of the shadow theatre, giant animal masks or mysterious marionettes.



These puppet artists have a very strong passion for theatre and storytelling which they express through their works. Their creativity and imagination bring twists to old stories as well as the creation of new ones.

The exhibition has two areas. The first overwhelms the visitor with the vibrant enchantment of colours, masks, portable theatres, shadow puppets, marionettes, jig dolls, fantoccini, props and figures. The second projects the visitor into a mystical world of folklore and mythology. This division of the galleries came naturally due to the different sensibilities, ways of working and using materials, and the different stories the artists tell.

The Puppet Artists

The puppet artists whose work can be seen in the exhibition are:

Amanda Rosenstein Davidson



Artist, art teacher, children’s book author, illustrator and craft designer. Amanda paints and exhibits works on themes that reflect her love of theatre, ballet and performance




Philip Sugg



Art historian and retired museum educator that now collaborates with a circle of puppeteers and artists on projects that turn his childhood dreams and passion for the stage into reality.

TouchedTheatre


A collaboration between award-winning puppetry director Darren East and writer/producer Beccy Smith. The duo are specialists in using puppetry, storytelling and film in participatory projects with people experiencing mental health difficulties.

Rust & Stardust



A puppet theatre company run by Eleanor Conlon and Katie Sommers. In their work they combine new writing, puppetry, costume making, music and education. They often use recycled materials and unexpected items in their creations.

Imogen Di Sapia



Brighton based artist/maker whose work ranges over the fields of textile crafts including weaving, costume and puppetry, whilst also creating unique therapeutic storytelling.

Liza Stevens



Liza is children’s author, illustrator and puppet maker. Her puppets are most often made from textiles, frequently using recycled materials.

The artists have created a close group that often works and exhibits together. Each brings their specialisation and experience to the magic to be discovered in this exhibition.

The exhibition will be accompanied by shows, workshops and opportunities to meet the artists. The first of these opportunities is coming very soon, an event open to all that will celebrate the Art of Puppetry exhibition and the other fantastic things to be found at the museum. This takes place on Bank Holiday Monday 29 May: Love Your Museum at Hove Museum.

The event will run from 10am to 4pm with a series of activities during the day for children and grown ups, such as puppet making and craft workshops, fun activities, trails and gallery resources, storytelling for children and talks for adults. There will be artists at work and the opportunity to talk with them, plus close contact with objects from the Royal Pavilion & Museums’ collection.

Come and join us for a fabulous day at Hove Museum!

Martina Bellotto, Gallery Explainer



Exhibition
The Art of Puppetry. Making Magic in the Museum
26 May-30 November 2017
Free admission


Event
Love Your Museum
Monday 29th may 2017
10am-4pm Free, Drop-in

Hove Museum & Art Gallery
19 New Church Road, Hove BN3 4A













Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 

but what modifies the way of looking and hearing.













--br via tradutor do google
Museu Magico de Marionete em Hove.

Uma nova exposição abre no Museu Hove, mostrando o trabalho de artistas de fantoches locais. Nesta publicação, Martina Bellotto fala sobre seu trabalho nos bastidores e os artistas envolvidos.

A Arte da Puppetry. Fazer magia no museu é uma exibição vibrante e colorida que reúne artistas de fantoches locais com suas histórias, fantoches, adereços e projetos de palco.

"Eles parecem ganhar vida com música, luz e dança. Esta é a arte da puppetry. "Philip Sugg

Foi muito emocionante para mim trabalhar nesta nova exposição no Museu Hove nos últimos quatro meses como parte do meu Desenvolvimento da força de trabalho. Foi ótimo trabalhar com artistas de fantoches e se aproximar de uma forma de arte com a qual não estava familiarizado.

Tudo está finalmente se juntando nestas últimas semanas. Trabalhamos arduamente sobre a instalação e as galerias estão agora prontas para receber visitantes e trazê-los para novos mundos, onde a imaginação atende a realidade. As marionetes ganham vida graças ao talento do artista de marionetes, sejam operados por cordas, luvas ou haste.

Puppetry é uma forma muito antiga de teatro e pode assumir muitas formas, mas todos compartilham o mesmo processo de animação de figuras e objetos inanimados para contar uma história. Os artistas de fantoches que participam desta exposição contam seus diferentes contos, das figuras italianas tradicionais de Punch e Judy ao enigmático povo popular eslavo de Baba Yaga. Eles nos mostram diferentes formas de contar histórias com fantoches, seja através de simples teatros pop-up de papel, a forma antiga do teatro sombrio, máscaras de animais gigantes ou misteriosas marionetas.

Esses artistas de marionetes têm uma paixão muito forte por teatro e narração de histórias que eles expressam através de suas obras. Sua criatividade e imaginação trazem torções para velhas histórias, bem como a criação de novas.

A exposição tem duas áreas. O primeiro supera o visitante com o encantamento vibrante de cores, máscaras, teatros portáteis, fantoches, figuras de marionetes, bonecas, fantoccini, adereços e figuras. O segundo projeta o visitante num mundo místico do folclore e da mitologia. Esta divisão das galerias veio naturalmente devido às diferentes sensibilidades, maneiras de trabalhar e usar materiais e as diferentes histórias que os artistas contam.

The Puppet Artists

Os artistas de fantoches cujo trabalho pode ser visto na exposição são:

Amanda Rosenstein Davidson

Artista, professora de arte, autor de livros infantis, ilustradora e designer de artesanato. Amanda pinta e exibe trabalhos sobre temas que refletem seu amor pelo teatro, pelo balé e pelo desempenho

Philip Sugg

Historiador de arte e educador de museu aposentado que agora colabora com um círculo de marionetes e artistas em projetos que transformam seus sonhos de infância e paixão pelo palco em realidade.

TouchedTheatre

Uma colaboração entre o premiado diretor de marionetes Darren East e o escritor / produtor Beccy Smith. A dupla é especializada no uso de títeres, narrativas e filmes em projetos participativos com pessoas com dificuldades de saúde mental.

Rust & Stardust

Uma companhia de teatro de marionetes dirigida por Eleanor Conlon e Katie Sommers. Em seu trabalho combinam novas obras de escrita, marionetes, fantasias, música e educação. Eles costumam usar materiais reciclados e itens inesperados em suas criações.

Imogen Di Sapia

Artista / criador baseado em Brighton, cujo trabalho abrange os campos de artesanato têxtil, incluindo tecelagem, fantasia e marionetes, criando também histórias terapêuticas únicas.

Liza Stevens

Liza é criadora de crianças, ilustradora e fantoche. Seus fantoches são mais frequentemente feitos de têxteis, freqüentemente usando materiais reciclados.

Os artistas criaram um grupo próximo que muitas vezes trabalha e exibe juntos. Cada um traz sua especialização e experiência para a magia a ser descoberta nesta exposição.

A exposição será acompanhada por shows, workshops e oportunidades para conhecer os artistas. A primeira dessas oportunidades está chegando em breve, um evento aberto a todos os que celebram a exposição Arte da Puppetry e as outras coisas fantásticas que se encontram no museu. Isso acontece no feriado bancário segunda-feira 29 de maio: Love Your Museum at Hove Museum.

O evento será executado das 10h às 16h com uma série de atividades durante o dia para crianças e adultos, como fazer fantoches e oficinas de artesanato, atividades divertidas, trilhas e recursos de galeria, contar histórias para crianças e conversas para adultos. Haverá artistas no trabalho e a oportunidade de conversar com eles, além de um contato próximo com objetos da coleção Royal Pavilion & Museums.

Venha se juntar a nós para um dia fabuloso no Hove Museum!

Martina Bellotto, explicadora da galeria

Exibição

A Arte da Puppetry. Fazendo magia no museu
26 de maio a 30 de novembro de 2017
Admissão grátis

Evento
Ame seu museu
Segunda-feira 29 de maio de 2017
10 am-4pm grátis, Drop-in

Hove Museum & Art Gallery

19 New Church Road, Hove BN3 4A

La Curaduría Contemporánea en el Arte

La curaduría moderna parece sufrir una crisis de identidad. El mundo activo de los curadores se está convirtiendo en industria, construyendo sus propias realidades a medida que la profesión va evolucionando rápidamente. Al mismo tiempo, se está convirtiendo en una práctica cada vez más multi-task, produciendo muchas y variadas especulaciones acerca de cómo funciona el oficio y qué es lo que implica desempeñarlo.



En el primer párrafo de un ensayo destinado a asesorar a una nueva generación de curadores, Harald Szeemann sugiere que examinemos la raíz de la palabra "curador", que proviene de curare, que significa "cuidar". Szeemann escribe: "Después de todo, la palabra "curador" contiene el concepto del cuidado". Pero, este concepto tiene una serie de implicaciones que influyen en cómo se entiende el papel del curador al día de hoy.

Melodie Mousset

A partir de 1362, el "curador" se usaba para designar a personas que cuidaban o autorizaban a menores de edad o incluso a personas fuera de su sano juicio, y fue en 1661 cuando ser "curador" comenzó a definir al "encargado de un museo, bibliotecas, zoológicos u otro lugar de exposiciones". En cualquier caso, el término aparece siempre acompañado de connotaciones jerárquicas - un curador es alguien que dirige algo - sugiriendo una relación inherente entre el cuidado y el control.

Muchos museos públicos fueron inicialmente financiados y dirigidos por el gobierno o estado, y los curadores eran, en aquellos tiempos, por lo tanto, funcionarios públicos, trabajando al servicio de políticos y burócratas. Algunos aquellos primeros museos fueron creados para ofrecer atención a la sociedad, utilizando el arte como una herramienta pedagógica. Las exposiciones entonces asumen un sentido caritativo con responsabilidad social. En otras circunstancias, el ímpetu es más ideológico, con el arte utilizado como propaganda.




Pasado el tiempo, los museos hacen el encargo de investigar, adquirir, documentar y exponer públicamente sus colecciones, y es cuando el curador se convierte en el difusor del buen gusto y del conocimiento para el "bien" público. Es lógico, entonces, que durante este proceso se tenga también la oportunidad de perfeccionarse, es lo que tiene lo de ofrecer y recibir generosidad. A este respecto, el cuidado adquiere un valor recíproco, en lugar de ser simplemente un acto de dudosa bondad o preocupación desinteresada, el curador se convierte en un conocedor tanto como un administrador. Su papel se extiende más allá de "supervisar" para abarcar lo que Foucault denomina "el cultivo del yo".




Foucault nos explica entonces que desde la antigüedad griega este afán se practicaba entre pequeños grupos sociales, que eran los "portadores de la cultura", quienes entendían que el "arte de la existencia" podía tener significado y valor si uno seguía el principio de "cuidarse a sí mismo". Foucault lo describe como la adopción de un enfoque de la vida que utiliza "procedimientos, prácticas y fórmulas de reflexión personal, estudiando, perfeccionando y enseñando". De este modo, llegó a constituir una práctica social, dando lugar a relaciones entre individuos, con intercambios y comunicaciones y, a veces, incluso con instituciones privadas. Podría decirse que varios museos modernos, entre ellos el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) o el Metropolitano, entre otros, se han desarrollado bajo tales condiciones, como un proceso socializado de auto-realización para aquellos que los crearon.




Con el paso de los años, las exposiciones bajo el dominio de la curaduría, ya no eran el cortijo particular del profesional del museo, el público ya no era una masa sin rostro, ese ya no era un ámbito desprovisto de personas a las que se las podía considerar participes en la creación de la cultura. Se produjo una rápida evolución a partir de entonces - como en los museos que reconocían la voz del artista, o las galerías dirigidas por artistas que se empleaban como organizadores de exposiciones - transformando la función del curador, potencialmente liberada ahora de las responsabilidades caritativas y del servicio al poder. Abierto a la reinterpretación, el papel del curador se hizo más flexible y, por lo tanto, también era más vulnerable.




A partir de mediados de los años 50, Szeemann y Hopps desarrollaron prácticas que han influido mucho en la percepción actual del curador y de la exhibición. Ambos también murieron a principios de 2005, lo que significó el cierre de una era de transformación importante en la producción cultural. Si bien sus perfiles y carreras eran marcadamente diferentes, compartieron el deseo de desafiar a la burocracia de las instituciones, ganando reputación por cuestionar activamente la forma de hacer exposiciones, así como por su compromiso sostenido con los artistas y su trabajos, si hablamos de museos de arte.




En 1969, y por poner algún ejemplo, diremos que el director de la Kunsthalle de Berna en Suiza, Szeemann inició "Live in Your Head", con el enunciado principal: "cuando las actitudes se convierten en formas". También creó "Works-Processes-Concepts-Situations-Information", una exposición que convirtió la galería en un estudio, con artistas viajando a Berna para producir instalaciones y acciones que se extiendieran hacia las calles de la ciudad. Puso nombre a las nuevas formas de arte que se estaban desarrollando bajo términos como "arte de la tierra", "arte conceptual", "anti-forma" y "arte povera". Esas nuevas actitudes marcaron el advenimiento del impulso curatorial contemporáneo, lo que Bruce Altshuler denomina: "el ascenso del curador como creador", por lo que la organización de la exposición se convirtió en un esfuerzo crítico y potencialmente experimental. Poco después de estos espectáculos, Szeemann dejó la Kunsthalle Fideicomisarios en gran medida en desacuerdo con sus métodos, desarrollando proyectos para una gran variedad de museos, galerías y bienales, así como para espacios cuasi-privados, no institucionales. A partir de este punto, su práctica se centró en el concepto de hacer exposiciones como un proceso continuo que estaba separado de las funciones programáticas de una institución. Se convirtió en el precursor del concepto de "viajero frecuente", "nómada", o curador "itinerante" (nosotros los denominamos "curadores mercenarios"). Szeemann, para entonces, ya había generado una serie de modelos curatoriales que ahora se dan por sentados.






Saltando el charco y un continente, Walter Hopps nunca terminó lo que podríamos denominar una educación formal. Comenzó a trabajar con músicos en la escena del jazz de Los Ángeles, lo que influyó en sus ideas sobre cómo ayudar a los artistas a mostrar una presencia pública de su trabajo. Tiempo después creó la Galería Ferus en 1957, con el artista Ed Keinholz, que sería la primera plataforma en Los Ángeles para el arte internacional de posguerra, así como para promocionar el trabajo de artistas desconocidos de la generación de la Costa Oeste, como eran Wallace Berman, Jay DeFeo y Georg Herms. Esta galería concebida sobre el espíritu de un colectivo de artistas, se convirtió en una exitosa empresa comercial (aunque aún experimental) en un año, bajo el liderazgo de Irvine Blum, estableciendo un impulso financiero que sigue siendo un aspecto controvertido (o quizá un poco transgresor) como objetivo para organizar exposiciones.




Conocido como un perfeccionista y no conformista que se negó a someterse a la lógica administrativa o la rutina de la institución, Hopps, sin embargo, trabajó para un buen número de museos y bienales, manteniendo su interés en el desarrollo de proyectos fuera de la galería o el museo. En el momento de su muerte, ya era editor de la revista de arte literario Grand Street, y también sirvió como curador adjunto en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, además de ocupar el cargo de curador principal de arte del siglo XX en el colección Menil en Houston (Texas).


Morgan Perrin en ADA Gallery


Lo que resulta quizás más interesante de Hopps sobre su práctica curatorial es la producción de exposiciones individuales de artistas vivos. Comisarió la primera retrospectiva de Marcel Duchamp en 1963 (organizando dos partidas de ajedrez en vivo para Duchamp como parte del espectáculo) y desarrolló presentaciones de la obra de Joseph Cornell, Barnett Newman, Robert Rauschenberg y Kurt Schwitters, por nombrar sólo algunos. En una entrevista con el curador Hans-Ulrich Obrist, Hopps dijo: "Para mí, un trabajo de un artista determinado tiene un tipo de conexión inherente con aquel que trata de relacionarse o de entender. Esto nos pone en un cierto estado psicológico". Su práctica implicaba la investigación sobre las maneras conducentes de presentar arte: "La buena curaduría de la obra de un artista - es decir, presentarla en una exposición - requiere una comprensión amplia y sensible de su obra, siendo este un trabajo que el curador está obligado a hacer. Este conocimiento necesita ir bien más allá de lo que realmente se muestra en la exposición".




Las acciones y actitudes de Szeeman y Hopps ponen de relieve factores clave de la curaduría en la actualidad: proporciona una plataforma para las ideas y los intereses de los artistas; debe ser sensible a las situaciones en que ocurre el proceso, y debe abordar creativamente los temas artísticos, sociales, culturales o políticos del momento. Podría decirse que el papel del curador ha pasado de una posición de gobierno, en el que predomina el gusto y las ideas, a otro que se encuentra entre el arte (u objeto), el espacio y el público. La motivación está más cerca de la experimentación y la indagación de las prácticas de los artistas, que del recorrido académico o burocrático del curador tradicional ("show me the money").




Si seguimos hablando de cambios y transformaciones, actualizando la descripción de Szeemann sobre el "fabricante de exposiciones", ahora podemos agregar, a una lista cada vez mayor de roles del curador, el de mediador, facilitador, intermediario y productor (y hasta ahí ya es suficiente, no vayan ustedes a convertirse también en historiadores ombudsman). En lugar de comparar al curador con un conductor, como lo hizo Hopps, vivimos en una época en que el curador es comparado con un rapero, o cualquier maestro similar de improvisación que "muestre y combine obras, acciones e ideas". Ahora la institución no es sólo el museo, sino toda una industria que ha crecido en torno a las exposiciones. Esta situación tiene similitudes con la descrita por Rosalind Krauss en su ensayo "Escultura en el campo ampliado", publicado por primera vez en octubre de 1979, reconociendo cada vez más las nuevas formas de práctica artística (como las que Szeemann y Hopps apoyaban). En la introducción de su texto escribe:


"A lo largo de los últimos diez años, las cosas más bien sorprendentes han llegado a llamarse escultura: corredores estrechos con monitores de televisión en los extremos; grandes fotografías documentando excursiones por el país; espejos colocados en ángulos extraños en habitaciones ordinarias; líneas temporales cortadas en el suelo del desierto. Nada, al parecer, podría haber dado paso a tan abigarrado esfuerzo por reivindicar lo que se podría significar como categoría de escultura. A menos que esta categoría pueda hacerse casi infinitamente maleable. "






Si reemplazamos la palabra escultura por exposición, esto también podría entenderse como un comentario sobre las formas recientes de la práctica curatorial. Yendo aun más lejos, podemos reemplazar la lista de Krauss de "cosas sorprendentes" con ejemplos recientes de exposiciones, para ver hasta dónde se ha extendido el término. Estas sorpresas podrían incluir: veintiséis días de transmisiones de radio en directo y por Internet; obras de arte que pueden ser tocadas y sacadas de la exposición; una selva viva a escala humana instalada junto a una cámara de gases de la risa; unidades móviles, espectáculos, museos al aire libre y proyecciones de películas ubicadas en el desierto (Burning Man). Por supuesto, tal lista podría adquirir muchas formas, pero al hacernos eco de las ideas de Krauss, podemos establecer fácilmente que las exposiciones contemporáneas ahora no sólo se ocupan de la presentación de una noción ampliada de la realidad, sino también magnificando sus propios espacios en los reinos de las ideas y de la virtualidad, así como experimentar con el papel del visitante en la "finalización" de un proyecto.


Listed Theatre


Dentro de la curaduría contemporánea las contradicciones son evidentes para todos. Hay una división cada vez mayor entre dos ámbitos: el independiente y el institucional que, supuestamente, se relaciona con dónde se encuentran las lealtades curatoriales en relación con los aspectos "vinculados históricamente" de la profesión. Estas categorizaciones son demasiado simplistas, dando lugar a percepciones restrictivas del papel del curador, incluso entre los que trabajan en el museo. Siguiendo el ejemplo de la señora Krauss, necesitamos retorcer un poco más la dialéctica y reconocer la diversidad de prácticas que continúan desarrollándose alrededor de los artistas y sus ideas. Tenemos que empezar a pensar en términos de un campo mucho más grande relacionado con la presión de ser curador.





Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
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Castelo Branco: Museum of Textiles is the concretization of a collective dream. - Castelo Branco: Museu dos Têxteis é a concretização de um sonho coletivo --

It was inaugurated on Saturday, the 29th, the Museum of Textiles, Cebolais de Cima. The museum housed in the former factory of Corga, represents an investment of about 1 million euros.


The inauguration of the space that was attended by hundreds of people, mostly inhabitants of Cebolais and Retaxo, went to Luís Correia, one of the moments "more emotional as a mayor."

The mayor confessed that this project represented a risk, since since the goal was to create a museum alive, with the machines to work, and was not sure that this was achieved, since the factory was closed many years ago, since 1996 

An assumed risk, which Luis Correia now says "was very worthwhile".

"We had some doubts about what we were going to do, because we were not sure we could get all the machines to work." "We always wanted to make a living, interactive museum. The inauguration.


Luís Correia explains that the Museum of Textiles is part of the network of museums of the county, are already 9, and will be a pole of attraction of visits to the parish of Cebolais / Retaxo.

"I am sure that it is an infrastructure that will pride the county and contribute to the development of this parish," adds the mayor.

During the visit visitors can watch the entire carding and spinning process, as it was done since the 1950s, with the machines in full operation, in two pavilions. The museum space is also made up of a small support bar and a garden with dye plants.

Miguel Vaz, president of the Town Council of Cebolais / Retaxo considers that the Museum of Textiles is now "a tribute to all those who contributed to the development of this industry, which has contributed so much to the development of the two localities."


"This Museum is the best testimony of our history, because here we complete the usual reports, with images (newspaper clippings and old photographs) with documents, and best of all the machines ... the ones in which it is still possible "This Museum is us, our parents, our grandparents, and it is from here that we will be able to convey all this, to our children and to all who visit us," said Miguel Vaz, The realization of a "collective dream".


The Museum will be open during the month of August just for residents and emigrants of Cebolais / Retaxo, opens to the public on September 1, as all museums closed on Mondays.







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--pt
Castelo Branco: Museu dos Têxteis é a concretização de um sonho coletivo 

Foi inaugurado no sábado, dia 29, o Museu dos Têxteis, nos Cebolais de Cima. O museu instalado na antiga fábrica da Corga, representa um investimento de cerca de 1 milhão de euros.



A inauguração do espaço que contou com a presença de centenas de pessoas, na maior parte habitantes dos Cebolais e Retaxo, foi para Luís Correia, um dos momentos "mais emotivos enquanto presidente de câmara".

O autarca confessa que este projeto representou um risco, pois desde sempre que o objetivo era criar um museu vivo, com as máquinas a trabalhar, e não havia a certeza que tal fosse conseguido, pois a fábrica estava fechada há já muitos anos, desde 1996.

Um risco assumido, que agora Luís Correia diz "valeu muito a pena".

"Havia algumas dúvidas do que íamos concretizar, pois não tínhamos a certeza que conseguiríamos colocar todas as máquinas a trabalhar. O nosso objetivo sempre foi fazer um museu vivo, interativo. Hoje podemos dizer que valeu mesmo a pena o risco" afirmou o autarca após a inauguração.

Luís Correia explica que o Museu dos Têxteis faz parte da rede de museus do concelho, são já 9, e será um polo de atração de visitas à freguesia de Cebolais/Retaxo.

"Tenho a certeza que é uma infraestrutura que orgulhará o concelho e contribuirá para o desenvolvimento desta freguesia" acrescenta o autarca.

Durante a visita os visitantes podem assistir a todo o processo de cardação e de fiação, tal como ele era feito desde os anos 50, com as máquinas em pleno funcionamento, em dois pavilhões. O espaço museológico é composto ainda por um pequeno bar de apoio, e um jardim com plantas tintureiras.


Miguel Vaz, presidente da Junta de Freguesia de Cebolais/Retaxo considera que o Museu dos Têxteis é agora, "uma homenagem a todos aqueles que contribuíram para o desenvolvimento desta industria, que tanto contribuiu para o desenvolvimento das duas localidades".


"Este Museu é o melhor testemunho da nossa história, porque aqui completam-se os relatos de sempre, com imagens (recortes de jornal e fotografias antigas), com documentos, e o melhor de tudo as máquinas… as tais em que ainda é possível sentir os tais cheiros. Este Museu somos nós, os nossos pais, os nossos avós, e é a partir daqui que vamos conseguir transmitir tudo isto, aos nossos filhos e a todos os que nos visitem" afirmou emocionado Miguel Vaz que considera a criação do museu a concretização de um "sonho coletivo".

O Museu vai estar aberto durante o mês de agosto apena para moradores e emigrantes de Cebolais/Retaxo, abre ao público a 1 de setembro, como todos os museus encerra às segundas-feiras.






The fantastic museum of the Fabuloserie. - Le fantastique musée de la Fabuloserie. - O fantástico museu Fabuloserie.

Created by the architect Alain Bourbonnais, this magical place shelters the heterogeneous works of unknown artists. Pierre Avezard, whose amusement ride continues to amaze the visitors.

They have not frequented the Fine Arts, are unaware of the academic rules governing the outlook, and freely free themselves from the play of shadows and lights. However, they are full-fledged artists whose works are gathered at the Fabuloserie museum in Dicy, a village of 300 inhabitants, located a few cables from the Loiret.

Welcome to the unusual world of "out-of-the-art art", to which the painter and sculptor, Jean Dubuffet, had given the name of "art brut".

The history of this astonishing museum is irremediably linked to the architect Alain Bourbonnais (1925-1988). As a full-fledged artist, he is also a sculptor, creator and collector.

Miscellaneous Works

In the Jacob workshop he opened in 1973, in the heart of the Parisian district of Saint-Germain-des-Prés, he exhibited incredible, biscornuous, heteroclite works. Many of them were carried out by people detained in psychiatric hospitals. Their inspiration is extravagant, their fantastic work. Like André Robillard, one of the most famous patients of the specialized hospital Georges-Daumezon.



The friendship that Alain Bourbonnais has sealed with Jean Dubuffet is not alien to this audacious project. As a fascinated collector, the chief architect of the civil buildings and national palaces is now working to give these shadow artists the status of a city, and to honor their work.

Cabinet of curiosities

After ten years, he closed the Jacob gallery and gathered all the works accumulated over time in a cabinet of curiosities, whose secondary residence he acquired in Dicy, serves as a wonderful jewel case.

And then, in 1983, he decided to open this collection to the public and to highlight the creations of these artists, mostly unknown. Thus was born the Fabuloserie, which Alain Bourbonnais enriched, in his own way, by dedicating a whole piece to his Turbulents, phantasmagoric and animated personages straight out of his fertile imagination.


From this abounding world, there arise here large rag dolls, colorful paintings, here again unlikely sculptures.

A moving carousel

But the most astonishing remains to be discovered. Because the visit of the museum continues in the park of the property, where a fantastic world awaits the visitor. Not far from the Ark of Noah, dotted with various characters and animals musicians fashioned in concrete reinforced by Camille Vidal, manufacturer of cement of his state, conceals the ride of Petit Pierre. An enchantment.


The earliest Loirtains probably remember this astonishing achievement, composed of an incredible tangle of pieces of metal, stems, cogs and materials of recovery, to which gave life Pierre Avezard, a handicapped coworker employed at The farm of La Coinche, at Fay-aux-Loges.


For years, whole families have marveled at this moving carousel, made of bricks and pitcher. In 1987, while Petit Pierre had been placed in retirement home and was crying every day his riding, Alain Bourbonnais proposed to transport him to Dicy.

Two years of work were necessary to dismantle the fragile building, number each of the rooms and go back to the same.

Every year, nearly 15,000 of them take the step of Fabuloserie and rage in front of the magic of this magnificent tribute to out-of-standard art.


I go. Open every afternoon in July and August from 2pm to 7pm. Full price: 9 euros, reduced price: 5 euros, group rate: 8 euros. Such. 03.86.63.64.21.






http://www.larep.fr/charny-oree-de-puisaye/loisirs/fetes-sorties/2017/07/30/le-fantastique-musee-de-la-fabuloserie_12500452.html

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
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--fr
Le fantastique musée de la Fabuloserie.

Créé par l’architecte Alain Bourbonnais, ce lieu magique abrite les œuvres hétéroclites d’artistes inconnus. Au premier rang desquels figure Pierre Avezard, dont le manège continue d’émerveiller les visiteurs.

Ils n’ont pas fréquenté les Beaux-arts, ignorent tout des règles académiques régissant les perspectives, et s’affranchissent volontiers des jeux d’ombres et de lumières. Ce sont pourtant des artistes à part entière, dont les œuvres sont rassemblées au musée de la Fabuloserie, à Dicy, village de 300 habitants, situé à quelques encablures du Loiret.

Bienvenue dans le monde insolite de « l’art hors-les-normes », auquel le peintre et sculpteur, Jean Dubuffet, avait donné le nom d’« art brut ».

L’histoire de cet étonnant musée est irrémédiablement liée à l’architecte Alain Bourbonnais (1925-1988). Artiste à part entière, l’homme est aussi sculpteur, créateur et collectionneur.

Œuvres hétéroclites

Dans l’atelier Jacob qu’il ouvre en 1973, au cœur du quartier parisien de Saint-Germain-des-Prés, il expose des œuvres incroyables, biscornues, hétéroclites. Un grand nombre d’entre elles ont été réalisées par des personnes internées en hôpital psychiatrique. Leur inspiration est extravagante, leur travail fantastique. À l’image d’André Robillard, l’un des plus célèbres patients du centre hospitalier spécialisé Georges-Daumezon.

L’amitié qu’Alain Bourbonnais a scellée avec Jean Dubuffet n’est pas étrangère à ce projet audacieux. En collectionneur fasciné, l’architecte en chef des bâtiments civils et palais nationaux s’emploie désormais à donner droit de cité à ces artistes de l’ombre, et à honorer leur travail.

Cabinet de curiosités

Au bout de dix années, il ferme la galerie Jacob et rassemble toutes les œuvres accumulées au fil du temps dans un cabinet de curiosités, dont la résidence secondaire qu’il a acquise à Dicy, fait office de merveilleux écrin.

Et puis, en 1983, il décide d’ouvrir cette collection au public et de mettre en lumière les créations de ces artistes, pour la plupart inconnus. Ainsi naît la Fabuloserie, qu’Alain Bourbonnais étoffe, à sa manière, en consacrant une pièce entière à ses Turbulents, personnages fantasmagoriques et animés tout droit sortis de sa fertile imagination.

De ce monde foisonnant, surgissent ici de grandes poupées de chiffon, là des tableaux bigarrés, là encore des sculptures improbables.

Un émouvant manège

Mais le plus étonnant reste à découvrir. Car la visite du musée se poursuit dans le parc de la propriété, où un monde fantastique attend le visiteur. Non loin de l’Arche de Noé, parsemée de personnages divers et d’animaux musiciens façonnés en béton armé par Camille Vidal, fabricant de ciment de son état, se dissimule le manège de Petit Pierre. Un enchantement.

Les Loirétains les plus anciens se souviennent probablement de cette réalisation étonnante, composée d’un enchevêtrement incroyable de morceaux de métal, de tiges, de rouages et de matériaux de récupération, à laquelle a donné vie Pierre Avezard, un ouvrier vacher handicapé, employé à la ferme de La Coinche, à Fay-aux-Loges.

Durant des années, des familles entières se sont émerveillées devant cet émouvant manège, fait de bric et de broc. En 1987, alors que Petit Pierre avait été placé en maison de retraite et pleurait chaque jour son manège, Alain Bourbonnais a proposé de le transporter à Dicy.

Deux ans de travail ont été nécessaires pour démonter le fragile édifice, numéroter chacune des pièces et le remonter à l’identique.

Chaque année, ils sont près de 15.000 à franchir le pas de la Fabuloserie et à s’extasier devant la magie que procure ce magnifique hommage à l’art hors-les-normes.

J’y vais. Ouvert tous les après-midi en juillet et août de 14 heures à 19 heures. Tarif plein : 9 euros, tarif réduit : 5 euros, tarif de groupe : 8 euros. Tel. 03.86.63.64.21.









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O fantástico museu Fabuloserie.

Criado pelo arquiteto Alain Bourbonnais, este lugar mágico é o lar de obras ecléticas de artistas desconhecidos. Em primeiro lugar, sendo Pierre Avezard, o carrossel continua a surpreender os visitantes.

Eles não assistir às Belas Artes, desconhecendo perspectivas regras acadêmicas e jogos prontamente libertados de luz e sombra. No entanto, estes são de pleno direito artista, cujas obras estão reunidas no Museu de Fabuloserie em Dicy, aldeia de 300 habitantes, situada a poucas milhas de Loiret.

Bem-vindo ao mundo incomum em "Art fora dos padrões", para o qual o pintor e escultor Jean Dubuffet deu o nome de "arte bruta".

A história deste incrível museu está irrevogavelmente ligada ao arquiteto Alain Bourbonnais (1925-1988). Artista completo, o homem é também um escultor, desenhista e colecionador.

obras diversas

Na oficina de Jacob, que abriu em 1973, no coração de Paris Saint-Germain-des-Prés, ele exibiu obras incríveis, subtil, ecléticos. Muitos deles foram realizados por pessoas em hospitais psiquiátricos. Sua inspiração é extravagante, seu trabalho fantástico. Na imagem de André Robillard, um dos pacientes mais famosos em hospital especializado Georges-Daumezon.

Alain Bourbonnais Amizade selada com Jean Dubuffet não é estranho a este projecto arrojado. Em coletor fascinado, o arquiteto-chefe dos edifícios públicos e palácios nacionais estão agora a trabalhar para dar cidadania a estes artistas nas sombras, e para honrar o seu trabalho.

Gabinete de curiosidades

Depois de dez anos, ele fecha a galeria e Jacob reúne todas as obras acumuladas ao longo do tempo em um gabinete de curiosidades, a segunda casa que adquiriu em Dicy, serve cenário maravilhoso.

E em 1983, ele decidiu abrir a coleção para o público e para destacar as criações destes artistas, a maioria desconhecidos. Assim nasceu o Fabuloserie, tecido Alain Bourbonnais, em seu caminho, dedicando uma sala inteira para seus Turbulents, personagens assustadores e animados em linha reta fora de sua imaginação.

Deste mundo repleto, surgem aqui grandes bonecas de pano, mesas variadas, mais uma vez esculturas improváveis.

Um carrossel em movimento

Mas os restos mais surpreendentes para ser descoberto. Porque o museu continua no parque da propriedade, onde um mundo fantástico aguarda o visitante. Não muito longe da Arca, pontilhada com vários personagens e animais músicos em forma de concreto armado Camille Vidal fabricante de cimento pelo comércio, esconde o carrossel Petit Pierre. Uma delícia.

Os Loirétains mais antigos provavelmente se lembra essa conquista incrível, fez um emaranhado incrível de peças de metal, hastes, engrenagens e materiais reciclados, que deu vida Pierre Avezard, um vaqueiro com deficiência trabalhador, empregado a fazenda Coinche em Fay-aux-Loges.

Durante anos, famílias inteiras são surpreendidos neste carrossel em movimento, feito de probabilidades e extremidades. Em 1987, enquanto Petit Pierre tinha sido colocado em um lar de idosos e chorava todos os dias o seu passeio, Alain Bourbonnais proposta para transportá-lo em Dicy.

Dois anos de trabalho foram necessários para desmantelar a estrutura frágil, numerando cada peça e voltar para o mesmo.

Todos os anos eles são quase 15.000 a dar o passo de Fabuloserie e se maravilhar com a magia que dá a este magnífico tributo à arte fora dos padrões.

Abre todas as tardes em Julho e Agosto 14:00 - 07:00 p.m .. Preço total: 9 euros, reduziu a taxa de 5 euros, a taxa de grupo: 8 euros. Tel. 03.86.63.64.21.