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quarta-feira, 11 de outubro de 2017

In 1924, the National Museum of Sofia (Bulgaria) organized an exhibition dedicated to Nikolay Diulgheroff and his works. - Em 1924, o Museu Nacional de Sofia (Bulgária) organizou uma exposição dedicada a Nikolay Diulgheroff e suas obras.

Nikolay Diulgheroff (Bulgarian, Николай Дюлгеров, Nikolay Dyulgerov, 20 December 1901-9 June 1982) was a Bulgarian designer, architect and artist, who worked primarily in Italy and distinguished himself as a member of the Italian Futurism of the period between the wars (il secondo Futurismo).

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One of Diulgheroff's works.

Diulgheroff was born in Kyustendil, a city in the western part of the Autonomous Principality of Bulgaria, in 1901. He was the son of a printer between 1920 and 1921. He studied at the University of Applied Arts (Vienna University of Applied Arts) in Vienna, Austria. The following year, in 1922, he studied in Dresden, Germany, and in 1923 he enrolled in the Bauhaus School in Weimar, where he became friends with the Swiss expressionist Johannes Itten. During this stage of studies, Diulgheroff had the opportunity to exhibit his works both in Berlin and in Dresden. In addition, in 1924, the National Museum of Sofia (Bulgaria) organized an exhibition dedicated to Nikolay Diulgheroff and his works.

In 1926, Diulgheroff settled in Turin, Italy, to study architecture at the Albertine Academy of Fine Arts, from which he graduated in 1932. Although he brought with him the tendencies of Central European Constructivism, he soon began to relate to prominent figures in Futurism Italian, such as Fillìa, and that is how he adopted this style.

Diulgheroff created his most notable works in the 1920s and 1930s, and some of them are currently exhibited at the National Gallery of Modern Art in Rome. However, before they were definitively exhibited in the museum, they had previously been seen in more than forty art galleries from all over Europe, such as Leipzig, Paris, Florence, Mantua and Venice.

The artist also helped Filippo Tommaso Marinetti and Fillia to create so-called futuristic cuisine. In fact, Diulgheroff collaborated in the writing of the Manifesto of Futurist Cuisine (1930), created the dish called pollofiat and designed part of the interior of Taverna Santopalato, the first establishment of futuristic cuisine, and also designed several ads of alcoholic beverages Group Campari.

Diulgheroff remained active almost until the end of his days. He died in Turin in 1982, in the city where he had spent most of his life, for a total of 56 years and of which he was an honorary citizen. Throughout his career, he had won several gold medals in art galleries throughout Italy (Turin, Florence, Salsomaggiore) and some art historians, such as Enrico Crispolti, have qualified him as the greatest artist of the inter-war period.







collaboration: Dilyana Vasileva

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Culture is not what enters the eyes and ears, 

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Em 1924, o Museu Nacional de Sofia (Bulgária) organizou uma exposição dedicada a Nikolay Diulgheroff e suas obras.


Nikolay Diulgheroff (Búlgaro, Николай Дюлгеров, Nikolay Dyulgerov, 20 de dezembro 1901-9 junho 1982) era um designer, arquiteto e artista búlgaro, que trabalhou principalmente na Itália e distinguiu-se como um membro do período futurismo italiano entre as guerras (il Secondo Futurismo).
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Uma das obras de Diulgheroff.
Diulgheroff nasceu em Kyustendil, uma cidade a oeste do Principado da Bulgária, em 1901. O filho de uma impressora, entre 1920 e 1921, ele estudou na Universidade de Artes Aplicadas (Universität für Angewandte Kunst) Viena, Áustria. No ano seguinte, em 1922, estudou em Dresden, Alemanha, e em 1923 ele se matriculou na Escola da Bauhaus em Weimar, onde se tornou amigo do expressionista suíço Johannes Itten. Durante esta fase de estudos, Diulgheroff teve a oportunidade de exibir suas obras tanto em Berlim como em Dresden. Além disso, em 1924, o Museu Nacional de Sofia (Bulgária) organizou uma exposição dedicada a Nikolay Diulgheroff e suas obras.
Em 1926, Diulgheroff instalou-se em Turim, na Itália, para estudar arquitetura na Albertine Academy of Fine Arts, da qual se formou em 1932. Embora tenha trazido consigo as tendências do Constructivismo da Europa Central, ele logo começou a se relacionar com figuras proeminentes no Futurismo Italiano, como Fillìa, e é assim que ele adotou esse estilo.
Diulgheroff criou suas obras mais notáveis ​​nas décadas de 1920 e 1930, e algumas delas são exibidas na Galeria Nacional de Arte Moderna de Roma. No entanto, antes de serem definitivamente exibidos no museu, eles já haviam sido vistos em mais de quarenta galerias de arte de toda a Europa, como Leipzig, Paris, Florença, Mântua e Veneza.
O artista também ajudou Filippo Tommaso Marinetti e Fillia a criar a chamada cozinha futurista. Na verdade, Diulgheroff colaborou na redação do Manifesto of Futurist Cuisine (1930), criou o prato chamado pollofiat e projetou parte do interior da Taverna Santopalato, o primeiro estabelecimento de cozinha futurista e também projetou vários anúncios de bebidas alcoólicas Grupo Campari.
Diulgheroff permaneceu ativo quase até o final de seus dias. Ele morreu em Turim em 1982, na cidade onde passou a maior parte de sua vida, por um total de 56 anos e de que era cidadão de honra. Ao longo de sua carreira, ganhou várias medalhas de ouro em galerias de arte em toda a Itália (Turim, Florença, Salsomaggiore) e alguns historiadores da arte, como Enrico Crispolti, o qualificaram como o maior artista do período entre guerras.

To rescue the past in the historical structures, in the Cultural Center Brazil-Angola. - Resgatar o passado nas estruturas históricas, no Centro Cultural Brasil-Angola.

"Património Vivo" is the denomination of a project aimed at the accomplishment of artistic and cultural activities inside the buildings and public spaces classified Cultural Heritage.

Fortaleza de São Miguel is one of the historical monuments that will host the initiative Photography: Paulo Mulaza | Editions November

The project was presented at the Centro Cultural Brasil-Angola by the mentors, architects Suzana Matos and Ângela Mingas, representing the Center for Studies and Scientific Research of Architecture (CEICA) and the Reviver Campaign, respectively, two research, promotion and teaching programs of architectural and cultural heritage through research.

The idea of ​​the project is to tell the city's history through its architecture and spaces and to rescue the past with the realization and promotion of activities on the material and immaterial heritage within the same historic buildings.

The first activity and kick-off of the "Património Vivo" project takes place on December 7, at the premises of the Cultural Center Brazil-Angola (CCBA), classified Cultural Heritage by the Ministry of Culture.
This former building, formerly known as "The Great Hotel of Luanda", built in 1910, will house music concerts, exhibitions of fine arts, photography and gastronomy, dance and documentaries that identify with the times that helped to build the history that led her to such a longing.

Suzana Matos revealed that this opened the period information collections on the history surrounding the actual building of the CCBA, the architect who is responsible for the Center of Studies and Scientific Research Architecture (CEICA), assigned to the Lusíada University of Angola, said the content will allow a detailed view of the past of the building and of the most relevant people residing in it.

The mentor of the project made it known that the idea is to allow society to live the heritage, and the best thing to know is to experience and transform into something accessible, as is currently the case with the CCBA that hosts diverse activities, after having passed for moments of pure degradation until being restructured. "Today is a meeting point, accessible to all." /> Suzana Matos said that the initiative is a simple but significant tribute to the national heritage that is spread all over the country and its historicity is still very unknown by a large majority of Angolans. "The worst is letting him die."

In turn, the architect Ângela Mingas informed that the organization has much material, collected from investigations made in the Reviver Campaign, by national professors, students and researchers, reason why the curatorship has to define the production plan of the works to be presented. The project "Heritage Alive" has semiannual initially quarterly another phase in the long term, and spans other heritage spaces of Luanda, among others, the St Michael's Fortress, the Luanda Railways, the Street of Merchants , the National Museum of Anthropology, and later all over the country.

"We will develop activities devoted to cultural heritage combining architecture to various forms of artistic expression, with the objectives of the initiative relate to the reflection on the historical significance of cultural heritage, publicize and raise awareness about the issue of heritage preservation, promotion the cultural tourism, to enjoy the monuments, as instruments of the territorialization of the creative cultural city, "said the architect.
According to Ângela Mingas, who has been working on heritage for nearly 20 years, the project will transmit the history of Angola to the students, which is one of the countries that suffered the greatest exodus from forced slavery and many buildings from Angola.

"We intend with the program to revitalize the cities culturally, return people to the streets, teach the history of buildings and tell the story of Angola in a different way."

The Center for Studies and Scientific Research of Architecture encourages, coordinates and disseminates activities related to the arts, architecture, urbanism and design and promotes artistic, architectural, urban planning and design research, disseminating results to the community.




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Resgatar o passado nas estruturas históricas, no Centro Cultural Brasil-Angola.

“Património Vivo” é a denominação de um projecto virado a realização de actividades artísticas e culturais no interior dos edifícios e espaços públicos classificados Património Culturais.

O projecto foi apresentado no Centro Cultural Brasil-Angola pelas mentoras, as arquitectas Suzana Matos e Ângela Mingas, em representação do Centro de Estudos e Investigação Científica de Arquitectura (CEICA) e da Campanha Reviver, respectivamente, dois programas de investigação, promoção e ensino do património arquitectónico e cultural através de pesquisas.

A ideia do projecto é contar a história da cidade através da sua arquitectura e espaços e resgatar o passado com a realização e promoção de actividades sobre o património material e imaterial, no interior dos mesmos edifícios históricos.

A primeira actividade e pontapé de saída do projecto “Património Vivo” acontece no dia 7 de Dezembro, nas instalações do Centro Cultural Brasil-Angola (CCBA), classificado Património Cultural pelo Ministério da Cultura.
Esse antigo edifício, anteriormente denominado “O Grande Hotel de Luanda”, edificado em 1910, vai albergar concertos de música, exposição de artes plásticas, fotografias e de gastronomia, dança e documentários que se identifiquem com as épocas que ajudaram a construir a história que a levou a tão almejada classificação.

Suzana Matos revelou que esta aberto o período de recolhas de informações sobre a história que envolve o actual edifício do CCBA, A arquitecta que responde pelo Centro de Estudos e Investigação Científica de Arquitectura (CEICA), afecto à Universidade Lusíada de Angola, disse que o conteúdo recolhido vai permitir uma exibição pormenorizada do passado do edifício e das pessoas de maior relevância que nele residiram.

A mentora do projecto deu a conhecer que a ideia é permitir que a sociedade viva o património, sendo que a melhor que o conhecer é vivenciar e transformar em algo acessível, tal como acontece actualmente com o CCBA que alberga diversificadas actividades, depois de ter passado por momentos de pura degradação até ser reestruturado. “Hoje é um ponto de encontro, acessível a todos”. />Suzana Matos referiu que a iniciativa é uma singela  mas significativa homenagem ao património nacional que está espalhado por todo o país e a sua historicidade ainda é muito desconhecida por grande maioria dos angolanos. “O pior é deixá-lo morrer”.

Por sua vez, a arquitecta Ângela Mingas informou que a organização tem muito material, recolhido de investigações feitas na Campanha Reviver, por professores, estudantes e pesquisadores nacionais, pelo que a curadoria tem por definir o plano de produção dos trabalhos a serem apresentados. O projecto “Património Vivo” tem periodicidade semestral numa primeira fase, trimestral noutra fase em longo prazo, sendo que se estende por outros espaços patrimoniais de Luanda, entre outros a Fortaleza de São Miguel, os Caminhos de Ferro de Luanda, a Rua dos Mercadores, o Museu Nacional de Antropologia, e mais tarde por todos o país.

“Propomo-nos desenvolver actividades dedicadas ao património cultural aliando a arquitectura a várias formas de expressão artística, com os objectivos da iniciativa prendem-se com a reflexão sobre a importância histórica do Património Cultural, divulgar e sensibilizar sobre o tema da preservação patrimonial, promover o turismo cultural, usufruir dos monumentos, como instrumentos da territorialização da cidade cultural criativa”, disse a arquitecta.
Segundo Ângela Mingas, que desenvolve trabalhos sobre patrimónios há quase 20 anos, o projecto vai transmitir a História de Angola aos estudantes, que é dos países que sofreu o maior êxodo forçado com a escravatura e muitos edifícios contam essa parte de Angola.

 “Pretendemos com o programa revitalizar culturalmente as cidades, devolver as pessoas as ruas, ensinar a história dos edifícios e contar a história de Angola de uma maneira diferente”.

O Centro de Estudos e Investigação Científica de Arquitectura incentiva, coordena e divulga actividades relacionadas com as artes, arquitectura, urbanismo e design e promove a pesquisa artística, arquitectónica, urbanística e de design, difundindo os resultados junto da comunidade.

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Fortaleza de São Miguel é um dos monumentos históricos que vai albergar a iniciativa Fotografia: Paulo Mulaza | Edições Novembro








The São Paulo Pinacoteca is a museum of visual arts with an emphasis on Brazilian production from the nineteenth century to the present day, in 2018, featuring women artists. - A Pinacoteca de São Paulo é um museu de artes visuais com ênfase na produção brasileira do século XIX até a contemporaneidade, em 2018, destaca artistas mulheres.

The first abstract painting was not signed by Kandinski (1866-1944), considered by historians as the pioneer in the area, but by a woman, the Swedish Hilma Klint (1862-1944), of which few have heard.


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Work of the artist Hilma Klint (1862-1944), one of the women to gain exhibitions and retrospectives in the 2018 program of the Pinacoteca de São Paulo

From next year, many will have reasons to cite its name in Brazil: the State Pinacoteca promotes in 2018 a great retrospective of the painter who, at the turn of the 19th century to the 20th, signed non-figurative compositions long before Kandinski, Mondrian and Malevitch. Hilma is the main star of a constellation of women who occupy the Pinacoteca next year.

Among the programmed exhibits, revealed by the director of the Pinacoteca, Jochen Volz, is the international exhibition Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 ', organized by the Hammer Museum of Los Angeles (Radical Women: Latin American Art, 1960-1985) , which passes through the Brooklin Museum in New York before disembarking in São Paulo.

Still at the end of 2018, in December, another great artist, the Paulistana, Paulina, will be honored with an individual show. Before, in August, Valeska Soares won her first institutional individual in the country since 2004, within the career review program of active artists since the 1980s.
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Two other women artists will occupy with facilities the Octagon of the Pinacoteca in Luz, the paulistana Ana Luiza D. Batista and the miner Laura Lima with a specific site. Laura has been growing in the international circuit. It is one of the best works presented in the Triennial of Aichi, Japan, in 2016.

Anyway, 2018 will be the year of the women in the Pinacoteca, although great men artists also integrate programming. In March, for example, Tunga, who died a year ago in June 2016, will be remembered with one of his most enigmatic works, "Trinity Trinity1 (2001), which, as the title suggests, is an interpretation of the Christian trinity, sculpture made of iron, ferrite and wool, dominated by bells that allude to the readings of St. Augustine by the sculptor.

Another name of greatness among contemporaries, Emmanuel Nassar of Pará wins in April a retrospective at Pina Estação, next to Sala São Paulo. Nassar became known for references to popular culture in his painting, evoking the vibrant colors of the stalls and geometric shapes of the homes of his native land. Another reference adopted by Nassar is the flag, which he uses as a pretext for painting (he appropriated the 143 flags of the municipalities of Pará). Also in the Pina Estação is the show "Myth of Origin", which starts with a work by the German Lothar Baumgarten, to address fictions around the ground zero of life on the planet.

There is much more. However, the most anticipated exhibition is even from Sweden's Hilma Klint, an artist beyond her time. Friend of Expressionist Edvard Munch, Hilma went the other way. And he paid dearly for it, being absent from the historic canon. In part, by the artist's own decision. According to Volz, shortly before his death in 1944, he asked that his work not be seen for 20 years.
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Founded in 1905 by the Government of the State of São Paulo, it is the oldest art museum in the city of São Paulo, Brazil.



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The Pinacoteca of the State of São Paulo is one of the most important museums of art of Brazil. It occupies a building in Jardim da Luz, in the center of São Paulo, designed by Ramos de Azevedo and Domiziano ...



It was installed in the old building of the Liceu de Artes e Ofícios, designed at the end of the 19th century by the architect Ramos de Azevedo's office, which later underwent an extensive renovation with a project by the architect Paulo Mendes da Rocha in the late 1990s.

The original collection of the Pinacoteca was formed with the transfer of 20 works of the Paulista Museum of the University of São Paulo from important artists of the city such as Almeida Júnior, Pedro Alexandrino, Antônio Parreiras and Oscar Pereira da Silva. Over the years it has formed a significant collection, with almost 10 thousand works.

Since 2006 the Pinacoteca is administered by the Pinacoteca Art and Culture Association. It currently holds about 30 exhibitions and receives approximately 500 thousand visitors per year.



Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

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Vamos compartilhar.

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but what modifies the way of looking and hearing.




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A Pinacoteca de São Paulo é um museu de artes visuais com ênfase na produção brasileira do século XIX até a contemporaneidade, em 2018, destaca artistas mulheres.

A primeira pintura abstrata não foi assinada por Kandinski (1866-1944), considerado pelos historiadores como o pioneiro na área, mas por uma mulher, a sueca Hilma Klint (1862-1944), da qual poucos ouviram falar.

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Obra da artista Hilma Klint (1862-1944), uma das mulheres a ganharem exposições e retrospectivas na programação de 2018 da Pinacoteca de São Paulo

A partir do próximo ano, muitos terão motivos para citar seu nome no Brasil: a Pinacoteca do Estado promove em 2018 uma grande retrospectiva da pintora que, na virada do século 19 para o 20, assinou composições não figurativas muito antes de Kandinski, Mondrian e Malevitch. Hilma é a principal estrela de uma constelação de mulheres que ocupam a Pinacoteca no próximo ano.

Entre as mostras programadas, reveladas pelo diretor da Pinacoteca, Jochen Volz, está a exposição internacional Radical Women: Latin American Art, 1960-1985' (Mulheres Radicais: Arte Latino-Americana, 1960-1985), organizada pelo Hammer Museum de Los Angeles, que passa pelo Brooklin Museum de Nova York antes de desembarcar em São Paulo.

Ainda no fim de 2018, em dezembro, outra grande artista, a paulistana Rosana Paulino, será homenageada com uma mostra individual. Antes, em agosto, Valeska Soares ganha sua primeira individual institucional no País desde 2004, dentro do programa de revisão da carreira de artistas ativos desde a década de 1980.
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Duas outras artistas mulheres vão ocupar com instalações o Octógono da Pinacoteca na Luz, a paulistana Ana Luiza D. Batista e a mineira Laura Lima com um site specific. Laura vem crescendo no circuito internacional. É dela uma das melhores obras apresentadas na Trienal de Aichi, Japão, em 2016.

Enfim, 2018 será o ano das mulheres na Pinacoteca, embora grandes artistas homens integrem também programação. Em março, por exemplo, Tunga, morto há um ano, em junho de 2016, será lembrado com uma de suas obras mais enigmáticas, "Tríade Trindade1 (2001), que, como sugere o título, é uma interpretação da trindade cristã, escultura feita em ferro, ferrite e lã, dominada por sinos que aludem às leituras de Santo Agostinho pelo escultor.

Outro nome de primeira grandeza entre os contemporâneos, o paraense Emmanuel Nassar ganha em abril uma retrospectiva na Pina Estação, ao lado da Sala São Paulo. Nassar tornou-se conhecido pelas referências à cultura popular em sua pintura, evocando as cores vibrantes das barracas de feiras e formas geométricas das casas de sua terra natal. Outra referência adotada por Nassar é a bandeira, que ele usa como pretexto para a pintura (ele se apropriou das 143 bandeiras dos municípios do Pará). Também na Pina Estação está programada a mostra "Mito de Origem", que parte de uma obra do alemão Lothar Baumgarten, para abordar ficções em torno do marco zero da vida no planeta.

Há muito mais. Porém, a exposição mais esperada é mesmo da sueca Hilma Klint, uma artista além do seu tempo. Amiga do expressionista Edvard Munch, Hilma foi por outro caminho. E pagou caro por isso, ficando ausente do cânone histórico. Em parte, por decisão da própria artista. Segundo Volz, pouco antes de morrer, em 1944, pediu que sua obra não fosse vista por 20 anos.

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Fundada em 1905 pelo Governo do Estado de São Paulo é o museu de arte mais antigo da cidade de São Paulo, Brasil.

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A Pinacoteca do Estado de São Paulo é um dos mais importantes museus de arte do Brasil.[2] Ocupa um edifício no Jardim da Luz, no centro de São Paulo, projetado por Ramos de Azevedo e Domiziano...

Ela está instalada no antigo edifício do Liceu de Artes e Ofícios, projetado no final do século XIX pelo escritório do arquiteto Ramos de Azevedo, que depois passou por uma ampla reforma com projeto do arquiteto Paulo Mendes da Rocha no final da década de 1990.

O acervo original da Pinacoteca foi formado com a transferência de 20 obras do Museu Paulista da Universidade de São Paulo de importantes artistas da cidade como Almeida Júnior, Pedro Alexandrino, Antônio Parreiras e Oscar Pereira da Silva. Com o passar dos anos formou um significativo acervo, com quase 10 mil obras.

Desde 2006 a Pinacoteca é administrada pela Associação Pinacoteca Arte e Cultura. Atualmente realiza cerca de 30 exposições e recebe aproximadamente 500 mil visitantes por ano.