Listen to the text.

segunda-feira, 2 de julho de 2018

"Christian Dior: Designer of Dreams" at The V & A Museum. - "Christian Dior: Designer of Dreams" no The V&A Museum. - «Christian Dior: дизайнер мечты» в музее V & A. - "Christian Dior: Designer der Träume" im V & A Museum. - "Christian Dior: Designer of Dreams" au V & A Museum.

Christian Dior: Designer of Dreams will win a London version in early 2019. The exhibition tells the story of the 70th anniversary of the maison, one of the most important in the world in haute couture.

Between July 2017 and January of this year, the Musée des Arts Décoratifs beat record audiences, receiving more than 700,000 people. For the new edition, the Victoria & Albert Museum intends to show the appreciation of the stylist for the English culture.




The show opens on February 2, 2019 and is publicly available until July 14. Around 200 haute couture models will be on display, as well as 500 items - ranging from sketches to various perfumes and accessories. Added to that, the British version must be reimagined, the museum announced:


"Covering 1947 to the present day, the exhibition will trace the history and impact of one of the most influential seamstresses of the 20th century, exploring the lingering influence of the fashion house and Dior's relationship with Britain."




1
Couture for the evening of the 1955 Autumn / Winter couture collection







2
Couture for the day of the 1955 autumn / winter couture collection




3
Couture for the evening of the 1954 Autumn / Winter couture collection




4
Diorling Perfume, released in 1963



Christian Dior (1905-1957) said that England was his favorite place after France, home of the stylist. One of the most anticipated items in the upcoming show is the 21-year-old Queen Margaret sister Elizabeth Queen's dress worn in 1955. The first boutique in London opened in 1952.



5
Princess Margaret wearing the Dior dress for 
her 21st birthday in 1955 by Cecil Beaton




6
London, 1971 © Getty Images





7
London, 1956 © Getty Images









fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

 "Eu só quero pensar no futuro e não ficar triste." Elon Musk.
-
"I just want to think about the future and not be sad." Elon Musk.

This report is guaranteed to verify the address of the LINK above
Say no to fake News!
-
Esta reportagem tem a garantia de apuração do endereço do LINK acima.
Diga não às fake news!
-
Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing

A museum is not just a place for treasured artefacts, 
but a vibrant space where history truly comes alive!
-
Um museu não é apenas um lugar para artefatos preciosos, 
mas um espaço vibrante onde a história realmente ganha vida










--br
"Christian Dior: Designer of Dreams" no The V&A Museum.

Sucesso em Paris, a exposição Christian Dior: Designer of Dreams vai ganhar uma versão em Londres no início de 2019. A exibição conta a história dos 70 anos da maison, uma das mais importantes do mundo em alta costura.

Entre julho de 2017 e janeiro deste ano, o Musée des Arts Décoratifs bateu recorde de público, recebendo mais de 700 mil pessoas. Para a nova edição, o Museu Victoria & Albert pretende mostrar o apreço do estilista pela cultura inglesa.

A mostra abre no dia 2 de fevereiro de 2019 e fica disponível ao público até 14 de julho. Cerca de 200 modelos de alta costura estarão expostos, além de mais 500 itens – que vão de croquis a perfumes e acessórios diversos. Somado a isso, a versão britânica deve ser reimaginada, anunciou o museu:

“Abrangendo 1947 até os dias atuais, a exposição vai traçar a história e o impacto de um dos costureiros mais influentes do século 20, explorando a influência duradoura da casa de moda e o relacionamento de Dior com a Grã-Bretanha.”

1
Vestido para a noite da coleção Outono/Inverno 1955 de alta costura



2
Vestido para o dia da coleção Outono/Inverno 1955 de alta costura


3
Vestido para a noite da coleção Outono/Inverno 1954 de alta costura


4
Perfume Diorling, lançado em 1963


Christian Dior (1905-1957) dizia que a Inglaterra era seu lugar preferido depois da França, terra natal do estilista. Um dos itens mais aguardados da futura mostra é o vestido do aniversário de 21 anos da princesa Margaret, irmã da rainha Elizabeth II, usado em 1955. A primeira butique da grife em Londres abriu em 1952.


5
Princesa Margaret usando o vestido Dior para seu aniversário de 21 anos, em 1955, por Cecil Beaton


6
Londres, 1971 © Getty Images


7
Londres, 1956 © Getty Images






--ru via tradutor do google
«Christian Dior: дизайнер мечты» в музее V & A.

Кристиан Диор: дизайнер Dreams выиграет лондонскую версию в начале 2019 года. На выставке рассказывается о 70-летии maison, одного из самых важных в мире в кутюрье.

В период с июля 2017 года по январь этого года Музеи декоративно-прикладного искусства избили рекордную аудиторию, получив более 700 000 человек. Для нового издания Музей Виктории и Альберта намерен продемонстрировать признание стилиста английской культуры.

Шоу открывается 2 февраля 2019 года и доступно для публики до 14 июля. Будет представлено около 200 моделей haute couture, а также 500 предметов - от эскизов до различных парфюмерии и аксессуаров. Кроме того, британская версия должна быть переосмыслена, в музее было объявлено:

«Покрытие с 1947 года по сегодняшний день, выставка проследит историю и влияние одной из самых влиятельных швеи 20-го века, исследуя затяжное влияние дома моды и отношений Диора с Великобританией».

1
Couture на вечер коллекции осень / зима 1955 года


2
Couture на день осенне-зимней коллекции 1955 года

3
Couture на вечер коллекции осень / зима 1954 года

4
Diorling Perfume, выпущенный в 1963 году

Кристиан Диор (1905-1957) сказал, что Англия была его любимым местом после Франции, дома стилиста. Одним из самых ожидаемых предметов на предстоящем шоу является платье 21-летней королевы Маргариты сестры Елизаветы Королевы, которую носили в 1955 году. Первый бутик в Лондоне открылся в 1952 году.

5
Принцесса Маргарет в платье Диор для ее 21-го дня рождения в 1955 году Сесил Битон

6
Лондон, 1971 © Getty Images


7

Лондон, 1956 © Getty Images







--alemão via tradutor do google
"Christian Dior: Designer der Träume" im V & A Museum.

Christian Dior: Designer of Dreams wird Anfang 2019 eine Londoner Version gewinnen. Die Ausstellung erzählt die Geschichte des 70. Geburtstages des Maison, eines der wichtigsten der Haute Couture der Welt.



Zwischen Juli 2017 und Januar dieses Jahres hat das Musée des Arts Décoratifs Rekordzahlen erreicht und mehr als 700.000 Menschen empfangen. Für die Neuausgabe möchte das Victoria & Albert Museum die Wertschätzung des Stylisten für die englische Kultur zeigen.

Die Ausstellung wird am 2. Februar 2019 eröffnet und ist bis zum 14. Juli öffentlich zugänglich. Rund 200 Haute-Couture-Modelle werden ausgestellt, ebenso 500 Objekte - von Skizzen bis zu verschiedenen Parfums und Accessoires. Hinzu kommt, dass die britische Version neu konzipiert werden muss, gab das Museum bekannt:

"Von 1947 bis heute zeigt die Ausstellung die Geschichte und den Einfluss einer der einflussreichsten Näherinnen des 20. Jahrhunderts und erforscht den anhaltenden Einfluss des Modehauses und Diors Beziehung zu Großbritannien."

1
Couture für den Abend der Couture-Kollektion Herbst / Winter 1955


2
Couture für den Tag der Couture-Kollektion Herbst / Winter 1955

3
Couture für den Abend der Couture-Kollektion Herbst / Winter 1954

4
Diorling Parfüm, im Jahr 1963 veröffentlicht

Christian Dior (1905-1957) sagte, dass England sein Lieblingsort nach Frankreich, der Heimat des Stylisten, sei. Einer der am meisten erwarteten Artikel in der kommenden Show ist die 21-jährige Königin Margaret Schwester Elizabeth Queen Kleid im Jahr 1955 getragen. Die erste Boutique in London im Jahr 1952 eröffnet.

5
Prinzessin Margaret trägt das Dior Kleid zu ihrem 21. Geburtstag 1955 von Cecil Beaton

6
London, 1971 © Getty Images


7

London, 1956 © Getty Images









--fr via tradutor do google
"Christian Dior: Designer of Dreams" au V & A Museum.

Christian Dior: Designer of Dreams remportera une version londonienne début 2019. L'exposition raconte l'histoire du 70e anniversaire de la maison, l'une des plus importantes du monde en haute couture.



Entre juillet 2017 et janvier de cette année, le Musée des Arts Décoratifs a battu des records d'audience, accueillant plus de 700 000 personnes. Pour la nouvelle édition, le Victoria & Albert Museum a l'intention de montrer l'appréciation du styliste pour la culture anglaise.

Le spectacle débutera le 2 février 2019 et sera accessible au public jusqu'au 14 juillet. Près de 200 modèles de haute couture seront exposés, ainsi que 500 articles allant de croquis à divers parfums et accessoires. Ajouté à cela, la version britannique doit être réinventée, le musée a annoncé:

"Couvrant 1947 à nos jours, l'exposition retrace l'histoire et l'impact de l'une des couturières les plus influentes du 20e siècle, en explorant l'influence persistante de la maison de couture et les relations de Dior avec la Grande-Bretagne."

1
Couture pour la soirée de la collection couture automne / hiver 1955


2
Couture pour le jour de la collection couture automne / hiver 1955

3
Couture pour la soirée de la collection couture automne / hiver 1954

4
Diorling Perfume, sorti en 1963

Christian Dior (1905-1957) a dit que l'Angleterre était son endroit préféré après la France, la maison du styliste. L'une des pièces les plus attendues du prochain spectacle est la robe de la reine Elizabeth Margaret, âgée de 21 ans et portée en 1955. La première boutique de Londres a ouvert ses portes en 1952.

5
Princesse Margaret portant la robe Dior pour son 21ème anniversaire en 1955 par Cecil Beaton

6
Londres, 1971 © Getty Images


7

Londres, 1956 © Getty Images

Shows at the Victoria and Albert Museum (V & A) in London discusses the controversial relationship of the environment with the fashion world. - Mostra no Victoria and Albert Museum (V&A), em Londres, discute a polêmica relação do meio ambiente com o mundo fashion. - Ausstellungen im Victoria and Albert Museum (V & A) in London diskutieren über die kontroverse Beziehung der Umwelt mit der Modewelt. - Выставки в Музее Виктории и Альберта (V & A) в Лондоне обсуждают противоречивые отношения окружающей среды с миром моды. - 伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆(V&A)的展览讨论了环境与时尚界争议的关系。

As it expanded, following technological developments that lowered prices and mass production, the textile industry left a trail of destruction to produce synthetic fabrics, prints, colors and synthetic fibers.

1
Pair of 1875 earrings made with heads of hummingbirds on display at the Victoria and Albert Museum in London (Photo: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM).



At the entrance to a new exhibition on the history of fashion at the Victoria and Albert Museum (V & A) in London, some pieces stand out, such as a black cloak made of twisted rooster feathers, a status symbol displayed by the ladies of high society in the second half of the 19th century. It could be combined with a hat adorned with a foxtail. Also striking is a dress of fine white cotton, from the same century, decorated with what appear to be small emeralds. The metallic green dots, in fact, are 5,000 beetle wings. To hold the inner structures of the armed skirts, an essential material was the whale's fin, a decimated animal in Europe at that time. There is even a pair of earrings from 1870 - a very popular accessory at the time - made with the severed head of sairs-hummingbird.


More than a new show to hypnotize fashionistas, the exhibition Fashioned from Nature puts in the center of one of the most important museums in the world a discussion that has been gaining strength as a social movement and extrapolating the ateliers of a few designers genuinely concerned about the future of the planet. The 300 exhibits - some of them purposely morbid - cover 400 years of a disturbing story and stimulate reflection on the symbiotic link between fashion and the environment. The former has always been inspired and exploited the latter, a complex relationship that can have both beauty and brutality.


2
Cover made with 19th century classic cock feathers by Auguste Champot (Photo: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM).



As it expanded, following the technological developments that lowered prices and massified production, the textile industry left a trail of destruction to produce fabrics, prints, colors and synthetic fibers based on chemical agents that contaminate soil, air, and the water. Mass manufacturing keeps the fashion segment on the list of the five most polluting twenty-first century. How can we prevent the continuation of this damage, like rivers dyed blue, and what we can learn from a past of degradation are the questions that curators of the exposition in the British capital want to instigate. For this, they have joined a wave that uses social networks to raise awareness of the often invisible impact of fashion.

The opening of the exhibition coincided with the fifth anniversary of a tragedy that made clear the human value in this equation marked by the uncontrolled exploitation of resources and labor, especially in less developed countries. In April 2013 the Rana Plaza building collapsed in Bangladesh, buried 1,138 people. There were five garment factories in the condemned building, employing mostly young women with minimal working conditions. They stitched together for major international retail brands that are anchored in the concept of fast-fashion, which enables the continuous exchange and jet of their collections at affordable prices.

The catastrophe led two British designers, Carry Somers and Orsola de Castro, to found a movement that is already spreading through more than 100 countries, Brazil among them. Fashion Revolution mobilizes millions of people - if they join the participants of their events, such as parades and workshops, and the public who shares their posts and access their alarming videos in social media. The group's manifesto calls on brands to be more transparent and to take responsibility for the clothing production chain. At the same time, it calls for the involvement of society to increase pressure on an industry that employs 75 million people, 80% of whom are women between the ages of 18 and 35.

The campaign translates into a hashtag that lacks the incendiary power of a #MeToo, but has been increasing exponentially its presence on the networks. Consumers photograph a piece and ask the brands who produced it, posting the hashtag #whomademyclothes (who made my clothes?). With the accession of celebrities and digital influencers, more and more companies feel obliged to respond. The reaction comes in the form of photos of workers who participated in some form of production, always holding the message "I made their clothes", be they farmers, dyers, weavers, embroiderers or spinners.

If the internet alone does not make a revolution, the campaign helps to humanize a production model not always built on ethical grounds, giving a face to those behind the machines. According to the organizers of the movement, only this year Fashion Revolution Week - originated in London and now copied worldwide - yielded 2,000 articles in the world press in April and reached 250 million people in social media.

"Our greatest satisfaction is the increasing increase in response from brands year by year, showing that the workers in this chain are participating in this conversation," said Orsola de Castro. Castro also admitted that while much has changed since the disgrace of the Rana Plaza, a global scenario of respect for human rights and the environment is still a dream. "There have been advances in terms of legal initiatives to ensure a more healthy and ethical production chain. Since the tragedy, 1,300 factories have been inspected, and 800 of them have had their conditions improved, but incidents continue. The year 2017 was declared the most fatal for garment workers in Bangladesh, "the activist recalled.

In addition to expanding the discussion on social responsibility in the supply chain, the movement leverages the voice of stylists who are the highlight of the second part of the V & A show, dedicated to celebrating names that have long demanded change. People like Stella McCartney, one of the first international designers to ban the use of leather, animal skin and natural feathers in their creations. Last month it bought 50 percent of its shares in Kering, a luxury-market giant, making it the exclusive owner of the brand itself. The deal gave Paul McCartney's daughter complete control over all stages of producing their collections, which use only organic or recycled materials.

The power of Stella's surname - which always remembers how ridiculed she was for being a vegetarian when that was not yet fad - is unbeatable. But she is not the only one thinking about the fashion of the future. The punk lady Vivienne Westwood is a guerrilla in that sense, while Katharine Hamnett, famous for her protest t-shirts, 30 years ago already called for conscious consumption with her radical ecological collection Clean Up or Die. The two British women are honored for their activism at the exhibition in London, where Brazilian innovation is represented by the pirarucu leather parts made in a sustainable way by Osklen. Already the Italian Vegea comes out with the making of leather made from grape marc. When it produces its wines, Italy discards 7 million tonnes of waste. After going through a drying process, some of this garbage is turning clothes and accessories into the hands of designer Tiziano Guardini.

While such labels are inaccessible to most consumers, initiatives in this line serve as inspiration for those who do not want to be classified as backward - or worse, medieval, to use an adjective employed by McCartney - in a highly competitive market, whether in the luxury segment or not popular. The strengthening of the small producer, the reuse of natural fiber fabrics, the marriage of 3D technology with bioeconomics to reimagine materials such as silks and laces are subjects that today find space in events where the fashion world is willing to think beyond the it-bags.

British journalist Olivia Peacock, a champion of sustainable practices, sees a number of advances in recent years, but it is a slow transformation. Without the change of behavior of the population itself, it is difficult to speak of revolution. "The Rana Plaza disaster served as a wake-up call for the industry, and that has sparked measures to ensure that something like that does not happen again. When it comes to consumer habits, though, we keep buying more clothes than ever before. Americans buy three times more than 50 years ago, "she said, a #whomademyclothes campaign enthusiast. "It takes much more than a hashtag to transform an entire industry, but this has been one of the most influential public awareness initiatives. Some of the biggest brands in the industry have started to respond, and the number of people involved grows each year. It's working, "he said.

For the specialist, it is about developing a deeper understanding of clothes, taking care of them to last and dividing spending between brands that invest in sustainable production lines. In London's most prestigious universities, design research centers form new generations of creators who already think of fashion as art and business in an alternative way. Last week, students at the London College of Fashion at the University of the Arts in London (UAL) scattered PET bottles collection boxes among the runways of Men's Fashion Week. The British capital has one of the country's worst plastics recycling rates, and students have joined the City Hall in campaigning to reduce the consumption of these bottles. They will reuse the collected material to produce fabrics with the help of a technology developed by the brand Vin + Omi.

3
Dress of "grape leather": fashion search material choice (Photo: VEGEA)


The label, which transforms plastic into wool, is one of the exponents of slow-fashion - another global movement that gradually goes beyond the forums of ecologists. The term was created by the English Kate Fletcher, professor of the Center of Sustainable Fashion of the UAL. Inspired by slow-food, it is a direct reaction to fast-fashion, challenging the way we look at our wardrobe. The philosophy is conscious consumption, which encourages reflection on the impact of the fashion industry on the environment and workers.

Pioneers like Australian writer and stylist Jane Milburn attract thousands of followers preaching the message that "old clothes are the new organic and mending is good for the soul." Sewing purposely visible patches on parts that would be discarded is turning mania online. In the academic publication Journal for Fashion Criticism, the practice is celebrated as "a poetic expression of beauty in imperfection".

There are numerous posts in Instagram with the hashtag #visiblemending (patch visible). In London, it is easy to find workshops that teach the technique. The more patchy the stitches are, the better. Bored coat can be a political act. The risk is rebellion being glamorized, becoming a trend, and such patched pieces end up in the macaws, as happened with punk and grunge, which one day were born as a form of protest.









fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

 "Eu só quero pensar no futuro e não ficar triste." Elon Musk.
-
"I just want to think about the future and not be sad." Elon Musk.

This report is guaranteed to verify the address of the LINK above
Say no to fake News!
-
Esta reportagem tem a garantia de apuração do endereço do LINK acima.
Diga não às fake news!
-
Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing

A museum is not just a place for treasured artefacts, 
but a vibrant space where history truly comes alive!
-
Um museu não é apenas um lugar para artefatos preciosos, 
mas um espaço vibrante onde a história realmente ganha vida






--br
Mostra no Victoria and Albert Museum (V&A), em Londres, discute a polêmica relação do meio ambiente com o mundo fashion.

À medida que se expandia, acompanhando as evoluções tecnológicas que baixavam os preços e massificavam a produção, a indústria têxtil deixava um rastro de destruição para produzir tecidos, estampas, cores e fibras sintéticas à base de agentes químicos.

1
Par de brincos de 1875 feitos com cabeças de saíras-beija-flor, em exposição no Victoria and Albert Museum, em Londres (Foto: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM).

Logo na entrada de uma nova exposição sobre a história da moda no Victoria and Albert Museum (V&A), em Londres, algumas peças se destacam, como uma capa negra feita de penas de galo retorcidas, um símbolo de status exibido pelas damas da alta sociedade francesa na segunda metade do século XIX. Podia ser combinada com um chapéu enfeitado com um rabo de raposa. Chama a atenção também um vestido de fino algodão branco, do mesmo século, decorado com o que parecem ser pequenas esmeraldas. Os pontos verdes metálicos, na verdade, são 5 mil asas de besouro. Para segurar as estruturas internas das saias armadas, um material essencial era a barbatana de baleia, animal dizimado na Europa naqueles tempos. Há ainda um par de brincos de 1870 — acessório muito popular na época — feito com a cabeça decepada de saíras-beija-flor.

Mais do que uma nova mostra para hipnotizar fashionistas, a exposição Fashioned from Nature (Formado a partir da Natureza, em tradução livre) coloca no centro de um dos mais importantes museus do mundo uma discussão que vem ganhando força como movimento social e extrapolando os ateliês de alguns poucos designers genuinamente preocupados com o futuro do planeta. As 300 peças exibidas — algumas delas propositalmente mórbidas — cobrem 400 anos de uma história inquietante e estimulam a reflexão sobre a simbiótica ligação entre moda e meio ambiente. A primeira, desde sempre, inspirou-se e explorou o segundo, uma complexa relação que pode tanto ter beleza quanto brutalidade.



2
Capa feita com penas de galo, clássico do século XIX, de Auguste Champot (Foto: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM).


À medida que se expandia, acompanhando as evoluções tecnológicas que baixavam os preços e massificavam a produção, a indústria têxtil deixava um rastro de destruição para produzir tecidos, estampas, cores e fibras sintéticas à base de agentes químicos que contaminam o solo, o ar e a água. A fabricação em massa mantém o segmento da moda na lista dos cinco mais poluentes do século XXI. Como impedir a continuação desse estrago, como rios tingidos de azul, e o que podemos aprender com um passado de degradação são as perguntas que os curadores da exposição na capital britânica querem instigar. Para isso, uniram-se a uma onda que usa as redes sociais para aumentar a conscientização do impacto tantas vezes invisível da moda.


A abertura da mostra coincidiu com o quinto aniversário de uma tragédia que deixou claro o valor humano nessa equação marcada pela exploração descontrolada de recursos e mão de obra, principalmente em países menos desenvolvidos. Em abril de 2013 o prédio Rana Plaza desabou em Bangladesh, soterrando 1.138 pessoas. Havia cinco fábricas de roupas no edifício condenado, empregando em sua maioria jovens mulheres sem condições mínimas de trabalho. Elas costuravam para grandes marcas do varejo internacional que se ancoram no conceito de fast-fashion, que possibilita a troca contínua e a jato de suas coleções por preços acessíveis.

A catástrofe levou duas designers britânicas, Carry Somers e Orsola de Castro, a fundar um movimento que já se espalha por mais de 100 países, o Brasil entre eles. O Fashion Revolution mobiliza milhões de pessoas — se somados os participantes de seus eventos, como desfiles e workshops, e o público que compartilha seus posts e acessa seus vídeos alarmantes nas mídias sociais. O manifesto do grupo conclama as grifes a ser mais transparentes e a assumir a responsabilidade pela cadeia de produção das roupas. Ao mesmo tempo, pede o envolvimento da sociedade para aumentar a pressão sobre uma indústria que emprega 75 milhões de pessoas, sendo 80% mulheres entre 18 e 35 anos.

A campanha se traduz numa hashtag que não tem o poder incendiário de um #MeToo, mas vem aumentando exponencialmente sua presença nas redes. Os consumidores fotografam uma peça e perguntam às marcas quem a produziu, postando a hashtag #whomademyclothes (quem fez minhas roupas?). Com a adesão de celebridades e influenciadores digitais, cada vez mais as empresas se sentem na obrigação de responder. A reação vem em forma de fotos dos trabalhadores que participaram de alguma forma da produção, sempre segurando a mensagem “Eu fiz suas roupas”, sejam eles agricultores, tintureiros, tecelões, bordadeiras ou fiandeiras.

Se a internet sozinha não faz uma revolução, a campanha ajuda a humanizar um modelo de produção nem sempre construído sobre bases éticas, dando um rosto a quem está por trás das máquinas. Segundo os organizadores do movimento, só neste ano a Fashion Revolution Week — originada em Londres e hoje copiada mundo afora — rendeu 2 mil artigos na imprensa mundial em abril e alcançou 250 milhões de pessoas nas mídias sociais.

“Nossa maior satisfação é o aumento crescente da resposta por parte das marcas ano a ano, mostrando que os trabalhadores dessa cadeia estão participando dessa conversa”, disse Orsola de Castro. Castro também admitiu que, embora muita coisa tenha mudado desde a desgraça do Rana Plaza, um cenário global de respeito aos direitos humanos e ao meio ambiente ainda é um sonho. “Houve avanços em termos de iniciativas jurídicas para garantir uma cadeia produtiva mais saudável e ética. Desde a tragédia, 1.300 fábricas foram inspecionadas, e 800 delas tiveram suas condições melhoradas, mas os incidentes continuam. O ano de 2017 foi declarado o mais fatal para os operários de confecções em Bangladesh”, lembrou a ativista.

Além de expandir a discussão sobre responsabilidade social na cadeia de fornecimento, o movimento potencializa a voz de estilistas que são o destaque da segunda parte da mostra do V&A, dedicada a celebrar os nomes que há tempos exigem mudanças. Gente como Stella McCartney, uma das primeiras designers internacionais a banir o uso de couro, pele de animais e penas naturais em suas criações. No mês passado, ela comprou 50% das ações de sua empresa da Kering, gigante do mercado de luxo, tornando-se dona exclusiva da própria marca. O negócio devolveu à filha de Paul McCartney o controle total sobre todas as etapas da produção de suas coleções, que só utilizam materiais orgânicos ou reciclados.

O poder do sobrenome de Stella — que sempre lembra quanto já foi ridicularizada por ser vegetariana quando isso ainda não era modismo — é imbatível. Ela não é, porém, a única a pensar na moda do futuro. A dama do punk, Vivienne Westwood, é uma guerrilheira nesse sentido, enquanto Katharine Hamnett, famosa por suas camisetas de protesto, 30 anos atrás já pedia um consumo consciente com sua coleção ecológica radical Clean up or die (Limpar ou morrer). As duas britânicas são homenageadas por seu ativismo na exposição em Londres, na qual a inovação brasileira é representada pelas peças de couro de pirarucu fabricadas de forma sustentável pela Osklen. Já a italiana Vegea desponta com a confecção de couro feito de bagaço de uva. Ao produzir seus vinhos, a Itália descarta 7 milhões de toneladas de resíduos. Depois de passar por um processo de secagem, parte desse lixo está virando roupas e acessórios nas mãos do designer Tiziano Guardini.

Embora essas etiquetas sejam inacessíveis para a maioria dos consumidores, iniciativas nessa linha servem de inspiração para quem não quer ser classificado como atrasado — ou pior, medieval, para usar um adjetivo empregado por McCartney — num mercado altamente competitivo, seja no segmento de luxo ou no popular. O fortalecimento do pequeno produtor, o reaproveitamento de tecidos de fibras naturais, o casamento de tecnologia 3D com bioeconomia para reimaginar materiais como sedas e rendas são assuntos que hoje encontram espaço em eventos onde o mundo fashion se dispõe a pensar além das it-bags.

A jornalista inglesa Olivia Peacock, defensora das práticas sustentáveis, enxerga uma série de avanços nos últimos anos, mas é uma transformação lenta. Sem a mudança de comportamento da própria população, fica difícil falar em revolução. “O desastre do Rana Plaza serviu de alerta para a indústria, e isso provocou medidas para garantir que algo assim não aconteça novamente. Quando se trata de hábitos de consumo, porém, continuamos comprando mais roupas do que nunca. Os americanos compram três vezes mais do que há 50 anos”, disse ela, uma entusiasta da campanha #whomademyclothes. “É preciso muito mais que uma hashtag para transformar toda uma indústria, mas essa tem sido uma das mais influentes iniciativas para a conscientização do público. Algumas das maiores marcas do setor começaram a responder, e o número de envolvidos cresce a cada ano. Está funcionando”, afirmou.

Para a especialista, trata-se de desenvolver uma compreensão mais profunda das roupas, cuidar para que elas durem e dividir os gastos entre marcas que investem em linhas de produção sustentáveis. Nas mais prestigiadas universidades de Londres, centros de pesquisa de design formam novas gerações de criadores que já pensam a moda como arte e negócios de forma alternativa. Na semana passada, alunos do London College of Fashion da Universidade das Artes de Londres (UAL) espalharam caixas de coleta de garrafas PET entre as passarelas da Semana de Moda masculina. A capital britânica tem um dos piores índices de reciclagem de produtos plásticos do país, e os estudantes se juntaram à Prefeitura na campanha para reduzir o consumo dessas garrafas. Eles reaproveitarão o material recolhido para produzir tecidos com a ajuda de uma tecnologia desenvolvida pela grife Vin + Omi.


3
Vestido de “couro de uva”: a moda busca opção de material (Foto: VEGEA)

A etiqueta, que transforma plástico em lã, é uma das expoentes do slow-fashion — outro movimento global que vai extrapolando, aos poucos, os fóruns de ecologistas. O termo foi criado pela inglesa Kate Fletcher, professora do Centro de Moda Sustentável da UAL. Inspirado no slow-food, é uma reação direta ao fast-fashion, desafiando a maneira como olhamos para nosso guarda-roupa. A filosofia é a do consumo consciente, que incentiva a reflexão sobre o impacto da indústria da moda sobre o meio ambiente e os trabalhadores.

Pioneiros como a escritora e estilista australiana Jane Milburn atraem milhares de seguidores pregando a mensagem de que “roupa velha é o novo orgânico e remendar é bom para a alma”. Costurar remendos propositalmente visíveis em peças que seriam descartadas está virando mania on-line. Na publicação acadêmica Journal for Fashion Criticism, a prática é celebrada como “uma expressão poética da beleza na imperfeição”.

São inúmeros os posts no Instagram com a hashtag #visiblemending (remendo visível). Em Londres, é fácil achar workshops que ensinam a técnica. Quanto mais aparentes forem os pontos dos retalhos, melhor. Casaco furado pode ser um ato político. O risco é a rebeldia ser glamourizada, virar tendência, e as tais peças remendadas acabarem nas araras, como aconteceu com o punk e o grunge, que um dia nasceram como forma de protesto.








--alemão via tradutor do google
Ausstellungen im Victoria and Albert Museum (V & A) in London diskutieren über die kontroverse Beziehung der Umwelt mit der Modewelt.

Im Zuge der technologischen Entwicklungen, die die Preise und die Massenproduktion senkten, hinterließ die Textilindustrie eine Spur der Zerstörung, um synthetische Stoffe, Drucke, Farben und synthetische Fasern herzustellen.

1
Paar Ohrringe aus 1875 mit Kolibris-Köpfen im Victoria and Albert Museum in London (Foto: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM).

Am Eingang zu einer neuen Ausstellung zur Geschichte der Mode im Victoria and Albert Museum (V & A) in London stechen einige Stücke hervor, wie ein schwarzer Umhang aus gedrehten Hahnfedern, ein Statussymbol, das von den Damen von High Society in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es könnte mit einem Hut mit einem Fuchsschwanz kombiniert werden. Auffallend ist auch ein Kleid aus feiner weißer Baumwolle aus dem gleichen Jahrhundert, das mit kleinen Smaragden verziert ist. Die metallisch grünen Punkte sind tatsächlich 5000 Käferflügel. Um die inneren Strukturen der bewaffneten Röcke zu halten, war die Walflosse, ein zu dieser Zeit dezimiertes Tier in Europa, ein wesentliches Material. Es gibt sogar ein Paar Ohrringe von 1870 - ein sehr beliebtes Accessoire zu der Zeit - mit dem abgetrennten Kopf von Sairs-Kolibri gemacht.

Mehr als eine neue Show, um Fashionistas zu hypnotisieren, stellt die Ausstellung Fashioned from Nature das Zentrum eines der wichtigsten Museen der Welt dar, eine Diskussion, die als soziale Bewegung an Stärke gewonnen hat und die Ateliers einiger wirklich interessierter Designer extrapoliert die Zukunft des Planeten. Die 300 Exponate, von denen einige absichtlich morbide sind, decken 400 Jahre einer verstörenden Geschichte ab und regen zum Nachdenken über die symbiotische Verbindung zwischen Mode und Umwelt an. Das erstere wurde immer von letzterem inspiriert und ausgenutzt, eine komplexe Beziehung, die sowohl Schönheit als auch Brutalität haben kann.



2
Cover mit klassischen Hahnfedern aus dem 19. Jahrhundert von Auguste Champot (Foto: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM).


Im Zuge der technologischen Entwicklung, die die Preise und die Massenproduktion schmälerte, hinterließ die Textilindustrie eine Spur der Zerstörung, um Stoffe, Drucke, Farben und synthetische Fasern auf der Basis chemischer Stoffe zu produzieren, die Boden, Luft und Wasser kontaminieren. Massenproduktion hält das Mode-Segment auf der Liste der fünf umweltschädlichsten einundzwanzigsten Jahrhundert. Wie können wir die Fortsetzung dieses Schadens verhindern, wie blau gefärbte Flüsse, und was wir aus einer Vergangenheit der Degradierung lernen können, sind die Fragen, die Kuratoren der Ausstellung in der britischen Hauptstadt anregen wollen. Dafür haben sie sich einer Welle angeschlossen, die soziale Netzwerke nutzt, um auf die oft unsichtbare Wirkung von Mode aufmerksam zu machen.


Die Eröffnung der Ausstellung fiel mit dem fünften Jahrestag einer Tragödie zusammen, die den menschlichen Wert in dieser Gleichung deutlich machte, die durch die unkontrollierte Ausbeutung von Ressourcen und Arbeit gekennzeichnet war, insbesondere in weniger entwickelten Ländern. Im April 2013 brach das Rana-Plaza-Gebäude in Bangladesch zusammen und beerdigte 1.138 Menschen. Im verurteilten Gebäude befanden sich fünf Textilfabriken, in denen überwiegend junge Frauen mit minimalen Arbeitsbedingungen beschäftigt waren. Sie haben sich für große internationale Einzelhandelsmarken zusammengetan, die im Konzept von Fast-Fashion verankert sind, was den kontinuierlichen Austausch und Jet ihrer Kollektionen zu erschwinglichen Preisen ermöglicht.

Die Katastrophe führte dazu, dass zwei britische Designer, Carry Somers und Orsola de Castro, eine Bewegung gründeten, die sich bereits in mehr als 100 Ländern, darunter Brasilien, ausbreitete. Fashion Revolution mobilisiert Millionen von Menschen - wenn sie sich den Teilnehmern ihrer Veranstaltungen anschließen, wie Paraden und Workshops, und der Öffentlichkeit, die ihre Beiträge teilt und auf ihre alarmierenden Videos in sozialen Medien zugreift. Das Manifest der Gruppe fordert, dass Marken transparenter werden und Verantwortung für die Produktionskette von Kleidung übernehmen. Gleichzeitig fordert es die Einbeziehung der Gesellschaft, um den Druck auf eine Branche zu erhöhen, in der 75 Millionen Menschen beschäftigt sind, von denen 80% Frauen zwischen 18 und 35 Jahren sind.

Die Kampagne führt zu einem Hashtag, dem die Brandkraft eines #MeToo fehlt, dessen Präsenz in den Netzwerken jedoch exponentiell ansteigt. Die Verbraucher fotografieren ein Stück und fragen die Marken, die es produziert haben, mit dem Hashtag #whomademylclothes (wer hat meine Klamotten gemacht?). Mit dem Beitritt von Prominenten und digitalen Influencern fühlen sich immer mehr Unternehmen verpflichtet, darauf zu reagieren. Die Reaktion kommt in Form von Fotos von Arbeitern, die an irgendeiner Form der Produktion teilnahmen und immer die Botschaft "Ich habe ihre Kleidung gemacht" halten, seien es Farmer, Färber, Weber, Sticker oder Spinner.

Wenn das Internet allein keine Revolution darstellt, hilft die Kampagne, ein Produktionsmodell zu vermenschlichen, das nicht immer auf ethischen Gründen aufgebaut ist und den Maschinen hinter den Maschinen ein Gesicht gibt. Laut den Organisatoren der Bewegung, nur in diesem Jahr Fashion Revolution Week - entstanden in London und jetzt weltweit kopiert - gab 2.000 Artikel in der Weltpresse im April und erreichte 250 Millionen Menschen in den sozialen Medien.

"Unsere größte Genugtuung ist die zunehmende Reaktion der Marken von Jahr zu Jahr, die zeigt, dass die Arbeiter in dieser Kette an diesem Gespräch teilnehmen", sagte Orsola de Castro. Castro gab auch zu, dass, obwohl sich seit der Schande des Rana Plaza viel verändert hat, ein globales Szenario der Achtung der Menschenrechte und der Umwelt immer noch ein Traum ist. "Es hat Fortschritte in Bezug auf rechtliche Initiativen gegeben, um eine gesündere und ethischere Produktionskette zu gewährleisten. Seit der Tragödie wurden 1300 Fabriken inspiziert und 800 von ihnen wurden verbessert, aber die Vorfälle gehen weiter. Das Jahr 2017 wurde zum für Bekleidungsarbeiter in Bangladesch am schlimmsten ", erinnert sich der Aktivist.

Neben der Ausweitung der Diskussion über soziale Verantwortung in der Lieferkette nutzt die Bewegung die Stimme von Stylisten, die das Highlight des zweiten Teils der V & A-Show sind, die sich auf die Feier von Namen konzentriert, die seit langem nach Veränderung verlangen. Leute wie Stella McCartney, eine der ersten internationalen Designerinnen, verbieten die Verwendung von Leder, Tierhaut und Naturfedern in ihren Kreationen. Im letzten Monat kaufte es 50 Prozent seiner Anteile an Kering, einem Luxusmarkt-Riese, und ist damit alleiniger Eigentümer der Marke. Die Vereinbarung gab Paul McCartneys Tochter die vollständige Kontrolle über alle Phasen der Produktion ihrer Kollektionen, die nur organische oder recycelte Materialien verwenden.

Die Macht von Stellas Nachnamen - die sich immer daran erinnert, wie lächerlich sie war, ein Vegetarier zu sein, wenn das noch nicht Mode war - ist unschlagbar. Aber sie ist nicht die einzige, die über die Mode der Zukunft nachdenkt. Die Punk-Lady Vivienne Westwood ist in diesem Sinne eine Guerilla, während Katharine Hamnett, berühmt für ihre Protest-T-Shirts, bereits vor 30 Jahren mit ihrer radikalen ökologischen Sammlung Clean Up or Die bewusster Konsum forderte. Die beiden britischen Frauen werden für ihren Aktivismus auf der Messe in London geehrt, wo brasilianische Innovation durch die von Oskar nachhaltig hergestellten Pirarucu-Lederteile repräsentiert wird. Schon die italienische Vegea kommt mit der Herstellung von Leder aus Traubentrester. Wenn es seine Weine produziert, wirft Italien 7 Millionen Tonnen Abfall ab. Nach einem Trocknungsprozess wird der Designer Tiziano Guardini von einem Teil dieses Mülls in Kleidung und Accessoires verwandelt.

Während solche Etiketten für die meisten Verbraucher unzugänglich sind, dienen Initiativen in dieser Linie als Inspiration für diejenigen, die nicht als rückständig eingestuft werden wollen - oder noch schlimmer, mittelalterlich, um ein von McCartney angestelltes Adjektiv zu verwenden - in einem hart umkämpften Markt, ob in der Luxussegment oder nicht populär. Die Stärkung des Kleinproduzenten, die Wiederverwendung von Naturfaserstoffen, die Verschmelzung von 3D-Technologie mit Bioökonomie zur Neugestaltung von Materialien wie Seide und Schnürsenkel sind Themen, die heute bei Veranstaltungen Platz finden, wo die Modewelt bereit ist, über die Taschen hinaus zu denken .

Die britische Journalistin Olivia Peacock, eine Verfechterin nachhaltiger Praktiken, hat in den letzten Jahren einige Fortschritte gemacht, aber es ist eine langsame Transformation. Ohne die Veränderung des Verhaltens der Bevölkerung selbst ist es schwierig, von einer Revolution zu sprechen. "Das Rana-Plaza-Desaster war ein Weckruf für die Branche, und das hat Maßnahmen ausgelöst, um sicherzustellen, dass so etwas nicht wieder passiert. Was die Konsumgewohnheiten betrifft, kaufen wir Kleidung immer häufiger. Die Amerikaner kaufen dreimal mehr als vor 50 Jahren ", sagte sie, eine begeisterte Wahlkampfhelferin. "Es braucht viel mehr als einen Hashtag, um eine ganze Branche zu verändern, aber dies war eine der einflussreichsten Initiativen zur Sensibilisierung der Öffentlichkeit. Einige der größten Marken in der Branche haben begonnen zu reagieren, und die Anzahl der beteiligten Personen wächst jedes Jahr. Es funktioniert ", sagte er.

Für den Spezialisten geht es darum, ein tieferes Verständnis für Kleidung zu entwickeln, dafür zu sorgen, dass sie lange hält und die Ausgaben auf Marken verteilt, die in nachhaltige Produktionslinien investieren. An den renommiertesten Universitäten Londons entwerfen Forschungszentren neue Generationen von Kreativen, die bereits daran denken, die Kunst und das Geschäft auf eine alternative Weise zu gestalten. Letzte Woche zerstreuten Studenten des London College of Fashion an der Universität der Künste in London (UAL) PET-Flaschen-Sammlung unter den Laufstegen der Men's Fashion Week. Die britische Hauptstadt hat eines der schlimmsten Recycling-Raten für Kunststoffe und Studenten haben sich dem Rathaus angeschlossen, um den Verbrauch dieser Flaschen zu reduzieren. Sie werden das gesammelte Material wiederverwenden, um mit Hilfe einer von der Marke Vin + Omi entwickelten Technologie Gewebe herzustellen.


3
Kleid aus "Traubenleder": Modesuche Materialauswahl (Foto: VEGEA)

Das Label, das Plastik in Wolle verwandelt, ist einer der Vertreter von Slow-Fashion - eine weitere globale Bewegung, die allmählich über die Foren der Ökologen hinausgeht. Der Begriff wurde von Kate Fletcher, Professorin des Zentrums für nachhaltige Mode der UAL, geschaffen. Inspiriert von Slow-Food, ist es die direkte Reaktion auf Fast-Fashion, die unsere Garderobe herausfordert. Die Philosophie ist bewusster Konsum, der zum Nachdenken über die Auswirkungen der Modebranche auf Umwelt und Arbeiter anregt.

Pioniere wie die australische Schriftstellerin und Stylistin Jane Milburn ziehen Tausende von Anhängern an und predigen die Botschaft, dass "alte Kleidung das neue organische ist und Ausbesserung gut für die Seele ist". Das Nähen von absichtlich sichtbaren Flecken auf Teilen, die weggeworfen werden würden, macht Manie online. In der wissenschaftlichen Zeitschrift Journal for Fashion Criticism wird die Praxis als "poetischer Ausdruck von Schönheit in Unvollkommenheit" gefeiert.

Es gibt zahlreiche Posts in Instagram mit dem Hashtag #visislemending (visible patch). In London ist es leicht, Workshops zu finden, die die Technik lehren. Je mehr die Stiche fleckig sind, desto besser. Bored Coat kann ein politischer Akt sein. Das Risiko besteht darin, Rebellion zu verherrlichen, zu einem Trend zu werden, und solche geflickten Stücke enden in den Aras, passiert mit Punk und Grunge, die eines Tages als Protestform geboren wurden.









--ru via tradutor do google
Выставки в Музее Виктории и Альберта (V & A) в Лондоне обсуждают противоречивые отношения окружающей среды с миром моды.

По мере развития, после технологических разработок, которые снизили цены и массовое производство, текстильная промышленность оставила след разрушения для производства синтетических тканей, принтов, цветов и синтетических волокон.

1
Пара из 1875 сережек, сделанных с головами колибри на выставке в музее Виктории и Альберта в Лондоне (Фото: VICTORIA AND ALBERT MUSEUM).

На входе в новую выставку по истории моды в Музее Виктории и Альберта (V & A) в Лондоне выделяются некоторые предметы, такие как черный плащ из искривленных петушиных перьев, символ статуса, отображаемый дамами высокое общество во второй половине XIX века. Его можно комбинировать со шляпой, украшенной лисичкой. Также поражает платье из тонкого белого хлопка того же века, украшенное тем, что кажется маленькими изумрудами. Металлические зеленые точки, по сути, составляют 5000 крыльев-жуков. Чтобы удерживать внутренние структуры вооруженных юбок, важным материалом был кит кита, уничтоженное животное в Европе того времени. Есть даже пара серег с 1870 года - очень популярный аксессуар в то время - сделанный с отрубленной головой саира-колибри.

Выставка, созданная для того, чтобы загипнотизировать модников, выставка Fashioned from Nature ставит в центр одного из самых важных музеев в мире дискуссию, которая набирает силу как социальное движение и экстраполирует ателье нескольких дизайнеров, искренне обеспокоенных будущее планеты. 300 экспонатов - некоторые из них преднамеренно болезненные - охватывают 400 лет тревожной истории и стимулируют размышление о симбиотической связи между модой и окружающей средой. Первый всегда был вдохновлен и использовал последние, сложные отношения, которые могут иметь как красоту, так и жестокость.



2
Обложка, выполненная классическими петушиными перьями XIX века Августом Шампотом (Фото: ВИКТОРИЯ И АЛЬБЕРТСКИЙ МУЗЕЙ).


По мере того как он расширялся, после технологических разработок, которые снижали цены и массированного производства, текстильная промышленность оставила след разрушения для производства тканей, принтов, цветов и синтетических волокон на основе химических веществ, которые загрязняют почву, воздух и воду. Массовое производство удерживает сегмент моды в списке пяти наиболее загрязняющих двадцать первого века. Как мы можем предотвратить продолжение этого ущерба, как реки, окрашенные в синий цвет, и то, что мы можем извлечь из прошлого деградации, - это вопросы, которые хотят побудить кураторы из экспозиции в британской столице. Для этого они присоединились к волне, которая использует социальные сети для повышения осведомленности о часто невидимом влиянии моды.


Открытие выставки совпало с пятой годовщиной трагедии, в которой четко выражена человеческая ценность в этом уравнении, отмеченная неконтролируемой эксплуатацией ресурсов и рабочей силы, особенно в менее развитых странах. В апреле 2013 года здание Рана-Плаза рухнуло в Бангладеш, где похоронено 1 138 человек. В осужденном здании было пять фабрик по производству одежды, в которых в основном работали молодые женщины с минимальными условиями труда. Они объединились для крупных международных розничных брендов, которые привязаны к концепции быстрой моды, что позволяет осуществлять непрерывный обмен и струя своих коллекций по доступным ценам.

Катастрофа привела двух британских дизайнеров Карри Сомерса и Орсолу де Кастро, чтобы найти движение, которое уже распространяется через более чем 100 стран, среди которых Бразилия. Fashion Revolution мобилизует миллионы людей - если они присоединяются к участникам своих мероприятий, таких как парады и семинары, а также публика, которая разделяет свои посты и получает доступ к своим тревожным видео в социальных сетях. Манифест группы призывает бренды быть более прозрачными и брать на себя ответственность за цепочку производства одежды. В то же время он призывает к участию общества в усилении давления на отрасль, в которой работают 75 миллионов человек, 80% из которых составляют женщины в возрасте от 18 до 35 лет.

Кампания переводится в хэштег, в котором отсутствует зажигательная способность #MeToo, но экспоненциально возрастает его присутствие в сетях. Потребители фотографируют часть и спрашивают бренды, которые ее изготовили, размещая хэштаг # whomademycothes (кто сделал мою одежду?). С присоединением знаменитостей и цифровых влиятельных лиц все больше и больше компаний чувствуют себя обязанными отвечать. Реакция происходит в виде фотографий рабочих, которые участвовали в какой-то форме производства, всегда державших сообщение «Я сделал свою одежду», будь то фермеры, красильщики, ткачи, вышивальщики или прядильщики.

Если только интернет не совершает революцию, кампания помогает гуманизировать производственную модель, которая не всегда строится на этических принципах, давая лицо тем, кто стоит за машинами. По словам организаторов движения, только в этом году Fashion Revolution Week - возникла в Лондоне и теперь скопирована во всем мире - в апреле выпустила 2000 статей в мировой прессе и достигла 250 миллионов человек в социальных сетях.

«Наше самое большое удовлетворение - это растущее увеличение ответов от брендов из года в год, показывая, что в этой цепочке участвуют рабочие этой сети», - сказала Орсола де Кастро. Кастро также признал, что, хотя многое изменилось после позора Раны Плаза, глобальный сценарий уважения прав человека и окружающей среды по-прежнему является мечтой. «Были достигнуты успехи в юридических инициативах по обеспечению более здоровой и этичной производственной цепочки. После трагедии было проверено 1300 фабрик, и 800 из них улучшили свои условия, но инциденты продолжаются. 2017 год был объявлен самый смертельный для работников одежды в Бангладеш », - вспоминает активист.

В дополнение к расширению дискуссии о социальной ответственности в цепочке поставок движение использует голос стилистов, которые являются изюминкой второй части шоу V & A, посвященной празднованию имен, которые давно требуют перемен. Такие люди, как Стелла Маккартни, один из первых международных дизайнеров, запрещающих использование кожи, кожи животных и натуральных перьев в своих творениях. В прошлом месяце он купил 50 процентов своих акций в Kering, гиганте роскошного рынка, сделав его эксклюзивным владельцем самого бренда. Сделка позволила дочери Пола Маккартни полностью контролировать все этапы производства своих коллекций, которые используют только органические или переработанные материалы.

Сила фамилии Стеллы - которая всегда помнит, как высмеивала ее за то, что она вегетарианка, когда она еще не была причудой, - непревзойденна. Но она не единственная, кто думает о моде будущего. Панк-леди Вивьен Вествуд в этом смысле партизан, а Катарина Хамнетт, известная своими протестными майками, 30 лет назад уже призывала к осознанному потреблению своей радикальной экологической коллекции Clean Up или Die. Две британские женщины удостоены чести за свою активность на выставке в Лондоне, где бразильские новинки представлены кожаными частями пиракуку, выполненными устойчивым способом Оскленом. Уже итальянский Vegea выходит с изготовлением из кожи из виноградного марка. Когда он производит свои вина, Италия отбрасывает 7 миллионов тонн отходов. После прохождения процесса сушки часть этого мусора превращает одежду и аксессуары в руки дизайнера Тициано Гвардини.

Хотя такие ярлыки недоступны большинству потребителей, инициативы в этой линии служат вдохновением для тех, кто не хочет, чтобы их классифицировали как отсталые, или, что еще хуже, средневековые, чтобы использовать прилагательное, нанятое Маккартни, на высококонкурентном рынке, будь то в роскошный сегмент или не популярный. Укрепление небольшого производителя, повторное использование натуральных волоконных тканей, замужество 3D-технологий с биоэкономикой для перемагничивания материалов, таких как шелк и кружева, - это предметы, которые сегодня находят место в событиях, когда мир моды готов мыслить за пределами мешков ,

Британская журналистка Оливия Пикок, чемпион устойчивой практики, в последние годы имеет ряд достижений, но это медленная трансформация. Без изменения поведения самого населения трудно говорить о революции. «Рана Плаза катастрофа послужила стимулом для индустрии, и это привело к тому, что что-то подобное не повторится. Однако, когда дело доходит до потребительских привычек, мы продолжаем покупать одежду больше, чем когда-либо прежде. Американцы покупают три раза больше, чем 50 лет назад », - сказала она, энтузиаст кампании« whomademismothe ». «Для преобразования всей отрасли требуется гораздо больше, чем хэштаг, но это была одна из самых влиятельных инициатив в области информирования общественности. Некоторые из крупнейших брендов в отрасли начали реагировать, и число вовлеченных людей растет с каждым годом. Он работает, - сказал он.

Для специалиста речь идет о более глубоком понимании одежды, заботясь о них, чтобы продолжать и делить расходы среди брендов, которые инвестируют в устойчивые производственные линии. В самых престижных университетах Лондона исследовательские центры разрабатывают новые поколения создателей, которые уже думают о моде и бизнесе альтернативным способом. На прошлой неделе студенты Лондонского колледжа моды в Университете искусств в Лондоне (UAL) разбросали коллекцию ПЭТ-бутылок среди взлетно-посадочных полос Недели моды для мужчин. Британская столица имеет один из худших показателей переработки пластмасс в стране, и студенты присоединились к мэрии в кампании по сокращению потребления этих бутылок. Они будут повторно использовать собранный материал для производства тканей с помощью технологии, разработанной брендом Vin + Omi.


3
Платье из «виноградной кожи»: выбор материала для поиска одежды (Фото: VEGEA)

Метка, которая превращает пластик в шерсть, является одним из экспонентов медленной моды - еще одного глобального движения, которое постепенно выходит за рамки форумов экологов. Этот термин был создан Кейт Флетчер, профессором Центра устойчивой моды UAL. Вдохновленный медленной пищей, это прямая реакция на быструю моду, бросая вызов тому, как мы смотрим в нашем гардеробе. Философия - это сознательное потребление, которое поощряет размышление о влиянии индустрии моды на окружающую среду и работников.

Пионеры, такие как австралийский писатель и стилист Джейн Милберн, привлекают тысячи последователей, проповедующих сообщение о том, что «старая одежда - это новая органическая и исправляющая благо для души». Вышивание специально видимых пятен на частях, которые будут отброшены, превращается в манию в Интернете. В академическом издании «Journal for Fashion Criticism» эта практика отмечается как «поэтическое выражение красоты в несовершенстве».

В Instagram есть множество сообщений с хэштегом #visiblemending (видимый патч). В Лондоне легко найти мастерские, которые учат технике. Чем больше шовных пятен, тем лучше. Скучное пальто может быть политическим актом. Риск - это восстание, которое гламурируется, становится тенденцией, и такие исправленные части заканчиваются в арах, случаются с панком и гранжем, которые в один прекрасный день родились в форме протеста.






--chines simplificado via tradutor do google
伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆(V&A)的展览讨论了环境与时尚界争议的关系。

随着技术的发展,降低了价格和大规模生产,纺织业在生产合成纤维,印花,颜色和合成纤维方面留下了破坏的痕迹。

1
在伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆展出一对由蜂鸟头制成的1875颗耳环(图片:VICTORIA AND ALBERT MUSEUM)。

在伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆(V&A)举办的新时尚历史展览的入口处,有些作品脱颖而出,例如由扭曲的公鸡羽毛制成的黑色斗篷,由女士们展示的身份象征。 19世纪下半叶的上流社会。它可以与装饰有狗尾草的帽子相结合。同样引人注目的是一件白色的精美棉质连衣裙,从同一世纪开始,装饰着看似小的祖母绿。事实上,金属绿点是5,000个甲虫翅膀。为了保持武装裙的内部结构,一种重要的材料是鲸鱼的鳍,当时欧洲是一种堕落的动物。甚至还有一对1870年的耳环 - 当时非常受欢迎的配饰 - 用切断的蜂巢蜂鸟制成。

“塑造自然”展览不仅是一个催生时尚达人的新节目,也是世界上最重要的博物馆之一的中心,这一讨论已经成为社会运动的一种力量,并推断了一些真正关注的设计师的工作室。地球的未来。 300件展品 - 其中一些故意病态 - 涵盖了400年令人不安的故事,并激发人们对时尚与环境之间共生联系的反思。前者一直受到启发并利用后者,这种复杂的关系可以同时具有美感和残酷。



2
由Auguste Champot用19世纪经典公鸡羽毛制成的封面(照片:VICTORIA AND ALBERT MUSEUM)。


随着技术的发展,降低了价格和大规模生产,纺织业发展迅速,生产出基于污染土壤,空气和水的化学试剂的织物,印花,颜色和合成纤维。大规模制造使时尚领域成为二十一世纪污染最严重的五大名单。我们怎样才能防止这种损害的继续,如染成蓝色的河流,以及我们从过去的退化中可以学到的东西是英国首都博览会策展人想要煽动的问题。为此,他们加入了一股浪潮,利用社交网络提高人们对时尚往往无形影响的认识。


展览的开幕恰逢悲剧发生五周年,这一悲剧清楚地表明了这一等式中的人类价值,其标志是资源和劳动力的不受控制的开发,特别是在欠发达国家。 2013年4月,拉纳广场大楼在孟加拉国倒塌,埋葬了1,138人。被谴责的建筑物中有五家服装厂,雇用的主要是年轻女性,工作条件极差。他们为快速时尚概念的主要国际零售品牌缝合在一起,这使得他们能够以合理的价格持续交换和收藏他们的产品。

这场灾难导致两位英国设计师Carry Somers和Orsola de Castro发起了一场运动,这场运动已经遍及100多个国家,其中包括巴西。时尚革命动员了数百万人 - 如果他们加入他们的活动的参与者,如游行和研讨会,以及分享他们的帖子并在社交媒体上访问他们惊人的视频的公众。该集团的宣言呼吁品牌更加透明,并对服装生产链负责。与此同时,它呼吁社会参与增加对一个拥有7500万人口的行业的压力,其中80%的人口年龄在18至35岁之间。

该活动转化为一个标签,缺少#MeToo的煽动性力量,但一直在指数增加其在网络上的存在。消费者拍摄一件作品并询问制作它的品牌,发布标签#whomademyclothes(谁制作了我的衣服?)。随着名人和数字影响者的加入,越来越多的公司感到有责任做出回应。反应的形式是参与某种形式生产的工人的照片,总是传递着“我做衣服”的信息,无论是农民,染色工,织布工,刺绣工或纺纱工。

如果互联网本身没有进行革命,那么该活动有助于将生产模式人性化,并不总是建立在道德基础之上,为机器背后的人提供面子。据该运动的组织者称,仅今年的时尚革命周 - 起源于伦敦,现已在世界范围内复制 - 4月份在全球媒体上发表了2000篇文章,社交媒体上达到2.5亿人。

“我们最大的满足是品牌的反应逐年增加,表明该连锁店的工人正在参与这次谈话,”Orsola de Castro说。卡斯特罗还承认,自拉纳广场耻辱以来发生了很大变化,尊重人权和环境的全球情景仍然是一个梦想。 “在法律倡议方面取得了一些进展,以确保更加健康和道德的生产链。自悲剧发生以来,已有1300家工厂接受检查,其中800家已经改善了条件,但事故仍在继续。2017年被宣布为对于孟加拉国的服装工人来说,这是最致命的,“这位活动人士回忆道。

除了扩大供应链中社会责任的讨论之外,该运动还利用造型师的声音,这是V&A展会第二部分的亮点,致力于庆祝长期需要改变的名字。人们喜欢Stella McCartney,他是最早禁止在其作品中使用皮革,动物皮和天然羽毛的国际设计师之一。上个月,它购买了50%的奢侈品市场巨头Kering的股份,使其成为该品牌的独家所有者。这笔交易让保罗·麦卡特尼的女儿完全控制了生产他们的系列的所有阶段,这些产品只使用有机或再生材料。

斯特拉的姓氏的力量 - 这总是让人记得当她还不流行时,她是一名素食主义者是多么嘲笑 - 是无与伦比的。但她并不是唯一一个思考未来时尚的人。朋克女士Vivienne Westwood就是这种意义上的游击队员,而30年前因抗议T恤而闻名的凯瑟琳哈姆奈特已经通过她的激进生态系列清理或死亡呼唤有意识的消费。这两位英国女性因在伦敦展览中的活动而受到表彰,其中巴西创新的代表是Osklen以可持续方式制作的皮拉鲁库皮革部件。意大利Vegea已经开始制作由葡萄皮制成的皮革。在生产葡萄酒时,意大利丢弃了700万吨废物。经过干燥过程后,一些垃圾将衣服和配件转移到设计师Tiziano Guardini的手中。

虽然大多数消费者都无法接触到这样的标签,但这一行的举措可以激励那些不想被归类为落后的人 - 或者更糟糕的是,中世纪的人,使用麦卡特尼所采用的形容词 - 在竞争激烈的市场中,无论是在奢侈品细分或不受欢迎。小型生产商的加强,天然纤维织物的再利用,3D技术与生物经济学的结合,重新构想了丝绸和鞋带等材料,这些都是当今时尚世界愿意思考的事件的空间。 。

英国记者Olivia Peacock是可持续实践的倡导者,近年来取得了许多进展,但这是一个缓慢的转变。如果不改变人口本身的行为,就很难谈论革命。 “拉纳广场灾难成为业界的警钟,这已经引发了一些措施,以确保不再发生这样的事情。但是,在消费者习惯方面,我们比以往任何时候都更多地购买衣服。美国人比50年前买三倍,“她说,#whomademyclothes运动爱好者。 “改变整个行业需要更多的标签,但这是最有影响力的公众意识倡议之一。业内一些最大的品牌已经开始响应,每年涉及的人数都在增长。它正在发挥作用,“他说。

对于专家来说,这是为了更深入地了解服装,照顾它们以及在可持续生产线投资的品牌之间分配支出。在伦敦最负盛名的大学,研究中心设计了新一代的创作者,他们已经以另类的方式将时尚视为艺术和商业。上周,伦敦艺术大学伦敦时装学院(UAL)的学生在男士时装周的T台上分散了PET瓶系列。英国首都拥有该国最差的塑料回收率之一,学生们已加入市政厅,以减少这些瓶子的消费。他们将利用Vin + Omi品牌开发的技术,重复利用所收集的材料生产面料。


3
“葡萄皮”连衣裙:时尚搜索材料选择(图片来源:VEGEA)

这种将塑料转化为羊毛的标签是慢时尚的代表之一 - 另一种全球运动逐渐超越了生态学家的论坛。该术语由UAL可持续时尚中心教授Kate Fletcher创建。受慢食的启发,它是对快时尚的直接反应,挑战我们在衣橱里的样子。其理念是有意识的消费,鼓励人们反思时装业对环境和工人的影响。

像澳大利亚作家和造型师简·米尔本这样的先驱吸引了成千上万的粉丝,宣传“旧衣服是新的有机物,修补物对灵魂有益”。在被丢弃的部件上有目的地缝制可见的补丁是在线转动狂热。在学术出版物“时尚批评杂志”中,这种做法被称为“在不完美中表现美的诗意”。

Instagram上有许多帖子,标签为#visiblemending(可见补丁)。在伦敦,很容易找到教授该技术的研讨会。缝线越多越好,越好。无聊的外套可能是一种政治行为。风险是反叛被美化,成为一种趋势,这些修补的碎片最终落入金刚鹦鹉,发生在朋克和垃圾,有一天出生的形式是抗议。