terça-feira, 13 de fevereiro de 2018

Icon of Brazilian modernism, Tarsila do Amaral debuts at MoMA. - Ícone do modernismo brasileiro, Tarsila do Amaral estreia no MoMA.

Artist wins individually at the important museum in New York. The exhibition will open today, when 96 years of the Week of 22 are completed.




In Brazil, the images created by Paulista Tarsila do Amaral (1886-1973) illustrate even puzzle games in toy stores and bookstores, but in the United States her name still sounds unfamiliar. With a delay of almost a century after having painted Abaporu, considered the most valuable Brazilian art work, this may change a bit from this Sunday (11), when the Museum of Modern Art (MoMA) opens the monographic exhibition Tarsila do Amaral : Inventing modern art in Brazil.

Running through June 3, the show, which focuses on her work in the 1920s, is the artist's first individual presented by a major cultural institution in the United States. Even for MoMA, Tarsila is new. One of the last sketches for the 1930s only newly-donated museum figure is her first work included in the collection of the renowned museum.

Tarsila's debut in New York coincides with a landmark. On February 11, 1922, the Modern Art Week was opened at the Municipal Theater of São Paulo, in which artists and intellectuals presented new forms of expression freed from the aesthetics of the 19th century, ruled by the European tradition, and opened the way for the invention of an independent and modern Brazilian art.

Tarsila did not personally participate in that demonstration, since she was in Europe. However, in creating paintings that visually transcribe the anthropophagic discourse, the most prominent cultural movement in that period, she became one of the leading figures in the genesis and development of modern art that Week 22 advocated.

"The figure of Tarsila is inextricably linked to modern Brazilian design," says historian Luis Pérez-Oramas, who organized the 30th São Paulo Biennial in 2012. Oramas signs the curation of the exhibition at MoMA in partnership with Stephanie D'Alessandro, former curator of international art at the Art Institute of Chicago, where the artist's show was shown at the end of 2017.

In emphasizing the importance of Tarsila, Stephanie emphasizes that without her drawings and paintings, "the most important cultural movement in modern Brazilian history would have a very different effect on national artistic production after 1920."

Tarsila do Amaral: Inventing modern art in Brazil exhibits about 130 works, including paintings, drawings, notebooks, photographs and documents. The black (1923), Abaporu (1928) and Antropofagia (1929), three of the main works of the paulista, form the nucleus of the exhibition.


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by MARIA CASTRO


Tarsila do Amaral, Abaporú

Tarsila do Amaral, Abaporú, 
1928, oil on canvas, 85 cm × 73 cm 
(Museum of Latin American Art, Buenos Aires)

“Man Who Eats”

Although shown nude, Tarsila do Amaral’s Abaporú is ambiguous in terms of age, gender, and race. The scene is painted from an extremely low perspective, which causes the figure’s body to appear distorted. The bare right hand and foot, firmly planted on the ground, are enormous, while the head and upper torso are diminutive. The figure appears to be outdoors, sitting on a green surface from which rises a large cactus. A yellow sun—or is it a flower?—just touches the cactus and is set against a blue background.

Tarsila, as she is known in Brazil, was one of the foremost painters of Brazil’s modernist movement in the first half of the twentieth century. She is best known for her innovative paintings of the 1920s, when she was actively engaged in the development of the new visual language of Brazilian modernism.

In January of 1928, Tarsila presented Abaporú as a birthday gift to her husband, the prominent modernist writer Oswald de Andrade. By their own accounts, de Andrade was fascinated by the painting and proclaimed that he would create a movement around it. Using a dictionary of indigenous Brazilian languages, Tarsila and de Andrade named the painting “Abaporú,” a combination of words that can be roughly translated as “man who eats.”

Abaporú, which is today in the collection of the Museum of Latin American Art in Buenos Aires (MALBA), has become an icon of twentieth-century Brazilian art. This is both because the painting employs unique visual strategies—a bright palette, exaggerated forms, and collapsed perspective—and because it inspired the writing of one of the most important documents in the history of Brazilian art: de Andrade’s Manifesto Antropófago (Cannibalist Manifesto), written in 1928.

The Cannibalist Manifesto

With the famous phrase “Tupi or not tupi, that is the question,” de Andrade opens his Cannibalist Manifesto making a reference to Shakespeare’s Hamlet while asking a question about Brazilian cultural identity. The Tupi were one of the largest Amerindian groups in pre-colonial Brazil, encompassing many tribes that lived along the region’s Atlantic coast. Some Tupi tribes may have practiced ceremonial sacrifices and anthropophagy—practices that aroused the fascination of early European explorers like the Dutch. Many sixteenth- and seventeenth-century artists, such as Theodor de Bry and Albert Eckhout, explored the subject of anthropophagy in fantastical prints and paintings that depicted Amerindian Brazilians consuming or carrying severed limbs.

In his manifesto, de Andrade employs the concept of anthropophagy as a metaphor for cultural consumption. He argues that artists should be free to consume, or cannibalize, the many cultural influences that surrounded them in modern Brazil—be they indigenous, popular, or foreign. After a process of digestion, or synthesis, this consumption would yield new cultural products, both original and genuinely Brazilian.

The manifesto was published in the first issue of the Revista de Antropofagia (Journal of Anthropophagy) in May of 1928, accompanied by a line drawing of Tarsila’s Abaporú.

Devouring influences

Approaching Tarsila’s painting through de Andrade’s theory reveals how the artist engaged multiple visual sources and reassigned meaning to the forms of European art. For example, the figure’s posture in Abaporú is reminiscent of Auguste Rodin’s famous sculpture The Thinker. However, here the figure’s small head destabilizes the original sculpture’s emphasis on intellectual contemplation, placing our focus instead on its enlarged limbs that, rather than resting on a pedestal, connect directly to the earth. Abaporú is not a traditional heroic European male nude, but a creature emerging, quite literally, from Brazilian nature.




Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.
Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.







--br
Ícone do modernismo brasileiro, Tarsila do Amaral estreia no MoMA.

Artista ganha individual no importante museu de Nova York. Exposição será aberta hoje, quando se completam 96 anos da Semana de 22.

No Brasil, as imagens que a paulista Tarsila do Amaral (1886-1973) criou ilustram até jogos de quebra-cabeça em lojas de brinquedo e livrarias, mas nos Estados Unidos seu nome ainda soa desconhecido. Com atraso de quase um século depois de ter pintado Abaporu, considerada a obra de arte brasileira mais valiosa, isso talvez mude um pouco a partir deste domingo (11), quando o Museum of Modern Art (MoMA) abre a exposição monográfica Tarsila do Amaral: Inventing modern art in Brazil.

Em cartaz até 3 de junho, a mostra, que se concentra no trabalho produzido por ela na década de 1920, é a primeira individual da artista apresentada por uma grande instituição cultural dos Estados Unidos. Mesmo para o MoMA, Tarsila é novidade. Um dos últimos esboços para a tela Figura só, de 1930, recém-doado ao museu, é o primeiro trabalho dela incluído na coleção do renomado museu.

A estreia de Tarsila em Nova York coincide com um marco histórico. Em 11 de fevereiro de 1922, foi aberta, no Teatro Municipal de São Paulo, a Semana de Arte Moderna, na qual artistas e intelectuais apresentaram novas formas de expressão libertas da estética do século 19, regida pela tradição europeia, e abriram caminhos para a invenção de uma arte brasileira independente e moderna.

Tarsila não participou pessoalmente daquela manifestação, pois estava na Europa. Porém, ao criar pinturas que transcrevem visualmente o discurso antropofágico, movimento cultural com maior destaque naquele período, ela se tornou uma das figuras principais na gênese e no desenvolvimento da arte moderna que a Semana de 22 preconizou.

“A figura de Tarsila é inextricavelmente ligada ao projeto moderno brasileiro”, diz o historiador Luis Pérez-Oramas, que organizou a 30ª Bienal de São Paulo, em 2012. Oramas assina a curadoria da exposição no MoMA em parceria com Stephanie D’Alessandro, ex-curadora de arte moderna internacional do Art Institute of Chicago, onde a mostra da pintora foi exibida no fim de 2017.

Ao ressaltar a importância de Tarsila, Stephanie enfatiza que sem os desenhos e pinturas dela, “o movimento cultural mais importante na história moderna brasileira teria um efeito muito diferente na produção artística nacional depois de 1920”.

Cronológica e com abordagem temática, Tarsila do Amaral: Inventing modern art in Brazil exibe cerca de 130 trabalhos, entre pinturas, desenhos, cadernos, fotografias e documentos. A negra (1923), Abaporu (1928) e Antropofagia (1929), três das principais obras da paulista, formam o núcleo da exposição.




-
por MARIA CASTRO

Tarsila do Amaral, Abaporú
imagem
Tarsila do Amaral, Abaporú, 1928, óleo sobre tela, 85 cm × 73 cm (Museu de Arte Latino Americana, Buenos Aires)

"Homem que come"
Apesar de mostrado nu, o Abaporú de Tarsila do Amaral é ambíguo em termos de idade, gênero e raça. A cena é pintada a partir de uma perspectiva extremamente baixa, o que faz com que o corpo da figura pareça distorcido. A mão e o pé nus, firmemente plantados no chão, são enormes, enquanto a cabeça eo tronco são diminutos. A figura parece estar ao ar livre, sentada em uma superfície verde a partir da qual se levanta um grande cacto. Um sol amarelo - ou é uma flor? - apenas toca o cacto e é ajustado contra um fundo azul.

Tarsila, como ela é conhecida no Brasil, foi um dos principais pintores do movimento modernista do Brasil na primeira metade do século XX. Ela é mais conhecida por suas pinturas inovadoras da década de 1920, quando estava ativamente envolvida no desenvolvimento da nova linguagem visual do modernismo brasileiro.

Em janeiro de 1928, Tarsila apresentou a Abaporú como um presente de aniversário para o marido, o prominente escritor modernista Oswald de Andrade. Por suas próprias contas, de Andrade ficou fascinado com a pintura e proclamou que ele criaria um movimento ao redor. Usando um dicionário de línguas indígenas brasileiras, Tarsila e de Andrade chamaram a pintura "Abaporú", uma combinação de palavras que pode ser traduzida como "homem que come".

Abaporú, que hoje está na coleção do Museu de Arte Latino-Americana em Buenos Aires (MALBA), tornou-se um ícone da arte brasileira do século XX. Isso é tanto porque a pintura emprega estratégias visuais únicas - uma paleta brilhante, formas exageradas e uma perspectiva colapsada - e porque inspirou a redação de um dos documentos mais importantes da história da arte brasileira: Manifesto antropófago de Manrade (Manifesto canibalista) , escrito em 1928.

Manifesto canibalista
Oswald de Andrade, Manifesto Antropófago (Manifesto dos Canibalistas), Revista de Antropofagia (Journal of Anthropophagy), maio de 1928
Oswald de Andrade, Manifesto Antropófago (Manifesto canibal), na Revista de Antropofagia (Diário de Antropago), maio de 1928

Com a famosa frase "Tupi ou não tupi, essa é a questão", de Andrade abre seu Manifesto Canibalista fazendo uma referência ao Hamlet de Shakespeare ao fazer uma pergunta sobre a identidade cultural brasileira. Os Tupi eram um dos maiores grupos ameríndios no Brasil pré-colonial, abrangendo muitas tribos que viviam ao longo da costa atlântica da região. Algumas tribos Tupi podem ter praticado sacrifícios cerimoniais e práticas antropofágicas que despertaram o fascínio dos primeiros exploradores europeus como os holandeses. Muitos artistas do século dezesseis e do século XVII, como Theodor de Bry e Albert Eckhout, exploraram o tema da antropofagia em impressões e pinturas fantásticas que representavam os brasileiros ameríndios que consomem ou trazem membros separados.

Em seu manifesto, de Andrade emprega o conceito de antropofagia como uma metáfora para o consumo cultural. Ele argumenta que os artistas devem ser livres para consumir, ou canibalizar, as muitas influências culturais que os cercaram no Brasil moderno - seja eles indígenas, populares ou estrangeiros. Após um processo de digestão ou síntese, esse consumo produziria novos produtos culturais, originais e genuinamente brasileiros.

O manifesto foi publicado na primeira edição da Revista de Antropofagia, em maio de 1928, acompanhado de uma linha desenhada do Abaporú de Tarsila.

Influências devoradoras

Aproximar a pintura de Tarsila através da teoria de Andrade revela como o artista envolveu várias fontes visuais e reatribuiu o significado às formas da arte européia. Por exemplo, a postura da figura em Abaporú é uma reminiscência da famosa escultura de Auguste Rodin, The Thinker. No entanto, aqui a pequena cabeça da figura desestabiliza a ênfase da escultura original na contemplação intelectual, colocando nosso foco em vez disso em seus membros ampliados que, ao invés de descansar em um pedestal, se conectam diretamente à Terra. Abaporú não é um homem tradicional heróico masculino europeu, mas uma criatura emergente, literalmente, da natureza brasileira.

Simone Martini: Saint Catherine of Alexandria. - Simone Martini: Santa Catarina de Alexandria - Simone Martini: Santa Caterina d'Alessandria - Симоне Мартіні: свята Катерина Олександрійська

Description

Saint Catherine of Alexandria, in the cusp Angel, gold and tempera on wood, dated 1325 circa. Critics agree to assign this work to a polyptych painted by Simone Martini for the church of Sant'Agostino in San Gimignano (Siena). Simone Martini (1284-1344), one of the most important Italian painters of the fourteenth century, began his activity under the influence of Duccio da Buoninsegna. Among his works: La Maestà (1315), San Ludovico da Tolosa (1317), Annunciation (1333), the fresco Guidoriccio da Fogliano (1328) and the frescoes Storie di San Martino (1317) in the lower Basilica of Assisi. Photo taken on the occasion of the Duccio exhibition - the origins of Sienese painting set up in Siena in 2003-2004.



Painting descriptors; tempera; holy; angel

Identifiers named Martini, Simone, Santa Caterina d'Alessandria

Chronological identifiers 1325

Theme areas Art: theory, history, techniques

Curators of the selection Grossi, Edoardo

Supplier body of the image: Olycom S.p.A. Creative Commons: non-commercial attribution-not derivative works 2.5 Italy




Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.
Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 

but what modifies the way of looking and hearing.








--br via tradutor do google
Simone Martini: Santa Catarina de Alexandria
descrição

Santa Catarina de Alexandria, na cúspide Angel, ouro e tempera em madeira, datada de 1325 circa. Os críticos concordam em atribuir este trabalho a um polyptych pintado por Simone Martini para a igreja de Sant'Agostino em San Gimignano (Siena). Simone Martini (1284-1344), um dos mais importantes pintores italianos do século XIV, iniciou sua atividade sob a influência de Duccio da Buoninsegna. Entre os seus trabalhos: La Maestà (1315), San Ludovico da Tolosa (1317), Annunciation (1333), o fresco Guidoriccio da Fogliano (1328) e os afrescos Storie di San Martino (1317) na Basílica inferior de Assis. Foto tomada por ocasião da exposição Duccio - as origens da pintura sienesa criada em Siena em 2003-2004.

Descriptores de pintura; têmpera; santo; anjo

Identificadores chamados Martini, Simone, Santa Caterina d'Alessandria

Identificadores cronológicos 1325

Áreas temáticas Arte: teoria, história, técnicas

Curadores da seleção Grossi, Edoardo

Corpo do fornecedor da imagem: Olycom S.p.A. Creative Commons: atribuição não comercial, não derivada, obras 2.5 Itália










--it
Simone Martini: Santa Caterina d'Alessandria
Descrizione

Santa Caterina d'Alessandria , nella cuspide Angelo , oro e tempera su tavola, datata 1325 circa. La critica concorda nell'assegnare quest'opera ad un polittico dipinto da Simone Martini per la chiesa di Sant'Agostino a San Gimignano (Siena). Simone Martini (1284-1344), uno dei più importanti pittori italiani del XIV secolo iniziò la sua attività sotto l'influsso di Duccio da Buoninsegna. Tra le sue opere: la Maestà (1315), San Ludovico da Tolosa (1317), Annunciazione (1333), l'affresco Guidoriccio da Fogliano (1328) e gli affreschi Storie di San Martino (1317) nella Basilica inferiore di Assisi. Foto scattata in occasione della mostra Duccio-alle origini della pittura senese allestita a Siena nel 2003-2004.

Descrittori pittura; tempera; santo; angelo

Identificatori di nome Martini, Simone;Santa Caterina d'Alessandria

Identificatori cronologici 1325

Aree tematiche Arte: teoria, storia, tecniche

Curatori della selezione Grossi, Edoardo

Ente fornitore dell`immagine: Olycom S.p.A. Creative Commons: attribuzione-non commerciale-non opere derivate 2.5 Italia

Sito web www.olycom.it






--uc via tradutor do google
Симоне Мартіні: свята Катерина Олександрійська
Опис

Свята Катерина Олександрійського, в кашпе Ангел, золото і темпера на дереві, близько 1325 р. Критики погоджуються призначати цю роботу поліптиху, написаному Симоне Мартіні для церкви Сант-Агостіно в Сан-Джіміньяно (Сієна). Симоне Мартіні (1284-1344), один з найважливіших італійських живописців чотирнадцятого століття, розпочав свою діяльність під впливом Дуччо-да-Буонінсгна. Серед його творів: La Maestà (1315), Сан-Людовіко-да-Толоса (1317 р.), Благовіщення (1333 р.), Фреска Guidoriccio da Fogliano (1328 р.) Та фрески Storie di San Martino (1317 р.) В нижній базиліці Ассижу. Фото, зроблене з нагоди виставки Duccio - витоки сіенської живопису, створених у Сієні в 2003-2004 роках.

Дескриптори живопису; темпера; святий; ангел

Ідентифікатори названі Мартіні, Симоне, Санта Катерина д'Алессандрія

Хронологічні ідентифікатори 1325

Тематичні області Арт: теорія, історія, техніка

Куратори відбору Гроссі, Едоардо

Корпус постачальника зображення: Olycom S.p.A Creative Commons: некоммерческие атрибуції, а не похідні роботи 2.5 Італія


Веб-сайт www.olycom.it