segunda-feira, 8 de dezembro de 2014

The punishment of the heretics. Drawing by Botticelli, Sandro. - (1444/45 - 1510)


Sandro Botticelli (1444/45 - 1510)


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Though Botticelli now enjoys a world-wide reputation as perhaps the most famous early Renaissance artist, his paintings were highly esteemed for only about a quarter century during his lifetime, from the early 1470s through the mid 1490s, and primarily in one city, his native Florence. By the time of his death Botticelli had fallen out of fashion and remained largely forgotten until his rediscovery in the late nineteenth century. From that time on, he has been appreciated primarily for the delicacy, gracefulness, and linear beauty of his mythological works from the 1480s, the Primavera and the Birth of Venus. Both of these works reveal not only Botticelli's poetic sensibilities, but his contact with Florentine poets 


Giorgio Vasari, our most important early source on Botticelli, wrote in 1550 that "Since Botticelli was a learned man, he wrote a commentary on part of Dante's poem, and after illustrating the Inferno, he printed the work." Vasari refers Botticelli's drawings for some of the engravings by Baccio Baldini that adorned the first edition of the Divine Comedy published in Florence, in 1481, with commentary by Cristoforo Landino. Botticelli also painted a portrait of the poet, probably to adorn the library of a scholar. These two projects reflect the revival of interest in Dante in late fifteenth-century Florence.

An anonymous author, writing in about 1540, informs us that Botticelli "painted and illustrated a Dante on sheepskin for Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici [who also owned the Primavera] which was held to be something marvelous." He refers to an extraordinarily ambitious and original project. Whereas previous artists had decorated manuscripts of the Divine Comedy, usually with small images of a few key scenes that appeared on the same page as the text, Botticelli planned to illustrate every canto. Moreover, the drawings are very large, arranged horizontally (unlike most books) and full the entire smooth (flesh) side of the parchment. Originally, the images could be seen together with the text, written by Niccolò Mangona on the opposite (rough) side of the parchment. 
 
Of this project 92 parchment sheets survive, divided between Berlin and the Vatican. Botticelli completed the outline drawings for nearly all the cantos, but only added colors for a few. The artist shows his "learning" and artistic skill by representing each of the three realms each in a distinctive way. More than his contemporaries, Botticelli was extremely faithful to Dante's text. Moreover, especially in the teaming, bewildering images of the Inferno, he included a large number of scenes for each canto. For the Purgatorio, Botticelli was somewhat more selective and made greater use of "rational" perspective: for the Paradiso, his simplified drawings capture the ethereal nature of the text. Botticelli also created a highly detailed cross section map of the underworld, and a frightening portrayal of Satan on a double sheet.

Suburban Culture: Five Noteworthy Museums In Suburbia

 



It's our fourth edition of Gothamist's travel content, Gothamist Getaways. A few times a year, we'll have a week of posts featuring looks at travel, food, products and tips—near and far—for making your trips more enjoyable. So sit back, dream of your next journey and let us know if you have any hints for us—email travel@gothamist.com.

If you thought the suburbs were devoid of culture, think again. Some of these suburban museums have artwork by Georgia O'Keeffe, Jackson Pollock, and many other famed artists. They're just an easy day trip from the city if you aren't up for dealing with the crowds at the MoMA - and as an added plus, they're probably a short drive from a Taco Bell drive-thru.



Nassau County Museum of Art (Facebook)


NASSAU COUNTY MUSEUM OF ART

You'll feel like you're visiting Gatsby's house when you enter the Nassau County Museum of Art. The museum is housed on the former Frick Estate in a stretch of the North Shore of Long Island filled with Gold Coast Mansions. The permanent collection includes work by Roy Lichtenstein and Larry Rivers. Be sure to bundle up and stroll through the Sculpture Park on the grounds of this 145-acre property, home to over forty sculptures including works by Tom Otterness and Richard Serra.

Currently on exhibit is
China Then and Now , the museum's first exhibition on Asian Art.



African dancers at the Neuberger Museum of Art (Facebook)


NEUBERGER MUSEUM OF ART

Housed on the SUNY Purchase campus, this Westchester art museum features modern, contemporary, and African art in their collection. The museum's permanent collection includes paintings by Mark Rothko, Jackson Pollock, Lee Krasner, Thomas Cole, and Georgia O'Keeffe, to name just a few. The museum is free the first Saturday of the month, and is open Tuesday-Sunday, 12-5 p.m.



Montclair Art Museum (Facebook)


MONTCLAIR ART MUSEUM

This New Jersey museum celebrated their centennial this year. In February, MAM will host the exhibit Come As You Are: Art of the 90s with sixty pieces by forty-five artists including paintings, sculptures, drawings, prints, photography, video, and digital art. In addition to the temporary exhibits, the museum has a large collection of American and Native American art.



Heckscher Museum of Art (Facebook)


HECKSCHER MUSEUM OF ART

Located in Heckscher Park in the town of Huntington, this Long Island museum's collection includes Lucas Cranach the Elder's 16th century painting Virgin, Child, St. John the Baptist and Angels and Frederic Church's Autumn. Opening this week is the museum's exhibit Modern Alchemy: Experiments in Photography, which runs until March 15th. After a visit to the museum, stroll around the charming town of Huntington, filled with shops and restaurants. Booklovers must pay a visit to Book Revue, Long Island's largest independent bookstore, which sells both new and used books.



Japanese action painter Ushio Shinohara at Katonah Museum of Art in October (Facebook)


KATONAH MUSEUM OF ART

This respected Westchester museum also houses a sculpture garden on its scenic property with large Norwegian spruce trees. The museum doesn't have a permanent collection, but hosts ten to twelve exhibits each year. In January, this Westchester museum will present Cone: Tri-State Juried Exhibition, an exhibit of works that explore the meaning of space in visual work. If you're a tri-state artist, the museum is accepting submissions for the exhibit until December 15th.

Alison Lowenstein, Gothamist Getaways editor, is the author of NYC guidebooks, and travel articles for National Geographic Traveler, Newsday, NY Daily News, etc. When she isn't planning trips, she enjoys jogging around the streets of NYC. Despite her athletic pursuits, her favorite food is the donut. You can find her on Twitter at
@cityweekendsnyc

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti http://gothamist.com/2014/12/08/suburban_culture_five_noteworthy_mu.php


Petrie Museum reveals the hidden secrets of Ancient Egyptian archaeology













It’s easy to miss some of the Petrie Museum’s hidden treasures, so we asked curator Alice Stevenson to take us on a tour


The Petrie Museum of Egyptology, in Camden, has an astonishing archaeology collection© Sarah JacksonVisiting a museum is often called a leisure activity, but anyone who has experienced museum fatigue will tell you it’s not always the most relaxing activity.

The condition - a kind of sensory and information overload where the thought of reading another text label or looking at another object makes you long for a sit down with a cup of tea - is usually caused by reading too many text labels and trying to absorb a great deal of information in a short space of time.

The Petrie Museum faces the opposite problem; about 6,000 Ancient Egyptian artefacts are on display but most have only the most basic text labels. There’s no room for detail; with another 74,000 objects locked away in cupboards, space is at a premium.

Yet tucked away among the thousands of objects are items of huge importance to both Egyptology and archaeology as a whole. You just need to know what to look for.

Earliest worked iron



Three meteoric iron beads© Sarah Jackson“They don’t look like much,” says curator Alice Stevenson, pointing to three small rust-coloured lumps of metal, snugly enclosed in a plastic box. "But this is the world’s earliest worked iron.”

The beads date some 2,000 years before the Iron Age, when humans first mastered the art of smelting iron. So how did the prehistoric Egyptians manage it?

For once, the answer to this Egyptian puzzle really does lie beyond the stars; the beads are made from a piece of meteorite.

Although now corroded almost beyond recognition, experimental archaeology has shown that when heated meteoric iron turns neon blue and pink. It's easy to imagine how stunning the beads must have looked when newly made.

It's likely that they were therefore very high status objects, an idea supported by the inclusion in the grave of other high status objects, including lapis lazuli from Afghanistan - a little pot made out of hippo ivory, a small mace head and a copper harpoon.

Thanks to Petrie’s insistence on meticulous record keeping, we also know that the burial itself was a little unusual.

“This was an intact tomb,” says Alice, “and the head [of the body] was found sitting on its base with the beads still underneath, so it hadn’t been moved because it was robbed.

"There must have been some ceremony: someone opened it up again. So one of the things we’ve got from this period is examples of dismemberment.”

The meaning behind this internment is still unclear, but it indicates that even in prehistoric Egypt, a complex belief system of some kind was in operation.

Copper Axe inscribed with the name King Waji



A copper axe© Sarah JacksonThat Egypt’s pharaohs had a touch of megalomania about them is no secret; but the Great Pyramids were not perhaps the grandest example of a king’s burial.

This copper axe, simply inscribed with the name of King Djet/Waji, was found in one of the graves surrounding the enclosure of the king's tomb at Abydos.

At least 318 people appear to have been buried in the king’s tomb and at least another 300 around its ritual enclosure. It suggests human sacrifice on a massive scale. Even more amazingly, each individual is given a name and title.

“It’s all planned out,” says Alice, pointing to this copper axe.

“They had red paint, and in each grave it said something like, ‘Bob’s going to go here.'"

The level of bureaucratic organisation is astonishing, let alone the immensity of the sacrifice made.

“If you’ve got 600 people all buried around the king, that’s 600 families,” says Alice.

"That’s going to leave a big impact. And if these are people crucial to the functioning of the inner elite and their bureaucracy, because they all have titles, you suddenly have to replace those people, so it’s going to be a huge upheaval.”

Perhaps it’s little wonder the practice seems to have died out with Djet’s reign.

Head of figurine (possibly Namar)



The head of a king - possibly Namar or Khufu© Sarah JacksonMuch of what Petrie left to the museum when he died had been excavated by him and his teams, but he also bought objects from dealers.

“He was at dinner, and all the antiquities dealers were crowded around him trying to sell him something, and then this head just rolled out of a bag," says Alice.

"Petrie lifted it off the ground, exclaiming ‘Oh my god, this is amazing!’”.

Petrie’s astonishment stemmed from the belief that the figure was a representation of Narmer, thought to be the first king of Egypt.

Egyptologists now believe it to be the head of Khufu, the pharaoh responsible for building the Great Pyramids of Giza. This does not lessen its value, according to Alice.

“If it’s Khufu, if it’s Narmer, either way it’s a rare face. It’s at least as old as the Great Pyramids."

The world’s first trained archaeologists



Aly Suefi, an excavation superviser© Sarah JacksonThroughout the museum, sepia-toned pictures of Egyptian men are dotted next to pottery sherds, scarabs, jewellery and dozens of other objects.

Their names include Hussein Osmar of Qift, Muhammad abu Daud of Katr al Haram and Ali Sueti of Lahun. These are some of Petrie’s excavation supervisors.

One in particular, Ali Sueti, was a trusted colleague. In a letter to his future wife Hilda, Petrie wrote: “It will be a great pleasure to have him about me again; for I feel as if all must go well with such a faithful, quiet, unselfish right hand to help.”

“We talk about how Petrie excavated this, Petrie excavated that,” says Alice. "But archaeology is teamwork.

"Petrie trained Egyptians – these are some of the first trained archaeologists in the world.

"He taught them how to excavate carefully, to take out every single bead and make sure you don’t disturb anything because we need to record just how it’s found”.

Egypt’s oldest garment



A Tarkhan dress© Petrie MuseumDespite being one of the highlights of the Petrie’s collection, drab and humble colours of this garment mean it can be easily missed.

Buried around 3000BC (about 400-500 years before the Pyramids were built), the Tarkhan dress was apparently found inside out as if it had just been taken off; some people have even claimed that they can see sweat patches.

Despite its delicate condition, conservators have been able to reconstruct and mount it as it would have been worn in life. They’ve even created
a pattern for people to use if they wish to recreate one of the oldest garments ever found.

Dating Techniques

Archaeology enthusiasts, this one is for you. Tucked away in a corner next to the chronological displays of pottery types is an example of how Petrie developed the relative dating techniques that have become the standard in modern archaeology.



The Petrie's Sequence Dating strips© Petrie MuseumThese cardboard strips are “a 19th century spreadsheet”, according to Alice. Whilst excavating in Egypt, Petrie uncovered hundreds of prehistoric graves with few clues as to the date they were created.

He listed the contents of each grave on a strip of cardboard, putting each different type of pottery in a separate column, then shuffled the strips until he came to an order he was satisfied with; you can still see the discolouration on the edge of the strips that come from Petrie’s constant shuffling of the columns.

“He thinks that over time [the pottery] goes from globular to cylindrical,” says Alice.

"So he starts to put the globular types together, and then finds that you never find that type of pottery with another type.”

With this sequential ordering of pottery types, he was soon able to decide which graves were oldest based entirely on the pottery they were found with.

Not only was this a huge achievement for Egyptology and archaeology, but these hard copy versions of spreadsheets were also of great importance to the study of statistics and maths.

Letters to the Dead



Letters to the Dead© Sarah JacksonWe all know that the Ancient Egyptians believed in the afterlife, but these poignant objects demonstrate how strong this belief was.

Known as Letters to the Dead, these bowls were placed outside of tombs and filled with food and water to give the dead sustenance.

When the dead came to take their meal, they would then read the letter. Because they were left outside of the tombs, very few have survived – there are only 20 in the world and the Petrie has two of them.

The dead were believed to be powerful, so these letters were often written with a specific purpose; asking for help.

In this example, a man called Shepsi wrote to his dead parents asking for help with a property dispute, noting that he has treated them well in the afterlife.

It’s a touching and personal expression of the complexity of everyday life in the late Old Kingdom (approximately 4,000 years ago).

Mummy Portraits



This wooden panel shows a portrait of a blue-robed woman, painted in coloured wax© Sarah JacksonThe Petrie’s collection of Roman period mummy portraits is the largest outside of Egypt.

These portraits, painted on wooden panels and placed in the mummy wrappings are a vivid glimpse into the world of Roman Egypt.

The practice indicates how Egyptian society must have changed during the Hellenistic period, gradually turning from the traditions of the past and embracing the Mediterranean world.

However, to begin with at least, most upper class Egyptians followed the practice of mummification. The dry desert conditions kept them remarkably preserved and brightly coloured; viewing one is like coming face to face with an Ancient Egyptian, as Alice attests.

“There are stories of medical doctors coming to this museum and diagnosing how they died just by the realism of the way they’re painted," she says.

"There are all sorts of people you can meet.”

The Art of Akhenaten



This drawer is full of plasterworks from Amarna© Sarah JacksonToday we may find the actions of many of the pharaohs to be extraordinary, but there is one who was more extraordinary than most.

Akhenaten is perhaps best known for his attempt to abandon to the polytheistic tradition of Egyptian religion and instead move to a monotheistic religion worshipping only the god Aten and moving his capital to Amarna.

These changes were gradually abandoned after his death. Later dynasties referred to him as “the enemy”, but his palace at Amarna reveals just how much he attempted to change.

Egypt’s stylised art is notable for its homogeneity over an enormous length of time, but during Akhenaten’s 17 year reign this changed dramatically.

Depictions of animals, plants and commoners became more naturalistic, while depictions of members of court and the royal family became extremely stylised, with thin arms and legs, heavy hips, large stomachs, elongated heads, and exaggerated facial features.

The Petrie has many examples of this art style taken by Petrie from the palace in Amarna.

“People think Egypt is just sandy, that it’s just cream and beige,” says Alice, revealing a drawer full of plasterworks.

"But actually they decorated their temples in garish ways. It’s very different to what you normally see”.

Arabic funerary inscription



This alabaster slab is incised with 12 lines of Arabic funerary inscription© Petrie MuseumAncient Egypt as a concept exists in popular imagination in a specific time and place: for many people, it’s restricted to the Great Pyramids of Giza.

But the Petrie has examples of objects from the entirety of Egyptian culture from prehistoric flints and pottery to Roman and Arabic Egypt.

The presence of objects such as this alabaster slab, carved with an Arabic funerary inscription, is an important reminder to visitors that Egypt is more than just pyramids and mummies.

Egypt's Arabic past is no less important in history than the time of the ancient pharaohs.

Although lacking the kind of monumental artefacts that are the show-stoppers of the British Museum's Egyptian galleries, the Petrie Museum is a must-see for any Egyptology or archaeology enthusiast.

Its dense collection charts the story of Egypt from prehistory right up to the modern Arab conquests but also reveals the development of 19th century archaeology and exploration.



fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti
Sarah Jackson http://www.culture24.org.uk/history-and-heritage/archaeology/art503654-petrie-museum-reveals-the-hidden-secrets-of-ancient-egyptian-archaeology 





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Controversy in India as Minister says Taj Mahal is part of Ancient Hindu Temple

Anyone who has visited the Taj Mahal would have been told the endearing love story behind its construction – 17th century Mughal Emperor, Shah Jahan, was heartbroken following the death of his favorite wife during childbirth so he brought the most skilled craftsmen from across Asia and Europe to build the white mausoleum that is known today as the Taj Mahal. However, the story has been challenged by some academics, and now a government minister, who claim the world has been duped and that rather than an Islamic mausoleum, the Taj Mahal is actually part of an ancient Hindu temple palace of Lord Shiva, known as the Tejo Mahalaya.

According to Professor P.N. Oak, author of
Taj Mahal: The True Story, the ancient Shiva temple palace was usurped by Shah Jahan from the then Maharaja of Jaipur, Jai Singh. Shah Jahan then remodelled the palace into his wife’s memorial.



According to conventional accounts, the Taj Mahal was commissioned by Mughal Emperor Shah Jahan (pictured). (
Wikipedia)

“When told that you are visiting a temple palace [rather than a tomb] you won’t fail to notice its annexes, ruined defensive walls, hillocks, moats, cascades, fountains, majestic garden, hundreds of rooms arched verandas, terraces, multi-stored towers, secret sealed chambers, guest rooms, stables, the trident (Trishul) pinnacle on the dome and the sacred, esoteric Hindu letter "OM" carved on the exterior of the wall of the sanctum sanctorum now occupied by the cenotaphs,” writes Professor Oak in his article ‘
The Tajmahal is Tejomahalay, A Hindu Temple’.



The pinnacle of the Taj Mahal, depicting the Hindu horizontal crescent, coconut, bent mango leaves, and supporting Kalash (water pot), all exclusive Hindu motifs. (
taj-mahal.net)

According to ‘
The Controversy Surrounding the Origins of the Taj Mahjal’ on the BBC, “The use of captured temples and mansions as a burial place for dead courtiers and royalty was a common practice among Muslim rulers. For example, Hamayun, Akbar, Etmud-ud-Daula and Safdarjung are all buried in such mansions.”

A Bharatiya Janata Party Minister, Laxmikant Bajpai, has now refuelled the debate behind the origins of the Taj Mahal by publicly announcing that the Taj Mahal was indeed part of an ancient Hindu temple and that the documents that prove it still exist. The
Times of India reports that his comments were made in response to attempts to hand over the Taj Mahal to the Uttar Ptradesh Sunni & Shia Waqf Board, an Indian statutory body that works under the context of 'sadaqah', a religious endowment in Islamic law, typically donating a building or plot of land for Muslim religious or charitable purposes.



Lotus flower, a Hindu symbol, at the apex of a doorway in the Taj Mahal.

Professor Oak has provided numerous pieces of evidence to support the view that the Taj Mahal was originally a Hindu Temple. For a start, the name of Shah Jahan’s wife that died in childbirth was never ‘Mumtaz Mahal’ but ‘Mumtaz-ul-Zamani’ and the name ‘Mahal’ has never been used for a building in any Muslim country. The name Taj Mahal, he claims, is a corrupt version of Tejo Mahalaya (Shiva’s Palace). He also refers to the fact that there is not a single royal chronicle from Shah Jahan’s era that corroborates the so-called love story.

The
BBC writes that Professor Oak refers to a number of documents that suggest that the Taj Mahal predates Shah Jahan's era:
Professor Marvin Miller of New York took samples from the riverside doorway of the Taj. Carbon dating tests revealed that the door was 300 years older than Shah Jahan.
European traveller Johan Albert Mandelslo, who visited Agra in 1638 (only seven years after Mumtaz's death), describes the life of the city in his memoirs, but makes no reference to the Taj Mahal being built.
The writings of Peter Mundy, an English visitor to Agra within a year of Mumtaz's death, also suggest that the Taj was a noteworthy building long well before Shah Jahan's time.

Numerous pieces of photographic evidence linking the Taj Mahal to a Hindu temple is also available in the article ‘
Was the Taj Mahal a Vedic Temple?’.

Oak claims that within the many sealed rooms of the Taj Mahal, there are statues of Shiva and other objects of veneration relating to the Hindu faith. One way to validate or discredit Oak's research, would be to open up this sealed rooms for international experts to investigate.

- fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti : http://www.ancient-origins.net/news-general/controversy-india-minister-says-taj-mahal-part-ancient-hindu-temple-002426#sthash.4bsxKfcW.dpuf

Inauguração oficial do Museu da Vida - em 12-12-2014

Icone museu da vida A Pastoral da Criança convida para a inauguração oficial do Museu da Vida, que será realizada no dia 12 de dezembro, às 8h, com a benção de Dom Rafael Biernaski, atual administrador apostólico da Arquidiocese de Curitiba. A data foi definida na última reunião do Conselho Diretor da instituição.
O Museu da Vida foi criado pela Pastoral da Criança com o objetivo de disseminar informação e reflexão relacionadas à saúde, nutrição, educação e cidadania, por meio de exposições e ações educativas, tendo como foco principal a gestante e a criança até os seis anos de idade. O espaço vai expor a trajetória da Pastoral da Criança, suas ações e contará também com o Memorial Dra. Zilda, em homenagem à fundadora da instituição.
Na semana anterior à inauguração, o Museu funcionará apenas para visitas agendadas antecipadamente. O Museu da Vida fica localizado na Rua Jacarezinho, 1691, Mercês, junto à sede da Coordenação Nacional da Pastoral da Criança. Para mais informações, acesse www.museudavida.com.br ou entre em contato pelo telefone (41) 2105-0250.
 
 
 

No museu mais ruidoso do mundo, a fila para a sala onde está a couve é muito longa mas avança depressa. Quinze minutos de espera e ela aparece, pequenina — não é maior do que a mão de um adulto. ( .pt )

Há quem diga que é delicada, por causa dos pormenores e das transparências. Há quem diga que é engraçada, por causa dos gafanhotos que se sustentam nela. É valiosa, porque é uma antiguidade e o escultor, anónimo, tinha arte, mas está longe de ser uma peça importante. Depois dos 15 minutos de espera só é possível olhá-la por breves instantes — há uma torrente de gente à espera para ver o objecto que Jin levou como dote ao tornar-se numa das mulheres do imperador chinês Guangxu, em 1889.


A couve — como tantos objectos e obras de arte que estão dentro do museu — pertence ao espólio da Cidade Proibida de Pequim, mas mora em Taiwan desde 1949, o ano em que Chiang Kai-shek teimou em não ser um general derrotado e abandonou a guerra civil, atravessou o estreito, e se instalou, com um milhão de pessoas, na ilha onde criou a República da China.



O dote de Jin é a peça mais popular do Museu Nacional de Taiwan. Foi sempre assim? A guia vacila, acaba a dizer que sim, mas que os chineses ajudaram.

O museu está inundado de turistas da República Popular da China. São tantos, tantos, que nos corredores, nas filas e nas salas de exposição acontece uma estranha coreografia aérea, com os guias agitando bandeiras com cores diferentes e chapéus-de-chuva com ursinhos de peluche pendurados, tentando ser vistos por todos os elementos do grupo que lhe foi entregue.

Não é maneira de ver um museu. Mas o museu de Taiwan não é só um museu. É uma arena política, um lugar onde se vê desfilar um conflito velho de 65 anos e que, devagarinho e com sinais ténues, como esta avalanche de turistas do "continente", se vai reabrindo.


Depois de anos de pacificação das relações com o "continente", há sinais de inversão do caminho. A população inqueta-se com a paciência e a perspicácia com que a China vai apertando um nó em volta da ilha.

Manifestação contra a política de aproximação à China em Taipé, frente ao palácio presidencial Reuters 

Desde que a entrada de turistas chineses foi autorizada em Taiwan (com contrapartida para o lado de lá), que o número dos que chegam à ilha não pára de aumentar. No final deste ano, terão sido 2,5 milhões, um aumento de 47% em relação ao ano passado. A presença desta multidão nas ruas da cidade, nas lojas e em todos os monumentos e lugares turísticos perturbou a existência dos habitantes desta ilha profundamente fracturada sobre o que deve ser a relação com o país no outro lado do estreito.

"Há tantos chineses em Taiwan, agora. Há chineses por todo o lado, acho que eles vão acabar por nos apanhar", diz uma mulher, só com a promessa do anonimato. Dirá outras, mais à frente.

Taiwan é a ilha no Mar da China que, há muito tempo, já se chamou Formosa. Num tempo mais recente, tornou-se um problema complicado da política internacional. É um território disputado por dois governos, ambos chineses, o de Pequim e o de Taipé.

A relação entre os dois lados do estreito evoluiu ao longo das décadas. Os homens da guerra civil defendiam a opção belicista, com Mao Tsé-tung a falar na libertação de Taiwan e Chiang Kai-shek na unificação da China.

Mas evolução nem sempre quer dizer mudança. Quando Deng Xiaoping deitou fora a ideia da "libertação" para passar a preferir o conceito de "unificação", selou para sempre a política oficial do Governo chinês em relação a Taiwan. Em Setembro, ao receber em Pequim uma delegação de grupos taiwaneses pró-unifição, o actual Presidente, Xi Jinping, foi claro: "A unificação é, desde há muito tempo, o nosso objectivo e é um objectivo sólido. É um facto inquestionável que Taiwan e o continente pertencem à mesma China", disse, citado pelo jornal South China Morning Post.

Pragmática e lúcida, a pequena ilha — que viu ser transformada em pó a sua existência internacional a partir de 1971, quando a República Popular da China passou a ser reconhecida pelas Nações Unidas e pela maior parte dos países como o único Governo legítimo da China — percebeu que teria que se reinventar para evitar ser absorvida de facto pela China. Morto Chiang Kai-shek, arrancou com um processo de democratização que foi lento mas pacífico. Pelo caminho, Taiwan desistiu da ousadia de unificar a China a partir de Taipé, aspirou à independência de facto (a China não permitiu) e pacificou-se com o gigante, com a assinatura de uma plataforma de entendimento (o Consenso, de 1992) em que as duas partes se comprometeram com três "nãos": não haverá unificação, não haverá declaração de independência e não haverá agressão.

O consenso perdura, mas do outro lado do estreito o discurso nacionalista adensa-se — como mostram as palavras de Xi, um Presidente que leva à letra a Constituição no capítulo que define que é desígnio da República Popular reunificar todo o território que algum dia foi China.

"Os dois lados concordam que se trata de um só país. O problema é que nós, quando dizemos China, queremos dizer República da China, e quando eles dizem China querem dizer República Popular. Concordamos em discordar", diz a um grupo de jornalistas (entre eles o do PÚBLICO), o vice-ministro para as relações Taipé-Pequim, Chu-chia Lin.
 
@ fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti Por Ana Gomes Ferreira (Taiwan) 

Ribeirão Preto sedia primeiro Encontro Regional de Museus-casa nesta quarta e quinta

O objetivo é oferecer uma discussão aberta ao público, com a intenção de fomentar as atividades museológicas


Nesta quarta-feira (10) e quinta-feira (11), Ribeirão Preto sediará o “1º Encontro Regional de Museus-casa”. Realizado pelo Instituto Casa da Memória Italiana em parceria com o Sistema Estadual de Museus (SISEM-SP), instância ligada à Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, o Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi, a Oficina Cultural Cândido Portinari e a prefeitura. Com adesão gratuita, as inscrições podem ser feitas no site:
www.sisemsp.org.br

O evento, que ocorre na Oficina Cultural Cândido Portinari, contará com a participação da coordenadora da Unidade de Preservação do Patrimônio Museológico (UPPM/SEC), Renata Motta, do diretor do Sistema Estadual de Museus (SISEM-SP), Davidson Kaseker, da diretora da Associação Cultural de Apoio ao Museu Casa de Portinari (ACAM Portinari), Angelica Fabbri, e da curadora do Acervo-Artístico do Governo do Estado, Ana Cristina Carvalho, entre outros importantes profissionais da área museológica.

“A articulação da rede temática de museus-casa e casas históricas terá em Ribeirão Preto o seu primeiro encontro de caráter regional, uma oportunidade de alavancar e fortalecer os museus desta tipologia, qualificando as suas inserções nas comunidades locais”, elucida Kaseker.

As palestras abordarão o âmbito teórico e prático sobre definição, implantação e gestão de um museu de pequeno porte, tendo como referência reflexiva a possibilidade ou não da sede do Instituto Casa da Memória Italiana ser tratada como um museu-casa.


Foto(s): Josi Peugeot / Arquivo


 O objetivo é oferecer um campo de discussão aberto ao público e aos profissionais da área, com a intenção de fomentar e substanciar as atividades museológicas, desenvolvidas nos espaços da casa sede da instituição, residência construída na década de 1920 no centro de Ribeirão Preto, que preserva a maioria de seu mobiliário e pintura decorativa original.

A programação completa do “1º Encontro Regional de Museus-Casa” está disponível na página do SISEM-SP na internet. A Oficina Cultural Cândido Portinari fica localizada na rua Visconde de Inhaúma, nº 490, no Centro. Outras informações podem ser obtidas pelos telefones (16) 3625-0692/ (11) 3339-8208.

Serviço: “1º Encontro Regional de Museus-Casa”

Data: 10 e 11/12/2014 (quarta e quinta)

Local: Oficina Cultural Cândido Portinari (rua Visconde de Inhaúma, nº 490 – Centro - Ribeirão Preto)

fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti http://www.ribeiraopretoonline.com.br/cultura-entretenimento/ribeirao-preto-sedia-primeiro-encontro-regional-de-museus-casa-nesta-quarta-e-quinta/84679

Informações: (16) 3625-0692/ (11)3339-8208
Inscrições: www.sisemsp.org.br
Adesão: gratuita

Museu do Café continua abandonado mesmo após reabertura de parque

Espaço foi fechado há 5 anos e não tem previsão de reabertura.
Prefeitura afirma que não há mais capivaras no Lago do Café.
 

Casarão que abriga museu está fechado desde 2008 em Campinas (Foto: Roberta Steganha/ G1).

Mesmo com a reabertura do Lago do Café há mais de um ano, o museu, que fica no interior do parque em Campinas (SP), permanece abandonado. Fiação exposta, telhado com infiltração e detalhes em madeira sendo corroídos por cupins e pela ação do tempo são alguns dos itens que aguardam por restauração. O espaço foi fechado em 2008 juntamente com a área verde depois da morte de três funcionários por febre maculosa, doença transmitida pelo carrapato-estrela.

O Museu do Café foi fundado em 1996 para resgatar a importância da economia cafeeira para a região de Campinas. Ele foi instalado em um prédio histórico construído em 1972, no interior do parque, na antiga casa sede da Fazenda Taquaral, durante a existência do Instituto Brasileiro do Café (IBC). Após a extinção do órgão público, a área foi cedida para a Prefeitura, que ficou responsável por cuidar de sua manutenção.

 
Detalhe da deteriorização em prédio histórico do
Museu do Café (Foto: Roberta Steganha/ G1
).


Reforma
O museu passou por uma reforma em 2001 para abrigar um evento e desde então, ficou à mercê da ação do tempo. Em agosto de 2013, a Secretaria Municipal de Cultura informou que seriam necessários R$ 250 mil para restaurar o prédio histórico e reabri-lo para visitação. A pasta disse, na época, que as obras no espaço começariam em três meses.

Em visita ao espaço, o G1 constatou que tudo está parado, já que não havia nenhuma placa indicando o início de uma possível reforma ou prazo, apenas uma corrente na entrada do prédio impedindo o acesso.

Além da deteriorização, ao lado do museu há uma área desativada com lixo e com construções inacabadas. O espaço abriga ainda uma fonte com água acumulada, uma situação propícia para o mosquito da dengue. Campinas enfrentou ao longo deste ano a pior epidemia da doença. Desde janeiro foram 41.213 mil casos e 10 mortes na cidade.

Fonte com acúmulo de água da chuva ao lado do
museu (Foto: Roberta Steganha/ G1).

Capivaras
Mesmo a Prefeitura garantindo que o Lago do Café é seguro, são poucos os que se arriscam a visitar o parque. Para os moradores, o clima de insegurança permanece em relação ao espaço. A socióloga Carolina Darcie, de 33 anos, conta que foi ao parque uma vez antes do fechamento, mas agora evita, preferindo usar a Lagoa do Taquaral como área de lazer para os filhos. "Achei lindo quando fui, mas não voltei mais por causa das placas com avisos sobre carrapato, pois tenho duas bebês e tenho medo", ressalta.

O comerciante Edson de Mello, de 59 anos, que tem uma lanchonete em frente ao parque há sete anos, acredita que o que afastou os visitantes foi o longo tempo para resolver a infestação de carrapatos. "Acho que as pessoas têm medo porque demoraram muito para resolver o problema. Com esse tempo, quem vinha mudou de hábito. Nunca foi muito lotado, mas tinha bastante frequentadores", lembra.

Mello salienta também que apesar do Lago do Café estar liberado para a visitação, ainda há capivaras circulando pelo local e que algumas até iriam pela tubulação para a Lagoa do Taquaral. "De vez em quando elas passam pela tubulação e vem para o Taquaral", afirma.

Um funcionário do parque, que prefere não ser identificado, confirmou ao G1 que apesar da retirada dos animais feita pela Prefeitura, eles continuam frequentando a área. "Tem sim. As capivaras tomam sol em uma ilha que fica no final do lago. Eu mesmo vi duas hoje andando aqui", conta.

Placas alertando sobre o carrapato permanecem
espalhadas no parque (Foto:Roberta Steganha/G1)


Sem licitação e carrapatos
A Secretaria de Cultura de Campinas informou que há um projeto de reforma do Museu do Café sendo avaliado pelo setor de infraestrutura. "Quando toda esta análise estiver pronta e com possíveis ajustes necessários, será aberta uma licitação para contratar a empresa que fará a reforma", informa a nota. No entanto, ainda segundo a entidade, não há previsão de abertura da licitação e nem é possível afirmar se a obra custará o informado em agosto de 2013.

Sobre as capivaras, a Prefeitura disse que a tubulação do Lago do Café está vedada e que não há mais animais deste tipo no local. Ainda segundo a adminstração municipal, a área verde é segura, pois pesquisas feitas constantemente no parque mostram que não há mais infestação de carrapatos. Já sobre a água parada, a entidade disse que a Secretaria de Serviços Públicos será acionada e que vai tomar as providências cabíveis.

Reabertura
O Lago do Café foi reaberto em 1º de maio de 2013 depois de cinco anos fechado. Para resolver o problema, a Prefeitura fez o abate de 20 capivaras em 2011, já que o animal é hospedeiro primário do carrapato-estrela, que transmite a doença. A morte deles gerou manifestações contrárias do movimento ambientalista da região de Campinas, que defendia que os carrapatos fossem com carrapatecidas.

Além da retirada das capivaras e do corte da grama para diminuir os riscos de carrapato, a administração municipal espalhou placas pelo local alertando a população para andar apenas na parte asfaltada, não nadar no lago e fazer uma inspeção quando chegar em casa para ver se não existe nenhum parasita pelo corpo.
Lago do Café foi reaberto depois de cinco anos em Campinas (Foto: Roberta Steganha/ G1).
 
Roberta Steganha Do G1 Campinas e Região fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Au Musée des Augustins, Benjamin-Constant, peintre orientaliste oublié

Le Musée des Augustins, à Toulouse, exhume 70 toiles, parfois monumentales, de cet artiste salonnard, émule de Delacroix.

 


Photo © RMN-Grand Palais / Philippe Bernard

Intérieur de harem au Maroc par Benjamin-Constant, représentation quelque peu fantasmée de beautés orientales.

Photo © RMN-Grand Palais / Philippe Bernard
Intérieur de harem au Maroc par Benjamin-Constant, représentation quelque peu fantasmée de beautés orientales.


 


Qui se souvient de Benjamin-Constant, non pas l’écrivain, mais le peintre ?
Le Musée des Augustins de Toulouse
rend hommage à cet artiste orientaliste de la deuxième moitié du XIXe siècle, largement oublié. Près de 70 de ses peintures ont été réunies, parmi lesquelles beaucoup dormaient en réserve au Petit Palais ou à Besançon. De grandes toiles roulées ont été restaurées pour l’occasion.

Le parcours révèle un brillant salonnard qui ne lésine pas sur les formats monumentaux pour se faire repérer et acheter par l’État. En 1876, son Entrée du sultan Mehmet II à Constantinople, le 29 mai 1453 (7 mètres de haut !)impressionne au Salon l’administration des Beaux-Arts qui l’acquiert pour Toulouse, ville où l’artiste a grandi. Deux ans plus tard, son Intérieur de harem au Maroc, largement inspiré de la Noce juive de Delacroix, est acheté à son tour et envoyé au Musée de Lille.
Voyages au Maroc

L’exemple de ce grand devancier incite Benjamin-Constant à voyager plusieurs fois au Maroc. L’exposition confronte leurs œuvres, et montre combien il s’éloigne du naturalisme plein d’empathie de son aîné au profit de compositions plus fabriquées, plus proches de ses amis Henri Regnault ou Mariano Fortuny.

Surtout, dans les formules qu’il répète en série, telles ses Terrasses à Tanger peuplées de beautés languides. Ses coloris éclatants, ses effets de matière, ses empâtements à la Rembrandt et ses rayons de soleil venant déflorer tout un harem, ses cadres ciselés de versets du Coran séduisent.

Mais ses modèles à la peau claire, fardés comme des cocottes, ses étoffes brillantes et ses bibelots hétéroclites basculent vite vers l’Orient de pacotille. Un précipité de fantasmes dans lequel la lascivité des femmes contraste avec la barbarie de coupeurs de têtes (Les Derniers Rebelles). Une justification parfaite de la mission civilisatrice de la France coloniale alors en plein essor.
ioloniste émérite, admirateur de Beethoven

L’écrivain Joris Karl Huysmans épinglera d’un bon mot cet « orientaliste des Batignolles », en référence à l’atelier de la rue Pigalle encombré de tapis et d’objets exotiques où Benjamin-Constant recevait sa clientèle entre un crocodile empaillé et une peau de tigre !

L’entregent de l’artiste et son mariage en secondes noces avec la fille du ministre Emmanuel Arago lui permettront d’obtenir plusieurs commandes de grands décors pour la Sorbonne, la gare d’Orsay, l’hôtel de ville de Paris et le Capitole à Toulouse.

Violoniste émérite, admirateur de Beethoven, il orne aussi le plafond de l’Opéra-Comique. Mais en 1889, son étoile pâlit. Ses Funérailles de l’émir font un flop au Salon. La critique leur trouve de « brillantes qualités de peintre » mais déplore leur manque d’émotion.
portraitiste mondain aux États-Unis et en Angleterre

Dès lors, aidé par son marchand, l’artiste se tourne vers une riche carrière de portraitiste mondain aux États-Unis et en Angleterre, obtenant même des commandes de la reine Victoria et du pape Léon XIII. Il démontre une fois encore son brio de « décorateur », magnifiant à l’occasion ses modèles par un tapis persan accordé à leur robe (La Cantatrice Emma Calvé).

Seul le tête-à-tête avec ses fils l’autorise à être plus sobre, à jouer d’un clair-obscur à la flamande où le sentiment soudain affleure. La flamme verte des yeux d’André luisant sur le noir d’ébène vaudra à son père, à 50 ans, sa première médaille d’or au Salon. Une récompense que ses grandes machines orientales n’auront jamais réussi à décrocher. SABINE GIGNOUX (à Toulouse)

(1) En partenariat avec le Musée des beaux-arts de Montréal. Jusqu’au 4 janvier. Rens. 
 
 fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti    
 
 

Exposiciones Móviles: Consideraciones · en CREACIÓN, CULTURA, DISEÑO, MUSEOGRAFÍA, MUSEOLOGÍA. ·


“Acércate a la cultura y
te alejarás de la estúpida estupidez”.
 R.C.




Diseñar, construir y montar exposiciones móviles y temporales en los museos, es una forma fantástica de que estas instituciones se alejen de la endogamia expositiva, del contenido inmóvil y permanente – una vez visto, es extraño que volvamos -. Además, las exposiciones temporales empuja a los museos trabajar en red, es decir, que pueden compartir exposiciones en periodos de rotación, con el consiguiente ahorro de costes en la producción de estas exposiciones. Otra ventaja de que los museos estén en red, además es que atrae nuevos visitantes a los museos y se fideliza al público local. Las exposiciones temporales ofrecen la posibilidad de ir recopilando opiniones y experiencias en otras zonas geográficas ajenas al propio museo promotor, algo que permite mejorar posteriormente los contenidos y la museografía, alcanzando una audiencia de visitantes diferente, siendo posible llegar a lugares dónde se les necesita por carecer de equipamientos museísticos.
These things – Take time

La creación de exposiciones móviles o temporales, motiva al personal del museo al trabajar en el montaje de diversos contenidos, nuevos retos que se alejan de lo cotidiano. Sabemos que se necesita tiempo y dinero, que no es tan sencillo, pero se trata de un ejercicio fundamental que el museo debe afrontar sí o sí. Hay muchas formas de plantear una exposición móvil en lo que tiene que ver con los presupuestos. A todos nos gusta crear planteamientos espectaculares, pero si no tenemos dinero habrá que conformarse con plantear la exposición de una manera digna y sencilla por encima de no plantear nada.
Exposición Under Attack – Andy Spencer

Es importante tener en cuenta que existen una serie de requerimientos que la exposición móvil tiene que cumplir. Deberemos crear una estrategia de almacenamiento seguro si la exposición está basada en la muestra de objetos. Muchas de las cajas que contendrán los contenidos habrá que diseñarlas específicamente para cada objeto, algo que encarece el presupuesto pero es inevitable. La exposición debe ser diseñada y construida para que se pueda montar y desmontar fácilmente teniendo en cuneta que los elementos que la conforman deben entrar por puertas en ocasiones muy estrechas, y que alguna que otra vez no se podrá usar el ascensor si se monta en una planta que no esté al nivel del suelo. Todo esto suena evidente, pero hemos visto de todo lo que se pueda ver relacionado con obstáculos, experiencias que no son precisamente enriquecedoras, salvo para ampliar el lenguaje barrio bajero. La iluminación suele ser otro caballo de batalla, no se puede plantear una exposición móvil que necesite una potencia de vatios por encima de lo habitual. Normalmente, no conocemos de antemano todos los lugares donde se va a exponer, ya que la programación es cambiante.
Exposición “Gloss Creative”

El ensamblaje de todo el conjunto material de la exposición debe poder hacerse con facilidad, tipo
IKEA si nos lo permitís, ya que a veces se envía la exposición sin equipo de montaje para abaratar costes. Los profesionales receptores de la exposición, en su correspondiente lugar e institución, no son montadores profesionales. Nunca se debe presuponer que el receptor tenga conocimientos de montaje de exposiciones, hay que ponérselo muy fácil. Recomendamos tener en cuenta previamente, que no todos los techos están a 5 metros de altura, ojo a ese dato, los hay de menos 2 metros y en altillo. El transporte de la exposición, es otra de las responsabilidades que se deben controlar perfectamente antes de que el camión arranque. Posiblemente la logística sea una de las acciones de mayor responsabilidad y atención por parte de los promotores a su cargo. Todas las cajas y embalajes deben estar pesados y medidos al milímetro, colocando una nota bien pegada con todos los detalles del contenido en cada una de ellas, bien a la vista y con el “FRÁGIL” en rojo y negrita en todas las caras de la caja, lo mismo que la posición que el embalaje debe presentar en el transporte. No poder apilar cajas también puede acarrear problemas de espacio en el transporte. Si la exposición que viaja se desplaza por países que no pertenecen a la Comunidad Europea, deberemos disponer del carnet ATA, que es un documento internacional imprescindible que se usa para el control del transporte de toda clase de mercancías, ya sea por tierra, mar o aire. Este carnet es válido en 70 países de todo el mundo, no siendo necesario dentro de los países de la Comunidad Europea si la exposición pertenece a una entidad de un país comunitario. Y no nos olvidemos de suscribir los seguros correspondientes. Todas estas gestiones pueden llegar a desanimar al promotor, pero es menos trabajo de lo que parece si nos apoyamos en un check list. Preguntar por esa lista a un piloto de avión, si conocéis alguno, anima.

Exposición Art-Crafted Creatures

Para finalizar, jugaremos con el concepto de “educashow”, un palabro que nos hemos inventado y que pretende darle nombre a lo que es educación basada en el entretenimiento. Los especialistas en educashows se apoyan fundamentalmente en la creación de exposiciones temporales móviles, siendo un gran aliado para esta forma dinámica de difusión del conocimiento. Todo se basa en crear exposiciones muy contenidas en el gasto de infraestructura, de soporte, pero dándole una importancia especial a todo lo que tiene que ver con las actividades anexas a la exposición. Una caja de arena y un facsímil de fósil puede enseñar activamente a los visitantes como trabaja un arqueólogo. Una interpretación teatral breve puede contar la historia de un contenido. Para hacer este tipo de educashows, los edificios relacionados con el patrimonio industrial son fantásticos como escenarios, facilitando la exposición de todo tipo de contenidos apoyándonos en su amplia configuración arquitectónica – no son habitaciones -.
Exposición Codex Atlánticus de Leonardo da Vinci

Todos los temas son posibles para conformar una excelente exposición sin necesidad de mucho gasto; todo lo que alcance nuestra capacidad imaginativa, ya que en eso no hay límite conocido, salvo la estupidez.


 fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti Espacio Visual Europa (EVE)

Museo de Arte Religioso Juan de Tejeda


 
El Museo Tejeda cuenta con reconocimiento internacional. El edificio donde se emplaza, ubicado en Independencia esq. San Jerónimo, data de principios del S. XVII, y a través de sus salas se propone un recorrido por las manifestaciones del arte ligadas a la Iglesia permitiendo polisémicas lecturas de sus colecciones y centrando la mirada en la dimensión antropológica que facilita reconocer al sujeto detrás del objeto exhibido.

En el destacado emplazamiento, concedido a Tristán de Tejeda quien acompañaba al fundador de Córdoba, y haciendo cruz con la Plaza Mayor, solar privilegiado de la cuadrícula fundacional, su hijo Juan de Tejeda, construye la primera casa. Ella incluía ranchería para esclavos, sitio para carruajes y carretas, animales domésticos y huerta.

Funda en 1628 el Monasterio de las Carmelitas Descalzas y el templo de Santa Teresa, respondiendo a una promesa que en oración hace a la Santa ante el lecho de su hija enferma, que milagrosamente se cura y, manifestando su deseo, ingresa como religiosa a la incipiente orden.

El Museo de Arte Religioso Juan de Tejeda se encuentra dentro del Monasterio y desde el patio del primer claustro podemos ver las torres de la catedral y recuperar la misma visión que tenían las monjas de clausura a mediados del 1700.

Se accede al museo por un portal único en el país, con reminiscencias de arquitectura andaluza y portuguesa. Una celda interior tiene una antigua puerta con cuarteles de madera que forman sutiles juegos de luces y sombras y otra próxima a ella con dos hornacinas de bella y simple manufactura, resuelta con flores y granadas antes pintadas de azul.

La calma y el silencio nos esperan en las galerías del claustro. La luz del cielo cordobés juega en el patio entre naranjos, bergamotas y una antigua palmera por la que trepan las enredaderas.

Hace 400 años nació en esta casa el primer poeta argentino, Don Luis de Tejeda. Sus muros lo rememoran.

La colección

La casa, declarada Monumento Histórico Nacional en 1941, representa uno de los mayores tesoros. Paredes de cal y canto delimitan las celdas igual que en 1600 y contienen con fresca ternura objetos ocultos de este y otros templos, de muy antigua data. El Tenebrario, una talla monumental para los oficios de Semana Santa. El Señor de la Paciencia, pieza única que proviene del antiguo Monasterio de Las Catalinas y el Altar Portátil con talla policromada contenido en una caja que refleja la inocencia de la pintura americana. Destacan también la colección de ornamentos litúrgicos y piezas devocionales.

Artistas contemporáneos donaron obras que continúan un rico diálogo entre el pasado y el presente.

 


 

   
Dirección: Independencia 122
E- mail: museotejeda@gmail.com
Facebook: Museo Juan de Tejeda
Página Web: museotejeda.wordpress.com
Teléfono: 0351- 4281540
Horarios: Lunes a viernes de 9 a 13 hs. Visitas guiadas 10, 11 y 12 hs.
Sábados de 10 a 13.30 hs.
Bono contribución: $10
Miércoles entrada libre y gratuita. Visitas a las 10 y 12 hs.