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domingo, 11 de fevereiro de 2018

The Neoclassical Art in Brazil. - A Arte Neoclássica no Brasil. - Неокласичне мистецтво в Бразилії.

The classical elements that seduced 19th Century Art in Europe also enchanted Brazil. In the poetry of Silva Alvarenga (1749-1814), of Arcadismo, the interest for the Antiquity is clear in the reference that makes, the poet, to terms of the period. His poetry paved the way for Romanticism in Brazil, but it was clear the Arctic format of his text, for simplicity, for naturalness and for rejection of the Baroque style. While the Arcadismo appeared in the Poetry, the Brazilian Art metamorfoseava for the Neoclassical, style that remained until around 1870.

Fig. 1 - 

Church of Our Lord of Bonfim, Salvador, Bahia, 
interior in neoclassical style. Photo: Rhea Sylvia Noblat.

Many changes occurred in Brazil in 1808, and one of them was the arrival of the Royal Family. Rio de Janeiro, where the court had then established itself, became the new cultural and political center of the country. In the artistic field, the innovations of Europe came together with the French Artistic Mission, in 1816, in charge and contracted to found and direct the Royal School of Arts and Crafts, in Rio de Janeiro. The group, composed of artists, architects, musicians, mechanics, blacksmiths and carpenters, was led by the writer Joachim Lebreton (1760-1819) and among the components were the architect Grandjean de Montigny (1776-1850); the landscapist Nicolas Antoine Taunay (1755-1830) and his brother, the sculptor Auguste-Marie Taunay (1768-1824); the medal engraver Charles-Simon Pradier (1783-1847); and the painter Jean-Baptiste Debret (1768-1848). The group, however, encountered obstacles, such as the resistance of the baroque tradition, already rooted in the country; the scarcity of financial resources and materials; and political intrigues.

Fig. 2 - 
Church of Our Lord of Bonfim, Salvador, Bahia, 
interior in neoclassical style. Photo: Rhea Sylvia Noblat.

Many of the crafts that were once passed from person to person in Brazil, such as Architecture, Sculpture, Painting and Drawing, were officially studied at the School of Arts, which later became known as the Imperial Academy of Arts. Fine Arts. The site is currently the School of Fine Arts of the Federal University of Rio de Janeiro.

Fig. 3 - 
Church of Our Lord of Bonfim, Salvador, Bahia,
 interior in neoclassical style. Photo: Rhea Sylvia Noblat.


This is the river, the mountain is this,
These are the trunks, these are the cliffs;
These are still the same groves;
This is the same rustic forest.
(COSTA, Cláudio Manuel da in MASSAUD, 2000, pp. 96, 97)

Influenced by European models, the Brazilian Art gradually replaced the exaggerations of the Baroque, was molded for academicism and the imitation of the classics. It could not be different in Architecture. Churches now have a more behaved, less elaborate model, focused on simplicity of form and rationality.

Fig. 4 - 

Church of Our Lord of Bonfim, Salvador, Bahia, 
interior in neoclassical style. Photo: Rhea Sylvia Noblat.

Around here, the Neoclassical left marks in Rio de Janeiro, where the Royal family settled and in several states. And the Architecture of the period came in two ways. On the one hand there was an official Neoclassical, in the international molds, with a complex level of influence, made with imported material, for the court, for the official means and for the higher classes. The palaces arose. On the other hand, a provincial version of the style, with a more superficial and imitative European influence of the great centers. In fact, as the resources here were still scarce for the complexity of the standard brought from Europe, it was necessary that the materials be brought in from outside. As for the innovations, the external areas began to be valued; were made here, the first planned gardens; and the imperial palm tree began to be used as an element of landscaping. The decoration of the interior spaces was valued, with the coatings, the painting with soft colors, pastel shades and the use of refined objects. And the beauty of the Neoclassical served as inspiration for buildings in several states of Brazil.

Fig. 5 - 
Church of Our Lord of Bonfim, Salvador, Bahia, 
interior in neoclassical style. Photo: Rhea Sylvia Noblat.

In Rio de Janeiro, among the buildings of this style are the Imperial Palace, the House of the Marquise de Santos, the Itamaraty Palace, the Catete Palace, the Brazilian National Museum, as well as houses on coffee-enriched farms whose interiors are very close to court standards.

Fig. 6 - 

Santa Isabel Theater, Recife, Pernambuco. Photo: César.

The Imperial Palace, also known as the Imperial 4, was the former summer residence of Dom Pedro I. Its construction, begun in 1845, ended only in 1862 and was attended by important architects of the Imperial Academy of Fine Arts and with a beautiful landscaping project. Inside the property, the wooden floors have been imported from various provinces of the empire and there are Carrara marble floors, originating in Belgium. In form, neoclassical clarity and simplicity are present in the symmetrical façade, with a triangular pediment, reminiscent of classic Italian and Renaissance constructions. On the outer walls, the soft pink tone contrasts with the white lines of the windows. The lower ones with arc-shaped details; the upper ones with rectilinear details.

Fig. 7 - 
Justice Palace, Recife, Pernambuco. Photo: César.

In Bahia, one of the greatest icons of the Christian faith, the Church of Our Lord of Bonfim (Fig. 1), also followed the patterns of Architecture of the period, in its construction and in its interior. Between the beauty of its tiles and of the frescoes, the building still conserves in its facade, remnants of the Rococo.

Inaugurated in 1850, the Santa Isabel Theater (Fig. 6), in Recife, has already received several celebrities and is one of the most beautiful in the country. Several technological resources were implemented in his reforms, but the original characteristics that made him one of the greatest representatives of the Neoclassical in Pernambuco remained the same. They like the style, the triangular pediment of the façade; the arches and columns of the entrance, aligned with the windows of the upper part; and the lines and details of the outer walls. To its character were imported Italian marble, French iron and Portuguese stones. Recife also has representatives of the Neoclassical, the Palace of Justice (Fig. 7) and other public buildings and mansions.

Fig. 8 - 
Justice Palace, Recife, Pernambuco. Photo: César.


Where, Enigma adored,
Where perplexed guides,
Confused and thoughtful
From my idea the faltering course?
What shadows, what portents
You cover my eyes,
O ignored arcane,
What there from that distance
Do you breathe out of your ray of active effort?
(COSTA, 2014, p.135)

In Imperial Brazil, the coming of the French Mission made it possible to formalize the teaching of Art. The work of a sculptor, once passed from person to person, now had an academic methodology. Among the indicated teachers were Auguste-Marie Taunay and Marc Ferrez (1788-1850), later replaced by Francisco Elídio Pânfiro (1823-1852) and Francisco Manuel Chaves Pinheiro (1822-1884).

Fig. 9 - 
Palace of Justice, Recife, Pernambuco, sculptures. Photo: César.

The neoclassical shape is shown in the work of Chaves Pinheiro 5, the sculptor who produced the most in the second half of the century. The artist studied at the Imperial Academy of Fine Arts, was a pupil of Marc Ferrez and many of his sculptures can be seen in museums, churches and public squares. His dedication to form; his predilection for the study of human figures and the figurative, are clear in his most important work, the Equestrian Sculpture of Dom Pedro II (Fig. 10). At 2,80 meters in height and 3 meters in length, the plaster model was not cast in bronze, since Dom Pedro II, concerned about his good image in the country, refused to pay homage to the construction of schools. In the sculpture, Dom Pedro presents himself on a horse in military robes, decorated and wearing a hat. His left hand holds the reins of the horse and the right, extended, salutes the people for the victory achieved, in the Surrender of the Uruguayan.

Among the neoclassical characteristics, the work makes an allusion to the events of the time, of a still Imperial Brazil. The figure of Dom Pedro, solemn, on his horse, is imposing, austere and transcends the power of the emperor. The regularity of form, the harmony of proportion and the correspondence with reality are the same as those of the antiquity classics, here resumed with a re-signification, updated to the Neoclassical model.

In the Historical Center of Salvador, in Bahia, the Fountain of the Terreiro de Jesus makes an allusion to Mythology. The Sculpture, from 1861, was made of cast iron and has a circular base, in marble. They line the lower part of the image, two women and two half-men representing the four most important rivers of Bahia, São Francisco, Jequitinhonha, Pardo and Paraguaçu. Further up, in the other basin of the fountain, still as remnants of the Rococo, were carved shells, garlands and dolphins. Above, there are four girls with their hands entwined; there is a basin adorned with plants and finally there is the great image of the Goddess Ceres, representative of Abundance.

Fig. 10 - 
Equestrian sculpture of Dom Pedro II, 
Francisco Manoel Chaves Pinheiro, 1866. 
Photo: National Historical Museum.


    The dream is to see the invisible forms
    From the inaccurate distance and with sensitive
    Movements of hope and will,
    Search the cold horizon line
    The tree, the beach, the flower, the bird, the fountain -
    The kisses deserved of the Truth 6.
    (PESSOA, 2006, p.68)

From the dream comes the work, in the recesses of the distant soul, drunk by what is around itself. This thought guides the Art and must have led the thinking of many artists in nineteenth-century Brazil, because the Brazilian painting of that time was a pictorial trip in that country where the Portuguese court was settling. And the French artist Jean-Baptiste Debret (1768-1848) was one of the great achievers of this collection, in the form of Art. In his book, Historical and Pictorial Journey to Brazil, the artist traced and colored the images he saw, from the daily life, from the society of the time, from Indians, slaves, animals and beautiful Brazilian landscapes. Debret himself was instructed by his cousin and professor Jacques-Louis David (1748-1825), consecrated French artist, of the Neoclassical. Academicism guided his work and other artists who settled here, in the period, leaving for the centuries later images that narrated an era. In addition to Debret, the French Mission brought Nicolas-Antoine Taunay (1755-1830) and the German Johann Moritz Rugendas (1802-1858). Like Sculpture and Architecture, Painting also began to be taught in an official way, in the style of the European Neoclassical.

As for Debret, his works photographed mid-nineteenth-century Brazil in his daily life. They transited between the Neoclassical and Romanticism, in the approach and for opposing Neoclassical rigor, highlighting and valuing national themes. Although instructed to the academic molds, Debret worked freely, without bothering to be a mirror of what he portrayed.

Among the Brazilian artists who attended the Imperial Academy of Fine Arts are Manuel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879), who was a pupil of Debret; Victor Meirelles de Lima (1832-1903), who entered the academy at the age of only fourteen; and Pedro Américo de Figueiredo e Melo (1843-1905).

Oriented in the academic traditions, Victor Meirelles (1832-1903) transited through Neoclassicism, from which he inherited the balance, the standardization and the rigor of the form; anatomical clarity and accuracy; and the preference for historical themes, as in his well-known work, The First Mass in Brazil, of 1860. Venturing also by the romanticism, the artist added the sentimentality to its style; carried his work of a unique and national identity, dealing with subjects such as Indianism, in Moema.

Academism is evident in her study of Princess Isabel's Marriage (Fig. 11), one of the works commissioned by the Imperial Family. The artist's preoccupation with the form is present in the image, by the use of proportion, symmetry, the contrasts between light and dark, the richness of details and the solemn theme. People are gathered for the important event of the nobility, in a richly decorated hall. There are red curtains, very tall, with pleats and delicate design on the edges. The walls and floor have delicate designs and the beautiful dresses of the guests are the mold of the period, standing out among them the emperor and the nobility.

Fig. 11 - 
Study for "Marriage of Princess Isabel", 
Victor Meirelles de Lima, 1864. 
Photo: Victor Meirelles Museum.

Final considerations

The artists of the French Mission went beyond the designs assigned to them, to systematize the teaching of the Arts. Inspired by the exuberance of our natural landscapes and by a Brazil in formation, they allowed the creative spirit to act freely. They incorporated into our European models, our own, disseminating more than Art, but Culture and History of the country.

The raw stone, the white screen and the beautiful constructions were the testimonies of this creative genius. And the result could be no other than the personalization of a period and a style, which was eventually shaped to our reality.

With the remnants of the Baroque, Rococó and advancing to Romanticism, the Brazilian Neoclassical became evident, witnessed the transformation of culture and left a little bit of its notch in every bit of Brazil. Belo, here, has become a historical record and the way of life of the time and customs.

    Always recharge with value
    The little or how much you have left.
    Proceed. In response to the fool
    There will always be a scarce flower
    Of the stones and the mud that seek to reach you.
    This is your fight.
    Your life is erased. Light the fire on the glaciers that surround you.
    (CORALINA, 2004, p. 244)

1 Anacreon (563 BC - 478 BC) was a Greek lyric poet of antiquity. His poetry was much appreciated by the Greeks and imitated not only in antiquity, but even in Byzantine times.

2 Meonia was the original name of the Kingdom of Lydia and came to be a Roman province. The place was where Turkey is today and was known during the late Antiquity and Middle Ages.

3 In Greek mythology, Pluto was the god of wealth and associated with generosity.

4 Petrópolis Imperial Museum:

5 UNESP Collection:

6 The Truth to which the poet refers is a new horizon, a new ocean, after the storm has passed.

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.
Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.

A Arte Neoclássica no Brasil.

Os elementos clássicos que seduziram a Arte do século XIX, na Europa, encantaram também o Brasil. Na poesia de Silva Alvarenga (1749-1814), do Arcadismo, o interesse pela Antiguidade fica claro na referência que faz, o poeta, a termos do período. Sua poesia abria caminho para o Romantismo no Brasil, mas ficava claro o formato árcade de seu texto, pela simplicidade, pela naturalidade e pela rejeição ao rebuscamento do Barroco. Enquanto o Arcadismo despontava na Poesia, a Arte brasileira se metamorfoseava para o Neoclássico, estilo que permaneceu até por volta de 1870.

Fig. 1 – Igreja de Nosso Senhor do Bonfim, Salvador, Bahia, interior em estilo neoclássico. Foto: Rhea Sylvia Noblat.

Muitas mudanças ocorreram no Brasil, em 1808 e, uma delas foi chegada da Família Real. O Rio de Janeiro, onde a corte então se instalara, passou a ser o novo centro cultural e político do país. No campo artístico, as inovações da Europa chegaram junto com a Missão Artística Francesa, em 1816, encarregada e contratada para fundar e dirigir a Escola Real de Artes e Ofícios, no Rio de Janeiro. O grupo, composto por artistas, arquitetos, músicos, mecânicos, ferreiros e carpinteiros, era liderado pelo escritor Joachim Lebreton (1760-1819) e, entre os componentes, estavam o arquiteto Grandjean de Montigny (1776-1850); o paisagista Nicolas Antoine Taunay (1755-1830) e seu irmão, o escultor Auguste-Marie Taunay (1768-1824); o gravador de medalhas Charles-Simon Pradier (1783-1847); e o pintor Jean-Baptiste Debret (1768-1848). O grupo entretanto, encontrou obstáculos, como a resistência da tradição barroca, já enraizada no país; a escassez de recursos financeiros e de materiais; e as intrigas políticas.

Fig. 2 – Igreja de Nosso Senhor do Bonfim, Salvador, Bahia, interior em estilo neoclássico. Foto: Rhea Sylvia Noblat.

Muitos dos ofícios que, no Brasil, antes eram passados de pessoa para pessoa, como a Arquitetura, a Escultura, a Pintura e o Desenho, passaram a ser estudados oficialmente na Escola de Artes, que ficou mais tarde, conhecida como a Academia Imperial de Belas Artes. O local é, atualmente, a Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro.

Fig. 3 – Igreja de Nosso Senhor do Bonfim, Salvador, Bahia, interior em estilo neoclássico. Foto: Rhea Sylvia Noblat.


Este é o rio, a montanha é esta,
Estes são os troncos, estes os rochedos;
São estes ainda os mesmos arvoredos;
Esta é a mesma rústica floresta.
(COSTA, Cláudio Manuel da in MASSAUD, 2000, pp. 96,97)

Influenciada pelos modelos europeus, a Arte brasileira substituía, aos poucos, os exageros do Barroco, moldava-se para o academicismo e para a imitação dos clássicos. Não poderia ser diferente na Arquitetura. As igrejas passaram a ter um modelo mais comportado, menos rebuscado, voltado para a simplicidade da forma e para a racionalidade.

Fig. 4 – Igreja de Nosso Senhor do Bonfim, Salvador, Bahia, interior em estilo neoclássico. Foto: Rhea Sylvia Noblat.

Por aqui, o Neoclássico deixou marcas no Rio de Janeiro, onde a família Real se instalou e em vários estados. E a Arquitetura do período se apresentou de dois modos. De um lado houve um Neoclássico oficial, aos moldes internacionais, com um nível complexo de influência, feito com material importado, para a corte, para os meios oficiais e para as classes mais altas. Surgiam os palácios. De outro lado, uma versão provinciana do estilo, com uma influência europeia mais superficial e de caráter imitativo dos grandes centros. No feitio, como os recursos daqui eram ainda escassos para a complexidade do padrão trazido da Europa, era necessário que os materiais fossem trazidos de fora. Quanto às inovações, as áreas externas passaram a ser valorizadas; foram feitos aqui, os primeiros jardins planejados; e a palmeira imperial passou a ser utilizada como elemento do paisagismo. A decoração dos espaços internos foi valorizada, com os revestimentos, a pintura com cores suaves, os tons pastéis e a utilização de refinados objetos. E a beleza do Neoclássico serviu de inspiração para edificações em vários estados do Brasil.

Fig. 5 – Igreja de Nosso Senhor do Bonfim, Salvador, Bahia, interior em estilo neoclássico. Foto: Rhea Sylvia Noblat.

No Rio de Janeiro, entre as construções desse estilo, estão o Palácio Imperial, a Casa da Marquesa de Santos, o Palácio do Itamaraty, o Palácio do Catete, o Museu Nacional Brasileiro, além de casas em fazendas enriquecidas pelo café, cujos interiores se aproximavam muito dos padrões da corte.

Fig. 6 – Teatro de Santa Isabel, Recife, Pernambuco. Foto: César.

O Palácio Imperial, também conhecido por Museu Imperial 4, foi a antiga residência de verão de Dom Pedro I. Sua construção, iniciada em 1845, terminou somente em 1862 e contou com a participação de importantes arquitetos da Academia Imperial de Belas Artes e com um lindo projeto paisagístico. No interior do imóvel, os pisos em madeira foram importados de várias províncias do império e há pisos em mármore Carrara, oriundos da Bélgica. Na forma, a clareza e a simplicidade neoclássicas estão presentes na fachada simétrica, com frontão triangular, que lembra as construções clássicas e renascentistas italianas. Nas paredes externas, o suave tom de rosa contrasta com a linhas brancas das janelas. As inferiores com detalhes em forma de arco; as superiores com detalhes retilíneos.

Fig. 7 – Palácio da Justiça, Recife, Pernambuco. Foto: César.

Na Bahia, um dos maiores ícones da fé cristã, a Igreja de Nosso Senhor do Bonfim (Fig. 1), também seguiu os padrões da Arquitetura do período, em sua construção e em seu interior. Entre a beleza de sua azulejaria e dos afrescos, a construção conserva ainda em sua fachada, resquícios do Rococó

Inaugurado em 1850, o Teatro de Santa Isabel (Fig. 6), em Recife, já recebeu várias celebridades e é um dos mais belos do país. Vários recursos tecnológicos foram implementados em suas reformas, mas se mantiveram as características originais que o tornaram um dos maiores representantes do Neoclássico, em Pernambuco. Atestam o estilo, o frontão triangular da fachada; os arcos e as colunas da entrada, alinhados com as janelas da parte superior; e as linhas e detalhes das paredes externas. Para seu feitio, foram importados mármore italiano, ferro francês e pedras portuguesas. E Recife guarda ainda como representantes do Neoclássico, o Palácio da Justiça (Fig. 7) além de outros prédios públicos e casarões.

Fig. 8 – Palácio da Justiça, Recife, Pernambuco. Foto: César.


Onde, Enigma adorado,
Onde guias perplexo,
Confuso e pensativo
Da minha ideia o vacilante curso?
Que sombras, que portentos
Encobres a meus olhos,
Ó ignorado arcano,
Que lá dessa distância
Inspiras de teu raio esforço ativo?
(COSTA, 2014, p.135)

No Brasil Imperial, a vinda da Missão Francesa possibilitou que se oficializasse o ensino da Arte. O ofício de escultor, antes passado de pessoa para pessoa, passava a ter agora, uma metodologia acadêmica. Entre os professores indicados estavam Auguste-Marie Taunay e Marc Ferrez (1788-1850), posteriormente substituídos por Francisco Elídio Pânfiro (1823-1852) e Francisco Manuel Chaves Pinheiro (1822-1884).

Fig. 9 – Palácio da Justiça, Recife, Pernambuco, esculturas. Foto: César.

O feitio neoclássico fica à mostra na obra de Chaves Pinheiro 5, o escultor que mais produziu na segunda metade do século. O artista estudou na Academia Imperial de Belas Artes, foi aluno de Marc Ferrez e muitas de suas esculturas podem ser vistas em museus, igrejas e praças públicas. Seu esmero com a forma; sua predileção pelo estudo de figuras humanas e pelo figurativo, ficam claros em sua obra mais importante, a Escultura Equestre de Dom Pedro II (Fig. 10). Com 2,80 metros de altura e 3 metros de comprimento, o modelo, feito em gesso, não chegou a ser fundido em bronze, uma vez que Dom Pedro II, preocupado com sua boa imagem no país, recusou a homenagem em prol da construção de escolas. Na escultura, Dom Pedro se apresenta sobre um cavalo, em vestes militares, decoradas e com chapéu. Sua mão esquerda segura as rédeas do cavalo e a direita, estendida, saúda o povo pela vitória conseguida, na Rendição da Uruguaiana.

Entre as características neoclássicas, a obra faz uma alusão aos acontecimentos da época, de um Brasil ainda Imperial. A figura de Dom Pedro, solene, sobre seu cavalo, é imponente, austera e transparece o poder do imperador. A regularidade da forma, a harmonia da proporção e a correspondência com a realidade são os mesmos dos clássicos da Antiguidade, aqui retomados com uma ressignificação, atualizados para o modelo Neoclássico.

No Centro Histórico de Salvador, na Bahia, o Chafariz do Terreiro de Jesus faz uma alusão à Mitologia. A Escultura, de 1861, foi feita de ferro fundido e tem uma base circular, em mármore. Contornam a parte inferior da imagem, duas mulheres e dois homens seminus representando os quatro rios mais importantes da Bahia, o São Francisco, o Jequitinhonha, o Pardo e o Paraguaçu. Mais ao alto, na outra bacia do chafariz, ainda como resquícios do Rococó, foram esculpidas conchas, guirlandas e delfins. Mais acima, há quatro meninas com as mãos entrelaçadas; há uma bacia adornada com plantas e por último está a grandiosa imagem da Deusa Ceres, representativa da Abundância.
Fig. 10 – Escultura Equestre de Dom Pedro II, Francisco Manoel Chaves Pinheiro, 1866. Foto: Museu Histórico Nacional.

Fig. 10 – Escultura Equestre de Dom Pedro II, Francisco Manoel Chaves Pinheiro, 1866. Foto: Museu Histórico Nacional.


    O sonho é ver as formas invisíveis
    Da distância imprecisa e, com sensíveis
    Movimentos da esperança e da vontade,
    Buscar na linha fria do horizonte
    A árvore, a praia, a flor, a ave, a fonte –
    Os beijos merecidos da Verdade 6.
    (PESSOA, 2006, p.68)

Do sonho nasce a obra, nos recônditos da alma distante, embriagada pelo que há em torno de si. Esse pensamento norteia a Arte e deve ter conduzido o pensamento de muitos artistas no Brasil do século XIX, porque a Pintura brasileira, de então, foi uma viagem pictórica nesse país onde a corte portuguesa estava se instalando. E o artista francês Jean-Baptiste Debret (1768-1848) foi um dos grandes realizadores desse acervo, na forma de Arte. Em seu livro, Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil, o artista traçou e coloriu as imagens que via, do cotidiano, da sociedade da época, dos índios, dos escravos, dos animais e das lindas paisagens brasileiras. O próprio Debret foi instruído por seu primo e professor Jacques-Louis David (1748-1825), consagrado artista francês, do Neoclássico. O academicismo, orientou seu trabalho e de outros artistas que aqui se instalaram, no período, deixando para os séculos posteriores imagens que narraram uma época. Além de Debret, a Missão Francesa trouxe Nicolas-Antoine Taunay (1755-1830) e o alemão Johann Moritz Rugendas (1802-1858). Assim como a Escultura e a Arquitetura, a Pintura também passava a ser ensinada de forma oficial, aos moldes do Neoclássico europeu.

Quanto a Debret, suas obras fotografaram o Brasil de meados do século XIX, em seu cotidiano. Transitaram elas entre o Neoclássico e o Romantismo, na abordagem e por se oporem ao rigor Neoclássico, destacando e valorizando os temas nacionais. Embora instruído aos moldes acadêmicos, Debret trabalhou de forma livre, sem se preocupar em ser um espelho do que retratava.

Entre os artistas brasileiros que frequentaram a Academia Imperial de Belas Artes, estão Manuel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879), que foi aluno de Debret; Victor Meirelles de Lima (1832-1903), que entrou na academia com apenas quatorze anos; e Pedro Américo de Figueiredo e Melo (1843-1905).

Orientado nas tradições acadêmicas, Victor Meirelles (1832-1903) transitou pelo Neoclassicismo, do qual herdou o equilíbrio, a padronização e o rigor da forma; a clareza e a exatidão anatômicas; e a preferência por temas históricos, como em sua conhecida obra, A Primeira Missa no Brasil, de 1860. Aventurando-se também pelo Romantismo, o artista acrescentou o sentimentalismo a seu estilo; carregou sua obra de uma identidade única e nacional, tratando de temas como o indianismo, em Moema.

O academicismo fica evidente em seu Estudo para Casamento da Princesa Isabel (Fig. 11), uma das obras encomendadas pela Família Imperial. A preocupação do artista com o feitio está presente na imagem, pelo uso da proporção, da simetria, dos contrastes entre claro e escuro, da riqueza de detalhes e do tema solene. As pessoas estão reunidas para o importante evento da nobreza, em um salão ricamente decorado. Há cortinas vermelhas, muito altas, com pregas e delicado desenho nas bordas. As paredes e o piso tem delicados desenhos e as lindas vestes dos convidados são aos moldes do período, destacando-se entre eles, o imperador e a nobreza.
Fig. 11 – Estudo para “Casamento da Princesa Isabel”, Victor Meirelles de Lima, 1864. Foto: Museu Victor Meirelles.

Fig. 11 – Estudo para “Casamento da Princesa Isabel”, Victor Meirelles de Lima, 1864. Foto: Museu Victor Meirelles.

Considerações finais

Os artistas da Missão Francesa foram além dos desígnios a eles atribuídos, de sistematizar o ensino das Artes. Inspirados pela exuberância de nossas paisagens naturais e por um Brasil em formação, permitiram que o espírito criativo agisse de forma livre. Incorporaram aos modelos europeus, o nosso próprio, disseminando com isso, mais que a Arte, mas a Cultura e a História do país.

A pedra bruta, a tela alva e as lindas construções foram os testemunhos desse gênio criativo. E o resultado não poderia ser outro senão a personalização de um período e de um estilo, que acabou por ser moldado à nossa realidade.
Com os resquícios do Barroco, do Rococó e adiantando-se ao Romantismo, o Neoclássico brasileiro se fez evidente, presenciou a Cultura em transformação e deixou um pouco de seu entalhe em cada pedacinho do Brasil. O Belo, aqui, se transformou num registro histórico e do modo de viver da época e dos costumes.
Recria sempre com valor
O pouco ou o muito que te resta.
Prossegue. Em resposta ao néscio
Brotará sempre uma flor escassa
Das pedras e da lama que procuram te alcançar.
Essa é a tua luta.
Tua vida é apagada. Acende o fogo nas geleiras que te cercam.
(CORALINA, 2004, p.244)
1 Anacreonte (563 a.C. – 478 a.C) foi um poeta lírico grego da Antiguidade. Sua poesia foi muito apreciada pelos gregos e imitada não somente na Antiguidade, mas até mesmo na época bizantina.
2 Meônia era o nome original do Reino da Lídia e chegou a ser uma província romana. O local, ficava onde hoje se situa a Turquia e era conhecido durante o final da Antiguidade e a Idade Média.
3 Na Mitologia grega, Pluto era o deus da riqueza e associado à generosidade.
4 Museu Imperial Petrópolis:
5 Acervo da UNESP:
6 A Verdade a que se refere o poeta é um novo horizonte, um novo oceano, após passada a tormenta.

--uc via tradutor do google
Неокласичне мистецтво в Бразилії.

Класичні елементи, які спокусили мистецтво 19 століття в Європі, також зачарували Бразилію. У поезії Сильви Альваренги (1749-1814), Аркадісмі, інтерес до античності ясно видно в довіднику, що робить, поета, термінами цього періоду. Його поезія проклала шлях до романтизму в Бразилії, але зрозуміло арктичний формат його тексту, для простоти, для природності та за відмову від стилю бароко. Поки Аркадій проявився в поезії, бразильському мистецтві метаморфозіава для неокласичного, стилю, що залишився до 1870 року.

Рисунок 1 -

Церква Господа нашого Бонфіма, Сальвадору, Баїї,
інтер'єр в неокласичному стилі. Фото: Рея Сільвія Ноблат.

Багато змін відбулося в Бразилії в 1808 році, і одним з них став прибуття Королівської сім'ї. Ріо-де-Жанейро, де тоді суд встановив себе, став новим культурним та політичним центром країни. У сфері мистецтва інновації у Європі разом із Французькою мистецькою місією, 1816 р., Обіймали посади та контракти, щоб знайти та керувати Королівською школою мистецтв та ремесел в Ріо-де-Жанейро. Група, складена з художників, архітекторів, музикантів, механіків, ковалів і теслярів, очолювала письменник Йоахім Лебретон (1760-1819), а серед компонентів - архітектор Великий Монтиньї (1776-1850); ландшафтник Нікола Антуан Тунай (1755-1830) та його брат, скульптор Огюст-Марі Таунай (1768-1824); медаль гравер Чарльз-Саймон Прадіер (1783-1847); і художник Жан-Батіст Дебрет (1768-1848). Однак група зіштовхнулася з такими перешкодами, як опір традиції бароко, вже коріння в країні; дефіцит фінансових ресурсів та матеріалів; і політичні інтриги.

Рисунок 2 -

Церква Господа нашого Бонфіма, Сальвадору, Баїї,
інтер'єр в неокласичному стилі. Фото: Рея Сільвія Ноблат.

Багато хто ремесла, що колись переходили від людини до людини в Бразилії, такі як архітектура, скульптура, живопис і малювання, були офіційно вивчені в Школі мистецтв, яка згодом стала відома як Імператорська Академія Мистецтв. Витончені мистецтва. Сайт в даний час є Школою образотворчих мистецтв Федерального університету в Ріо-де-Жанейро.

Рисунок 3 -
Церква Господа нашого Бонфіма, Сальвадору, Баїї,
 інтер'єр в неокласичному стилі. Фото: Рея Сільвія Ноблат.


Це річка, гора така,
Це стовбури, це скелі;
Це ще ті самі гаї;
Це той же сільський ліс.
(COSTA, Cláudio Manuel da in MASSAUD, 2000, с. 96, 97)

Під впливом європейських моделей бразильське мистецтво поступово замінило перебільшення бароко, було сформовано за академізм і імітацію класиків. Архітектура не може бути іншою. Церкви тепер мають більш вдалу, менш складну модель, орієнтовану на простоту форми та раціональність.

Рисунок 4 -

Церква Господа нашого Бонфіма, Сальвадору, Баїї,
інтер'єр в неокласичному стилі. Фото: Рея Сільвія Ноблат.

Навколо цього неокласичного лівого сліди в Ріо-де-Жанейро, де королівська родина осіла і в кількох штатах. І Архітектура того періоду виникла двома способами. З одного боку, у офіційних неокласичних формах, у міжнародних формах, був складний рівень впливу, зроблений з імпортним матеріалом, для суду, за офіційними засобами та для вищих класів. Виникли палаци. З іншого боку, провінційна версія стилю, з більш поверховим і наслідувальним європейським впливом великих центрів. Насправді, оскільки ресурсів тут ще мало для складності стандарту, привезеного з Європи, необхідно було, щоб матеріали були вивезені ззовні. Що стосується нововведень, зовнішні сфери стали оцінюватися; були зроблені тут, перші заплановані сади; і імператорська пальма почала використовуватися як елемент ландшафтного дизайну. Оздоблення внутрішніх приміщень було оцінено, з покриттями, живописом з м'якими фарбами, пастельними відтінками та використанням вишуканих предметів. І краса неокласики послужили натхненням для будівель у кількох штатах Бразилії.

Рисунок 5 -
Церква Господа нашого Бонфіма, Сальвадору, Баїї,
інтер'єр в неокласичному стилі. Фото: Рея Сільвія Ноблат.
Neoklasychne mystetstvo v Brazyliyi.

Klasychni elementy, yaki spokusyly mystetstvo 19 stolittya v Yevropi, takozh zacharuvaly Brazyliyu. U poeziyi Sylʹvy Alʹvarenhy (1749-1814), Arkadismi, interes do antychnosti yasno vydno v dovidnyku, shcho robytʹ, poeta, terminamy tsʹoho periodu. Yoho poeziya proklala shlyakh do romantyzmu v Brazyliyi, ale zrozumilo arktychnyy format yoho tekstu, dlya prostoty, dlya pryrodnosti ta za vidmovu vid stylyu baroko. Poky Arkadiy proyavyvsya v poeziyi, brazylʹsʹkomu mystetstvi metamorfoziava dlya neoklasychnoho, stylyu, shcho zalyshyvsya do 1870 roku.

Rysunok 1 -

Tserkva Hospoda nashoho Bonfima, Salʹvadoru, Bayiyi,
inter'yer v neoklasychnomu styli. Foto: Reya Silʹviya Noblat.

У будівництві цього стилю в Ріо-де-Жанейро знаходяться Імператорський палац, Будинок Маркіза де Сантос, Палац Ітамараті, Палац Катете, Бразильський національний музей, а також будинки з фермами, збагаченими кавою, інтер'єри яких дуже близькі до судових стандартів.

Рисунок 6 -

Театр Санта-Ісабель, Ресіфі, Пернамбуку. Фото: Сезар.

Імператорський палац, також відомий як Імператорський 4, був колишньою літньою резиденцією Дом Педро I. Його спорудження, розпочате в 1845 році, закінчилося лише в 1862 році, в якому взяли участь важливі архітектори Імператорської Академії образотворчих мистецтв та прекрасний ландшафтний дизайн проект Всередині майна, дерев'яні підлоги були імпортовані з різних провінцій імперії, і є каррарські мармурові підлоги, що походять з Бельгії. У формі, неокласична чіткість і простота присутні в симетричному фасаді, з трикутним фронтоном, що нагадує класичні будівлі італійського та ренесансного мистецтва. На зовнішніх стінах м'який рожевий тон контрастує з білими лініями вікон. Нижні з дугоподібними деталями; верхні з прямолінійними деталями.

Рисунок 7 -

Палац юстиції, Ресіфі, Пернамбуку. Фото: Сезар.

У Баї, одна з найвидатніших ікон християнської віри, Церква Нашого Господа Бонфіма (рис.1), також узгоджувалася з моделями Архітектури того періоду, в його побудові та в його інтер'єрі. Між красою його плитки та фресок будівля все ще зберігає свій фасад, залишки рококо.

Відкритий в 1850 році Театр Санта-Ісабель (рис.6), у Ресіфі, вже отримав кілька знаменитостей і є одним з найкрасивіших у країні. У його реформах було впроваджено декілька технологічних ресурсів, але вихідні характеристики, які зробили його одним з найбільших представників неокласики в Пернамбуку, залишились колишніми. Їм подобається стиль, трикутний фронтон фасаду; арки і колони входу, вирівняні з вікнами верхньої частини; і лінії та деталі зовнішніх стін. До свого персонажа були завезені італійський мармур, французькі залізо і португальські камені. У Ресіфі також є представники неокласичної, Палацу правосуддя (рис.7) та інших громадських будівель та особняків.

Рисунок 8 -

Палац юстиції, Ресіфі, Пернамбуку. Фото: Сезар.


Де, Enigma обожнюють,
Де розгублені путівники
Змішаний і вдумливий
З моєї ідеї - незмінний курс?
Які тіні, які прикмети
Ви закриваєте мої очі
О, ігнорував таємного,
Що там з такої відстані?
Ви вдихаєте з вашого промінь активних зусиль?

(COSTA, 2014, с.135)

У імператорській Бразилії прибуття французької місії дозволило формалізувати вчення про мистецтво. Робота скульптора, колись перейшла від людини до людини, тепер мала академічну методологію. Серед вказічуваних вчителів були Огюст-Марі Таунай і Марк Феррез (1788-1850), пізніше його замінили Франсіско Елідіо Панфіро (1823-1852) та Франсиско Мануель Чавес Пиньейру (1822-1884).

Рисунок 9 -

Палац правосуддя, Ресіфі, Пернамбуку, скульптури. Фото: Сезар.

Неокласична форма проявляється в роботі Чавес Піньейру 5, скульптор, який видав найбільше у другій половині століття. Художник навчався в Імператорській Академії образотворчого мистецтва, був учнем Марка Ферреза, і багато його скульптури можна побачити в музеях, церквах та громадських площах. Його відданість формувати; його пристрасть до вивчення людських фігур та образних, яскраво виражені у його найважливішій роботі - "Кінна скульптура дому Педро II" (рис.10). На висоті 2,80 метра і довжиною 3 метри, гіпсова модель не була відливана бронзою, оскільки Дім Педро II, стурбований його хорошим іміджем у країні, відмовився віддати повагу будівництву шкіл. У скульптурі Дім Педро представляє себе на коні в військових одягу, прикрашений і в шапці. Його лівий рука тримає в руках кінь і праворуч, розширюється, вітає людей за досягнуту перемогу, в капітуляції уругваю.

Серед неокласичних характеристик робота робить натяк на події часу, все ще імператорської Бразилії. Фігура Дім Педро, урочиста, на його коні, нав'язлива, сувора і перевершує силу імператора. Закономірність форми, гармонія пропорції та відповідність дійсності такі ж, як класики античності, тут відновлено з переоцінкою, оновленою до неокласичної моделі.

У історичному центрі Сальвадору, у Баї, фонтан Терреіро де Ісус наводить на згадку про міфологію. Скульптура, починаючи з 1861 року, була виготовлена ​​з чавуну і має круглу базу, з мармуру. Спідниця в нижній частині зображення, двох жінок і двох напівоголених чоловіків, які представляють чотири основні річки Баія, Сан-Франциско, Жекітіньонья, Пардо і Paraguaçu. Далі, в іншому басейні фонтану, як і раніше, як залишки рококо, були різьблені оболонки, гірлянди та дельфіни. Нагорі є чотири дівчата з обплетеними руками; є басейн, прикрашений рослинами, і, нарешті, є чудовий образ богині Церера, представник великого достатку.
Рисунок 10 - Концертна скульптура Д. Педро II, Франциско Мануель Чавес Пінейру, 1866 р. Фото: Національний історичний музей.

Рисунок 10 - Концертна скульптура Д. Педро II, Франциско Мануель Чавес Пінейру, 1866 р. Фото: Національний історичний музей.


    Мрія полягає в тому, щоб побачити невидимі форми
    З неточної відстані і чутливою
    Рухи надії та волі
    Шукайте в лінії холодного горизонту
    Дерево, пляж, квітка, птах, фонтан -
    Поцілунки заслуговують на Правду 6.
    (PESSOA, 2006, с.68)

З сновидіння настає робота, у впаданнях далекої душі, п'яної тим, що навколо себе. Це мислення направляє мистецтво і повинні було привести мислення багатьох художників в дев'ятнадцятому столітті Бразилії, тому що картина Бразилії, а потім було ілюстроване подорож в цій країні, де сідав португальці суд. І французький художник Жан-Батіст Дебрет (1768-1848) був одним із великих досягнень цієї колекції у формі мистецтва. У своїй книзі Мальовничі подорожі і історія в Бразилії, художник малювали і кольорові зображення, які він бачив, кожен день, суспільство того часу, індіанець, раб, тварини і красиві бразильські пейзажі. Дебре сам навчав його двоюрідний брат і професор Жак-Луї Давид (1748-1825), освячений французьким художником, неокласичним. Академізм керував своєю роботою та іншими художниками, які оселилися тут, у період, залишаючи на віки пізніше зображення, які розповідали про епоху. Крім Дебрета, французька місія привела Ніколаса-Антуана Тауная (1755-1830) і німецького Йоганна Моріца Ругденда (1802-1858). Як і скульптура та архітектура, живопис також почав викладатися офіційно, у стилі європейського неокласичного.

Що стосується Debret, його роботи сфотографувалися в середині дев'ятнадцятого століття Бразилії в його повсякденному житті. Вони переходили між неокласичним та романтизмом, у підході та протиставляли неокласичну суворість, висвітлюючи та оцінюючи національні теми. Хоча він навчений академічним формам, Дебрі працював вільно, не переймаючись, щоб бути дзеркалом того, що він зобразив.

Серед бразильських художників, які відвідали Імператорську Академію образотворчого мистецтва, - Мануель де Арауджо Порто-Алегре (1806-1879), який був учнем Дебрета; Віктор Мейрелль де Ліма (1832-1903), який вступив до академії у віці лише чотирнадцяти років; і Педро Амеріко де Фігейредо і Мело (1843-1905).

Орієнтований в академічних традиціях, Віктор Meirelles (1832-1903) транзит неокласицизму, яка успадкувала баланс, стандартизацію і строгість форми; анатомічна чіткість і точність; і перевагу історичних сюжетів, як і в своїй знаменитій праці, перші масовий в Бразилії, 1860. Venturing також романтизм, художник додав сентиментальність до вашого стилю; здійснив свою роботу унікальну та національну ідентичність, займаючись такими темами, як індіанцізм, у Моме.

Академізм проявляється в її вивченні подружжя принцеси Ізабель (рис. 11), одного з творів, за замовленням Імператорської сім'ї. Стурбованість художника з формою присутній в зображенні, використання пропорції, симетрія, контраст між світлим і темним, багатством деталей і урочистій темою. Люди збираються на важливу подію дворянства, в багато прикрашеному залі. Є червоні штори, дуже високі, з плесками і тонким дизайном на краях. Стіни та підлога мають тонкі конструкції, а прекрасні сукні гостей - це форма періоду, що виділяється серед них імператора та дворянства.
Рисунок 11 - Дослідження "Шлюб принцеси Ізабель", Віктор Мейрелль де Ліма, 1864. Фото: музей Віктора Мейреллеса.

Рисунок 11 - Дослідження "Шлюб принцеси Ізабель", Віктор Мейрелль де Ліма, 1864. Фото: музей Віктора Мейреллеса.

Остаточні міркування

Артисти французької місії виходили за рамки, присвячені їм, систематизувати викладання мистецтв. Натхненні надмірністю наших природних ландшафтів та утворенням Бразилії, вони дозволили творчому духу діяти вільно. Вони включені в наші європейські моделі, наші власні, поширюючи більше, ніж мистецтво, але Культура та історія країни.

Сірний камінь, білий екран та прекрасні споруди були свідченнями цього творчого генія. І результат може бути не іншим, як персоналізація періоду та стилю, який зрештою сформувався у нашій реальності.

З залишками бароко, рококо та рухаючись до романтизму з'явився бразильський неокласичний сюрприз, який став свідком трансформації культури і трохи зрізав її у кожному куточку Бразилії. Бело, тут, став історичним рекордом і способом життя того часу і звичаїв.

    Завжди заряджатись із цінністю
    Трохи або скільки ви залишили.
    Продовжуй У відповідь на дурня
    Там завжди буде дефіцитна квітка
    З каменів і бруду, які прагнуть до вас добратися.
    Це твій бій.
    Ваше життя стерто. Освітлюйте вогонь на льодовиках, які вас оточують.
    (CORALINA, 2004, стор. 244)

1 Анакреон (563 р. До н.е. - 478 р. До н.е.) був грецьким ліриком поета античності. Його поезія була високо оцінена греками і імітується не тільки в давнину, але навіть у візантійські часи.

2 Меонія була первісною назвою Королівства Лідія і стала римською провінцією. Це місце, де сьогодні є Туреччина, і було відомо в пізні античності та середньовіччя.

3 У грецькій міфології Плутон був бога багатства і пов'язаний з великодушністю.

4 імператорський музей Петрополіс:

5 Колекція UNESP:

6 Істина, до якої поет посилається, - це новий горизонт, новий океан, після пройденої штормом.

Nuoro 2020 has its official logo. Daria Canu winner of the Ideas Competition. Italy. - Nuoro 2020 tem seu logotipo oficial. Daria Canu vencedora do concurso de ideias. Itália. - Nuoro 2020 ha il suo logo ufficiale. Daria Canu vincitrice del Concorso di idee. Italia.


She is a student from Nuoro the winner of the Competition of ideas for the logo and the slogan that represents the candidature of Nuoro to the Italian Capital of Culture 2020.

Daria Canu, 21, enrolled at the University of Cagliari, studied toxicology and won the first prize. The logo was recounted by the author herself: "Nuoro is at the center of a spiral of ideas and initiatives: the spiral, golden like the gold of the buttons - a jewel of Sardinian costumes, like the hay harvested in our countryside, like a embrace of the sun and emotions or as a basket of woven reeds, represents every craft activity and tradition, be it food, agro-pastoral or textile, as long as it is evolving ".

The slogan Noisi contains two words and two concepts and can be read both in Italian and in Sardinian. "We-yes" becomes a declaration of intent and courage Nois (i) and? Il nuorese Noi: indicates both the Sardinian / Nuoro membership, and the invitation to be part of the Italy it represents, "explained Canu.

Daria Canu is one of the participants of the Competition that has seen single students and entire school groups present their works. The jury chaired by the designer and architect Flavio Manzoni (director of Design Ferrari) and composed by the writer Marcello Fois, the journalists Elvira Serra (Corriere della sera) and Simonetta Selloni (La Nuova Sardegna) and the jazz musician and composer Gavino Murgia examined the processed and chose among the 10 finalists the most representative logo in its opinion, which was then transformed into a graphic design by President Manzoni.

The jury decided to give an ex aequo to three other works presented by the students: Nicolò Piredda di Nuoro and already a finalist of another competition "Young designer of the year awards 2018", Michele Marrocu of Ales and the technical commercial institute A.Volta di Nuoro, because as explained Simonetta Selloni "of Nuoro we fell in love and reunamorati with the same transport that is addressed to a lover". A passion that the judges have also felt towards other works.

And the jury was even more enthusiastic when he learned that the winner was just a woman (until the last the finalists were classified according to an identification number not to condition the jury, ed).

In the days when we remember the 91 years from the awarding of the Nobel Prize for literature to Grazia Deledda, the only woman in Italy to have received this award, the recognition for the Nuoro2020 logo to a young nuorese makes it even more proud.

Manzoni in delivering the parchment and the thousand euro check to the winner, explained the reasons that led to the choice of the logo, emphasizing that "first of all was the description given by the author to excite the jury".

Manzoni told how the jury felt that this logo "could embody the spirit of the city, and enclose a series of values, represent our roots, our tradition but also be a modern sign, projected towards the future, open", has Manzoni said that he also explained the choice of character by specifying the will to give the inscription "Nùoro, capital of culture 2020": "A rigorous character, where Nùoro stands out with emphasis on ù because we want that also in the Continent be pronounced in right way".

The symbol of the logo "is a spiral that represents a beginning and never an end, and so I hope it is for the Nuorese culture, a starting point, and that of today is only a beginning", said Daria Canu.

The mayor Andrea Soddu was also excited about the words of the winner who proposed that the Canu logo reworked by Manzoni becomes the official symbol not only of the nomination for Nuoro2020 but also of the city and that is flanked by the institutional logo. "Because this nomination is nothing more than a project to relaunch, relaunching the Center of Sardinia, of our territorial community, which can not start again with the concept of openness", said Mayor Andrea Soddu.

And so "the competition of ideas as well as representing a moment of sharing was an opportunity to enhance the true function of a logo that is to tell the city, not just the one experienced but also the perceived one. and to the creative virginity of the boys, because we are convinced that they were the ones who had to be able to better represent our Nuoro ", commented Deputy Mayor Cocco.

A task facilitated by the work of the jury, which as explained Fois, worked to "give back to this community what is due to him" because I am convinced ", continued the writer Nuorese," that any of us owes much more to Nuoro how much Nuoro owes to them ". Because the strength of Nuoro, continued Elvira Serra, "is that it represents the place of the heart, the one in which we take refuge when we are weaker and to which we always return to feel stronger".

"The reality of this city is that it does not have a problem in telling itself, but it has the problem of being reflected in its story", continued Fois, and this is also why the idea of entrusting the creation of the Nuoro2020 logo to young people was born. . "He won the fact that it is the other generation that tells us today how we must think about the future of this city," concluded Fois.

Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 

A cultura e o amor devem estar juntos.
Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.

--br via tradutor do google
Nuoro 2020 tem seu logotipo oficial. Daria Canu vencedora do concurso de ideias. Itália.


Ela é uma estudante de Nuoro, vencedora do concurso de ideias para o logotipo e o slogan que representa a candidatura de Nuoro à capital italiana da cultura 2020.

Daria Canu, de 21 anos, matriculou-se na Universidade de Cagliari, estudou toxicologia e ganhou o primeiro prêmio. O próprio logotipo foi relatado pelo próprio autor: "Nuoro está no centro de uma espiral de idéias e iniciativas: a espiral, dourada como o ouro dos botões - uma jóia dos trajes da Sardenha, como o feno colhido em nosso campo, como um abraçar o sol e as emoções ou como uma cesta de juncos tecidos, representa toda atividade artesanal e tradição, seja comida, agro-pastoral ou têxtil, desde que esteja evoluindo ".

O slogan Noisi contém duas palavras e dois conceitos e podem ser lidos em italiano e na Sardenha. "Nós-sim" torna-se uma declaração de intenção e coragem Nois (i) e? Il nuorese Noi: indica a adesão da Sardenha / Nuoro e o convite para fazer parte da Itália que representa ", explicou Canu.

Daria Canu é um dos participantes da competição que viu alunos solteiros e grupos escolares inteiros apresentarem suas obras. O jurado presidido pelo designer e arquiteto Flavio Manzoni (diretor do Design Ferrari) e composto pelo escritor Marcello Fois, os jornalistas Elvira Serra (Corriere della sera) e Simonetta Selloni (La Nuova Sardegna) e o músico e compositor de jazz Gavino Murgia examinaram O processado e escolheu entre os 10 finalistas o logotipo mais representativo em sua opinião, que foi transformado em um design gráfico pelo presidente Manzoni.

O júri decidiu dar um ex aequo a outras três obras apresentadas pelos alunos: Nicolò Piredda di Nuoro e já um finalista de outra competição "Jovem desenhador do ano concede 2018", Michele Marrocu de Ales e o instituto comercial técnico A.Volta di Nuoro, porque, como explicou Simonetta Selloni "de Nuoro, nos apaixonamos e reunamorati com o mesmo transporte dirigido a um amante". Uma paixão que os juízes também sentiram em relação a outras obras.

E o jurado ficou ainda mais entusiasmado quando soube que o vencedor era apenas uma mulher (até a última, os finalistas foram classificados de acordo com um número de identificação para não condicionar o júri, ed).

Nos dias em que lembramos os 91 anos a partir da atribuição do Prêmio Nobel de literatura a Grazia Deledda, a única mulher na Itália a ter recebido este prêmio, o reconhecimento do logotipo Nuoro2020 a um jovem nuoréo torna ainda mais orgulhoso.

Manzoni, entregando o pergaminho e o cheque de mil euros ao vencedor, explicou os motivos que levaram à escolha do logotipo, enfatizando que "antes de tudo foi a descrição dada pelo autor para excitar o júri".

Manzoni contou como o júri sentiu que este logotipo "poderia incorporar o espírito da cidade e incluir uma série de valores, representar nossas raízes, nossa tradição, mas também ser um sinal moderno, projetado para o futuro, aberto", Manzoni disse que Ele também explicou a escolha do personagem, especificando a vontade de dar a inscrição "Nùoro, capital da cultura 2020": "Um caráter rigoroso, onde Nùoro se destaca com ênfase em ù porque queremos que também no continente seja pronunciado de maneira correta ".
O símbolo do logotipo "é uma espiral que representa um começo e nunca um fim, e espero que seja para a cultura Nuorese, um ponto de partida, e o de hoje é apenas um começo", disse Daria Canu.

O prefeito Andrea Soddu também ficou entusiasmado com as palavras do vencedor que propuseram que o logotipo de Canu retraído por Manzoni se torne o símbolo oficial não apenas da indicação para Nuoro2020, mas também da cidade e que está flanqueada pelo logotipo institucional. "Porque esta nomeação não é mais do que um projeto para relançar, relançando o Centro da Sardenha, da nossa comunidade territorial, que não pode começar de novo com o conceito de abertura", disse o prefeito Andrea Soddu.

E assim "a competição das idéias e a representação de um momento de partilha foi uma oportunidade para melhorar a verdadeira função de um logotipo que é contar a cidade, não apenas a vivida mas também a percebida. E a virgindade criativa de os meninos, porque estamos convencidos de que eles foram os que tiveram que ser capazes de representar melhor o nosso Nuoro ", comentou o vice-prefeito Cocco.

Uma tarefa facilitada pelo trabalho do júri, que, como explicou Fois, trabalhou para "devolver a essa comunidade o que é devido a ele" porque estou convencido ", continuou o escritor Nuorese", que qualquer um de nós deve muito mais a Nuoro Quanto Nuoro lhes deve ". Porque a força de Nuoro, continuou Elvira Serra," é que representa o lugar do coração, aquele em que nos refugiamos quando somos mais fracos e para o qual sempre voltamos a sentir-se mais fortes " .

"A realidade desta cidade é que não tem um problema em dizer a si mesmo, mas tem o problema de se refletir em sua história", continuou Fois, e é também por isso que a idéia de confiar a criação do logotipo Nuoro2020 para jovens nasceram. . "Ele ganhou o fato de que é a outra geração que nos diz hoje como devemos pensar sobre o futuro desta cidade", concluiu Fois.

Nuoro 2020 ha il suo logo ufficiale. Daria Canu vincitrice del Concorso di idee. Italia.


È una studentessa nuorese la vincitrice del Concorso di idee per il logo e lo slogan che rappresenta la candidatura di Nuoro a Capitale italiana della Cultura 2020.

Daria Canu, 21 anni, iscritta all'università di Cagliari, studia tossicologia ha vinto il primo premio. Il logo è stato raccontato dalla stessa autrice: "Nuoro e? al centro di una spirale di idee e di iniziative. La spirale, dorata come l'oro dei bottoni – gioiello dei costumi sardi, come il fieno raccolto nelle nostre campagne, come un abbraccio di sole ed emozioni o come una canestra di giunchi intrecciati, rappresenta ogni attività e tradizione artigianale, sia essa alimentare, agro-pastorale o tessile, purchè in evoluzione".

Lo slogan Noisi racchiude invece due parole e due concetti e può essere letto sia in lingua italiana che in lingua sarda. "Noi-si? diventa dichiarazione di intenti e di coraggio. Nois(i) e? il nuorese Noi: indica sia l'appartenenza sardo/nuorese, sia l'invito a farne parte all'Italia che rappresenterà", ha spiegato Canu.

Daria Canu è una dei partecipanti del Concorso che ha visto singoli studenti e intere scolaresche presentare i propri elaborati. La giuria presieduta dal designer e architetto Flavio Manzoni (direttore del Design Ferrari) e composta dallo scrittore Marcello Fois, dalle giornaliste Elvira Serra (Corriere della sera) e Simonetta Selloni (La Nuova Sardegna) e dal musicista e compositore jazz Gavino Murgia ha esaminato gli elaborati e ha scelto tra i 10 finalisti il logo a suo giudizio più rappresentativo, che è stato poi trasformato in una veste grafica dal presidente Manzoni.

La giuria ha deciso di dare un ex aequo anche ad altri tre elaborati presentati dagli studenti: Nicolò Piredda di Nuoro e già finalista anche di un altro concorso "Young designer of the year awards 2018", Michele Marrocu di Ales e dall'Istituto tecnico commerciale A.Volta di Nuoro, perché come ha spiegato Simonetta Selloni “di Nuoro ci siamo innamorati e reinnamorati con lo stesso trasporto che viene rivolto a un amante”. Una passione che i giudici hanno sentito anche nei confronti di altri elaborati.

E la giuria è stata ancora più entusiasta quando ha saputo che la vincitrice era proprio una donna (fino all'ultimo i finalisti erano classificati secondo un numero identificativo per non condizionare la giuria, ndr).

Nei giorni nei quali si ricordano i 91 anni dall'assegnazione del Nobel per la letteratura a Grazia Deledda, unica donna in Italia ad aver ricevuto questo premio, il riconoscimento per il logo Nuoro2020 ad una giovane nuorese rende ancora più orgogliosi.

Manzoni nel consegnare la pergamena e l'assegno da mille euro alla vincitrice, ha spiegato le motivazioni che hanno portato alla scelta del logo, sottolineando che "prima di tutto è stata la descrizione data dall'autrice ad emozionare la giuria".

Manzoni ha raccontato come la giuria ha ritenuto che questo logo "potesse incarnare lo spirito della città, e racchiudere una serie di valori, rappresentare le nostre radici, la nostra tradizione ma essere anche un segno moderno, proiettato verso il futuro, aperto", ha detto Manzoni che ha poi spiegato anche la scelta del carattere precisando la volontà di dare alla scritta "Nùoro, capitale della cultura 2020": "Un carattere rigoroso, dove Nùoro campeggia con l'accento sulla ù perché vogliamo che anche in Continente venga pronunciato nel modo giusto".
Il simbolo del logo "è una spirale che rappresenta un inizio e mai una fine, e così spero che sia per la cultura nuorese, un punto di partenza. E quello di oggi è solo un inizio", ha raccontato Daria Canu.

Ad emozionarsi per le parole della vincitrice è stato anche il sindaco Andrea Soddu che ha proposto che il logo di Canu rielaborato da Manzoni diventi il simbolo ufficiale non solo della candidatura a Nuoro2020 ma anche della città e che sia affiancato al logo istituzionale. "Perché questa candidatura non è altro che un progetto di rilancio, di rilancio del Centro Sardegna, di questa nostra comunità territoriale, che non può ripartire se non con il concetto dell'apertura", ha detto il sindaco Andrea Soddu.

E così "il concorso di idee oltre a rappresentare un momento di condivisione è stata l'occasione per esaltare la vera funzione di un logo che è quella di raccontare la città, non solo quella vissuta ma anche quella percepita. E ci siamo affidati alla purezza e alla verginità creativa dei ragazzi, perché siamo convinti che erano loro a dover e poter rappresentare meglio la nostra Nuoro", ha commentato il vicesindaco Cocco.

Un compito agevolato dal lavoro della giuria, che come ha spiegato Fois, ha lavorato per "restituire a questa comunità quanto gli spetta. Perché io sono convinto", ha continuato lo scrittore nuorese, "che chiunque di noi debba a Nuoro molto di più di quanto Nuoro debba a loro". Perché la forza di Nuoro, ha continuato Elvira Serra, "è che rappresenta il luogo del cuore, quello nel quale ci rifugiamo quando siamo più deboli e al quale torniamo sempre per sentirci più forti".

"La realtà di questa città è che non ha un problema nel raccontarsi, ma ha il problema di rispecchiarsi nel proprio racconto", ha continuato Fois, ed è anche per questo che è nata l'idea di affidare ai giovani la realizzazione del logo Nuoro2020. "Ha vinto il fatto che è l'altra generazione che ci dice oggi come dobbiamo pensare il futuro di questa città", ha concluso Fois.