"Kouros of Miletus" - archaic sculpture of a young male nude, dating from the 6th century BC.

"Kouros of Miletus" - archaic sculpture of a young male nude, dating from the 6th century BC.

It exemplifies the aesthetics and ideals of ancient Greek art common in Archaic Greece in sanctuaries or cemeteries.

It is a classic representation of the ideal of beauty and physical perfection of male youth in Ancient Greece. The sculpture presents a young man with harmonious proportions, well-defined muscles and a rigid, hieratic pose. His facial expression is serene and impassive, reflecting the idealized conception of the Greek hero or athlete.

The style is marked by the influence of Egypt and Mesopotamia, as well as a concern to represent the human body in an idealized and symmetrical way. The sculpture is carved from marble, which highlights the artist's technical skill in working with this challenging material.

In addition to its aesthetic importance, it also has cultural and religious significance. Like many sculptures of this type, it probably served as a votive representation of a young man who had reached maturity, or as a tribute to a deceased hero or athlete. Its presence in sanctuaries and places of worship suggests an association with religious rituals and practices of veneration of the gods.

It is an emblematic piece, which illustrates the ideals of beauty, perfection and youth that were valued in ancient Greek culture. His influence can be seen in many other later Greek sculptures and artworks, and his presence continues to fascinate and inspire art admirers to this day.

source: The Kroisos Kouros, in Parian marble, found in Anavyssos (Greece), dating from circa 530 BC, now exhibited at the National Archaeological Museum of Athens.

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"Kouros de Mileto" - escultura arcaica de um jovem masculino nua, datada do século VI a.C. 

Exemplifica a estética e os ideais da arte grega antiga comuns na Grécia Arcaica em santuários ou cemitérios.

É uma representação clássica do ideal de beleza e perfeição física da juventude masculina na Grécia Antiga. A escultura apresenta um jovem com proporções harmoniosas, musculatura bem definida e uma pose rígida e hierática. Sua expressão facial é serena e impassível, refletindo a concepção idealizada do herói ou atleta grego.

O estilo é, marcado pela influência do Egito e da Mesopotâmia, bem como por uma preocupação em representar o corpo humano de maneira idealizada e simétrica. A escultura é esculpida em mármore, o que evidencia a habilidade técnica do artista em trabalhar com este material desafiador.

Além de sua importância estética, também tem significado cultural e religioso. Como muitas esculturas desse tipo, ele provavelmente servia como uma representação votiva de um jovem que havia alcançado a maturidade, ou como um tributo a um herói ou atleta falecido. Sua presença em santuários e locais de culto sugere uma associação com rituais religiosos e práticas de veneração aos deuses.

É uma peça emblemática, que ilustra os ideais de beleza, perfeição e juventude que eram valorizados na cultura grega antiga. Sua influência pode ser vista em muitas outras esculturas e obras de arte gregas posteriores, e sua presença continua a fascinar e inspirar admiradores da arte até os dias de hoje.

The work of renowned British archaeologist Woolley, and the excavations at the Royal Cemetery of Ur.

The work of renowned British archaeologist Woolley, and the excavations at the Royal Cemetery of Ur.

The discovery of the Royal Cemetery of Ur by Leonard Woolley in the years 1922 to 1934, is a significant milestone in the history of archeology and the understanding of Mesopotamian civilization.

Woolley, a renowned British archaeologist, led excavations of the ancient city of Ur, located in southern Mesopotamia (present-day Iraq), under the auspices of the British Museum and the University of Pennsylvania.

During his excavations, Woolley unearthed an impressive series of royal tombs dating back to the third millennium BC.

These tombs, richly ornamented and containing priceless artifacts, revealed an unprecedented insight into the culture and society of ancient Sumer.

Among the most notable discoveries were the tombs of Sumerian kings, such as the famous "Royal Tomb of Ur", which contained the remains of a queen known as Puabi, along with a treasure trove of jewels, gold and silver objects, and a series of human and animal sacrifices.

Woolley's excavations at the Royal Cemetery of Ur not only provided valuable insights into the religion, art, and funerary rituals of the ancient Sumerians, but also redefined our understanding of the complexity and sophistication of Mesopotamian civilization.

His discoveries contributed significantly to the study of ancient history and inspired later generations of archaeologists to continue exploring and unraveling the mysteries of the past.

Furthermore, Woolley's work at the Royal Cemetery of Ur also had a lasting impact on the development of archeology as a discipline, setting new standards for scientific research and the preservation of cultural heritage.

His legacy as a pioneering and visionary archaeologist continues to be celebrated today, and the discoveries he made at Ur remain eloquent testaments to the richness and complexity of Mesopotamian civilization.

image - detail:

Depth and with the presence of several stairs in which the dead were buried with their special jewelry and belongings.

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O trabalho renomado arqueólogo britânico Woolley, e as escavações no Cemitério Real de Ur.

A descoberta do Cemitério Real de Ur por Leonard Woolley nos anos 1922 a 1934, é um marco significativo na história da arqueologia e na compreensão da civilização mesopotâmica.

Woolley, um renomado arqueólogo britânico, liderou escavações antiga cidade de Ur, localizada no sul da Mesopotâmia (atual Iraque), sob os auspícios do Museu Britânico e da Universidade da Pensilvânia.

Durante suas escavações, Woolley desenterrou uma série impressionante de túmulos reais que datavam do terceiro milênio a.C. 

Esses túmulos, ricamente ornamentados e contendo artefatos de valor inestimável, revelaram uma visão sem precedentes da cultura e da sociedade da Suméria antiga. 

Entre as descobertas mais notáveis estavam os túmulos dos reis sumérios, como o famoso "Túmulo Real de Ur", que continha os restos mortais de uma rainha conhecida como Puabi, juntamente com um tesouro de joias, objetos de ouro e prata, e uma série de sacrifícios humanos e animais.

As escavações de Woolley no Cemitério Real de Ur não apenas forneceram insights valiosos sobre a religião, arte e rituais funerários dos antigos sumérios, mas também redefiniram nossa compreensão da complexidade e sofisticação da civilização mesopotâmica. 

Suas descobertas contribuíram significativamente para o estudo da história antiga e inspiraram gerações posteriores de arqueólogos a continuar explorando e desvendando os mistérios do passado.

Além disso, o trabalho de Woolley no Cemitério Real de Ur também teve um impacto duradouro no desenvolvimento da arqueologia como disciplina, estabelecendo novos padrões para a pesquisa científica e a preservação do patrimônio cultural. 

Seu legado como arqueólogo pioneiro e visionário continua a ser celebrado até hoje, e as descobertas que ele fez em Ur permanecem como testemunhos eloquentes da riqueza e complexidade da civilização mesopotâmica.

imagem - detalhe:

Aprofundidade e com a presença de várias escadas em que os mortos foram enterrados com suas joias especiais e seus pertences.

The walkway in San Marino that allows visitors to visit Kobra's work is an innovative and inspiring initiative that allows visitors to experience art in a unique and immersive way.

The walkway in San Marino that allows visitors to visit Kobra's work is an innovative and inspiring initiative that allows visitors to experience art in a unique and immersive way. Strategically located to offer a privileged view of Eduardo Kobra's mural, this walkway not only provides an opportunity to appreciate the beauty and impact of the artwork, but also creates an immersive experience that invites viewers to connect with it on a level deeper.

This walkway takes the experience of viewing urban art to a new level, allowing visitors to appreciate every detail of Kobra's work from different angles and perspectives. By walking the walkway and observing the art up close, viewers can truly feel part of the cityscape, while being enveloped by the energy and vitality of the work.

Link:     https://youtu.be/vVn1KY8Eei8

Furthermore, the walkway also functions as a meeting and interaction point, where people from different backgrounds and cultures can come together to enjoy art and share their experiences. It is a space of convergence and dialogue, where art serves as a common link that unites people and promotes a sense of community and belonging.

This initiative highlights the transformative potential of urban art as a tool to revitalize public spaces and create meaningful experiences for local communities and visitors. By integrating Kobra's work into San Marino's urban architecture through a dedicated walkway, the city demonstrates its commitment to promoting art and culture as essential elements to enrich urban life and inspire people's imagination.

About the work:

Kobra's work in San Marino is a vivid example of the transformative power of urban art and the ability to connect cultures and people through creativity. Eduardo Kobra, a renowned Brazilian street artist known for his colorful and vibrant works, was commissioned to create a mural in the city-state of San Marino, located in the heart of Italy.

The Kobra mural in San Marino is a stunning representation of the country's culture and history, depicting iconic elements of San Marino identity, such as its mountainous landscape and rich cultural heritage. Furthermore, the mural also pays homage to the principles of freedom and peace that are fundamental values for San Marino, the oldest republic in the world.

Kobra's artwork is not only a visually stunning piece, but also serves as a meeting point for locals and visitors, creating a space for interaction and dialogue around art and culture. It is an inspiring example of how urban art can revitalize public spaces and promote a sense of identity and community.

Furthermore, the presence of a work by Kobra in San Marino also contributes to the growing appreciation of urban art as a legitimate form of artistic expression, which deserves to be recognized and celebrated in all contexts. By bringing his art to San Marino, Kobra helps raise the city's profile as a cultural and tourist destination, while highlighting the importance of diversity and inclusion in the global arts scene.

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A passarela em San Marino que possibilita visitar a obra de Kobra é uma iniciativa inovadora e inspiradora que permite aos visitantes experimentar a arte de uma maneira única e envolvente. Localizada estrategicamente para oferecer uma vista privilegiada do mural de Eduardo Kobra, essa passarela não apenas proporciona uma oportunidade para apreciar a beleza e o impacto da obra de arte, mas também cria uma experiência imersiva que convida os espectadores a se conectarem com ela em um nível mais profundo.

Essa passarela eleva a experiência de contemplar a arte urbana a um novo patamar, permitindo que os visitantes apreciem cada detalhe da obra de Kobra de diferentes ângulos e perspectivas. Ao caminhar pela passarela e observar a arte de perto, os espectadores podem sentir-se verdadeiramente parte da paisagem urbana, enquanto são envolvidos pela energia e vitalidade da obra.

Além disso, a passarela também funciona como um ponto de encontro e interação, onde pessoas de diferentes origens e culturas podem se reunir para apreciar a arte e compartilhar suas experiências. É um espaço de convergência e diálogo, onde a arte serve como um elo comum que une as pessoas e promove um senso de comunidade e pertencimento.

Essa iniciativa destaca o potencial transformador da arte urbana como uma ferramenta para revitalizar espaços públicos e criar experiências significativas para as comunidades locais e os visitantes. Ao integrar a obra de Kobra à arquitetura urbana de San Marino por meio de uma passarela dedicada, a cidade demonstra seu compromisso com a promoção da arte e da cultura como elementos essenciais para enriquecer a vida urbana e inspirar a imaginação das pessoas.

Sobre a obra:

A obra de Kobra em San Marino é um exemplo vívido do poder transformador da arte urbana e da capacidade de conectar culturas e pessoas através da criatividade. Eduardo Kobra, um renomado artista de rua brasileiro conhecido por suas obras coloridas e vibrantes, foi comissionado para criar um mural na cidade-Estado de San Marino, localizada no coração da Itália.

O mural de Kobra em San Marino é uma representação impressionante da cultura e história do país, retratando elementos icônicos da identidade sanmarinense, como sua paisagem montanhosa e sua rica herança cultural. Além disso, o mural também presta homenagem aos princípios de liberdade e paz que são valores fundamentais para San Marino, a mais antiga república do mundo.

A obra de arte de Kobra não é apenas uma peça visualmente deslumbrante, mas também serve como um ponto de encontro para moradores locais e visitantes, criando um espaço de interação e diálogo em torno da arte e da cultura. É um exemplo inspirador de como a arte urbana pode revitalizar espaços públicos e promover um senso de identidade e comunidade.

Além disso, a presença de uma obra de Kobra em San Marino também contribui para a crescente valorização da arte urbana como uma forma legítima de expressão artística, que merece ser reconhecida e celebrada em todos os contextos. Ao trazer sua arte para San Marino, Kobra ajuda a elevar o perfil da cidade como um destino cultural e turístico, ao mesmo tempo em que destaca a importância da diversidade e da inclusão na cena artística global.

Vladimir Vladimirovich Mayakovsky was one of Russia's most influential poets of the 20th century.

Vladimir Vladimirovich Mayakovsky was one of Russia's most influential poets of the 20th century.

collaboration: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας

Born in 1893 to a working-class family in Georgia, Mayakovsky grew up amid the political turmoil and cultural transformations that marked pre-revolutionary Russia.

His poetry was marked by audacious and experimental language, which defied literary conventions. He was one of the main exponents of Russian Futurism, an artistic and literary movement that sought to break with the traditions of the past.

Throughout his career, Mayakovsky produced a wide variety of works, including poetry, plays, essays, and political manifestos. His best-known works include "Ode to the Revolution", "The Nape of a Woman", "Afflicted", among others.

His poems often addressed themes such as love, politics, revolution, and were characterized by a strong sense of passion and commitment to his convictions.

He struggled with the tension between his art and the need to align with the demands of the communist regime.

His poetry has influenced generations of writers and artists, and his voice continues to resonate as a symbol of artistic courage and commitment to social change. His work remains a powerful testimony to Russian literature.

The poem:

"The boat of love broke apart in the routine", written by Vladimir Vladimirovich Mayakovsky, is a poetic expression of the disappointment and loss that accompanies the end of a romantic relationship.

Mayakovsky describes the breakdown of love as something that occurs not only because of conflicts or disagreements, but also because of the lack of vitality and novelty that routine brings.

The image of the broken boat can be interpreted as a symbol of the fragility of human bonds and the vulnerability of human emotions in the face of the pressures of everyday life.

image source: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας

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Vladimir Vladimirovich Mayakovsky foi um dos mais influentes poetas da Rússia do século XX.

colaboração: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας

Nascido em 1893 em uma família trabalhadora na Geórgia, Mayakovsky cresceu em meio à agitação política e às transformações culturais que marcaram a Rússia pré-revolucionária.

Sua poesia era marcada por uma linguagem audaciosa e experimental, que desafiava as convenções literárias. Ele foi um dos principais expoentes do Futurismo Russo, um movimento artístico e literário que buscava romper com as tradições do passado.

Ao longo de sua carreira, Mayakovsky produziu uma grande variedade de obras, incluindo poesia, peças de teatro, ensaios e manifestos políticos. Suas obras mais conhecidas incluem "Ode à Revolução", "A Nuca da Mulher", "Aflitos", entre outras. 

Seus poemas frequentemente abordavam temas como amor, política, revolução, e eram caracterizados por um forte senso de paixão e compromisso com suas convicções.

Ele lutou com a tensão entre sua arte e a necessidade de se alinhar com as exigências do regime comunista. 

Sua poesia influenciou gerações de escritores e artistas, e sua voz continua a ressoar como um símbolo da coragem artística e do compromisso com a mudança social. Sua obra permanece como um testemunho poderoso para a literatura russa.

O poema:

"A barca do amor se despedaçou na rotina", escrito por Vladimir Vladimirovich Mayakovsky, é uma expressão poética da desilusão e da perda que acompanham o fim de um relacionamento amoroso. 

Mayakovsky descreve o colapso do amor como algo que ocorre não apenas por causa de conflitos ou desavenças, mas também devido à falta de vitalidade e novidade que a rotina traz.

A imagem da barca quebrada pode ser interpretada como um símbolo da fragilidade dos laços humanos e da vulnerabilidade das emoções humanas diante das pressões da vida cotidiana.

fonte da imagem: Νεκτάριος Ζαρκαδούλας

Gervane de Paula: how good it is to live in Mato Grosso, Brazil.

Gervane de Paula: how good it is to live in Mato Grosso, Brazil.

Gervane de Paula's first solo exhibition at an institution in São Paulo covers the artist's 40-year career, which questions the sociopolitical issues of the Brazilian Center-West. His initial paintings, self-portraits and critical works about the experience of life in Mato Grossense are included in the exhibition. Works such as Mapa, from 2016 and Black Panther, from 2023, can be seen for the first time.

In the exhibition, scenes from Cuiabá and the artist's first paintings can be seen by the public in works that span the period from 1979 to 1983. The Araés neighborhood, where Gervane's studio is located, is represented in images of conviviality and parties. In addition, scenes with mango and cashew trees and paintings depicting fishing and mining are present.

One of the three galleries in the exhibition brings together self-portraits and paintings from the 1980s, a time when his work formally transformed and acquired graphic contours.

In the next room there are works that explore Gervane's relationship with other artists, such as paintings created based on characters by the painter Phillip Guston, a large portrait of the artist Leda Catunda, created in the 1980s. Also part of this group are works such as Bomba homemade (2002) and Black artist, white gallerist (2018).

The third and final gallery of the exhibition brings together a set of works created from the 2000s onwards as a testimony to the experiences of conflict and violence in the Central-West. Incorporating new languages into his work, Gervane creates installations, sculptures, photographs and paintings that explore themes such as police violence, increased deforestation and fires in the Pantanal, the indiscriminate use of pesticides and drug trafficking.

About Gervane de Paula

Gervane de Paula (Cuiabá, Mato Grosso, 1961) is an artist who produces in different languages and supports, working with painting, sculpture and installations. His work has a deep relationship with ecosystems and experience in the region in which he lives. The cerrado, forest and wetland are objects of reflection for its production.

Scenes from everyday life and works of a critical nature permeate Gervane's work, which gained recognition outside Cuiabá in 1982, when he exhibited for the first time at the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro, in the collective exhibition “Brazil/Cuiabá: Pintura Cabocla” , organized by cultural critic Aline Figueiredo.

Location: Pinacoteca Luz (2nd floor)

Date: from March 23, 2024 to September 1, 2024

Address: Praça da Luz, 2, São Paulo — SP.

Opening hours: Wednesday to Monday, 10am to 6pm. Thursdays with extended opening hours B3 at Pina Luz, from 10am to 8pm (free from 6pm).

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Gervane de Paula: como é bom viver em Mato Grosso, Brasil.

Primeira mostra individual de Gervane de Paula em uma instituição paulista faz recorte dos 40 anos de carreira do artista, que questiona as problemáticas sociopolíticas do Centro Oeste brasileiro. Suas pinturas iniciais, autorretratos e trabalhos de cunho crítico sobre a experiência da vida Mato Grossense são contemplados na exposição. Obras como Mapa, de 2016 e Pantera negra, de 2023, podem ser vistas pela primeira vez.

Na mostra, cenas de Cuiabá e as primeiras pinturas do artista podem ser vistas pelo público em trabalhos que compreendem o período de 1979 a 1983. O bairro do Araés, onde está o ateliê de Gervane, está representado em imagens de convívio e festa. Além disso, cenas com mangueiras e cajueiros e pinturas que retratam a pesca e mineração estão presentes.

Uma das três galerias da exposição reúne autorretratos e pinturas da década de 1980, época que seu trabalho transforma-se formalmente e adquire contornos gráficos.

Na  sala seguinte estão trabalhos que exploram a relação de Gervane com outros artistas, como pinturas realizadas a partir dos personagens do pintor Phillip Guston, um retrato de grandes dimensões da artista Leda Catunda, realizado nos anos 1980. Também fazem parte desse núcleo trabalhos como Bomba caseira (2002) e Artista negro, galerista branca (2018).

A terceira e última galeria da mostra reúne um conjunto de obras criadas a partir da década de 2000 como testemunho das experiências de conflito e violência no Centro-Oeste. Incorporando novas linguagens em seu trabalho, Gervane cria instalações, esculturas, fotografias e pinturas que exploram temáticas como a violência policial, aumento do desmatamento e queimadas no Pantanal, o uso indiscriminado de agrotóxicos e o tráfico de drogas.

Sobre Gervane de Paula

Gervane de Paula (Cuiabá, Mato Grosso, 1961)  é um artista que produz em diferentes linguagens e suportes, trabalhando com pintura, escultura e instalações. Sua obra tem profunda relação com os ecossistemas  e experiência na região em que vive. O cerrado, a floresta e o pantanal são objetos de reflexão para sua produção.

Cenas da vida cotidiana e obras de cunho crítico permeiam o trabalho de Gervane, que ganhou projeção fora de Cuiabá em 1982, quando expos pela primeira vez no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, na mostra coletiva “Brasil/Cuiabá: Pintura Cabocla”, organizada pela crítica cultural Aline Figueiredo.

Local: Pinacoteca Luz (2º andar)

Data: de 23 de março de 2024 até 1 de setembro de 2024

Endereço: Praça da Luz, 2, São Paulo — SP.

Horário de funcionamento: de quarta a segunda, das 10h às 18h. Quintas-feiras com horário estendido B3 na Pina Luz, das 10h às 20h (gratuito a partir das 18h).