Fashion may be art, but does it belong in a museum? --- Moda pode ser arte, mas de museu?

NEW YORK — There is a torrent of color. A rainbow of hues. A virtual ode to pink. The most striking aspect of the Isaac Mizrahi exhibition, on view at the Jewish Museum through Aug. 7, is the fashion designer’s effusive embrace of orange, grass green, teal and, of course, pink. Before visitors get to the clothes, the sketches or the videos detailing Mizrahi’s success, which most will recall as a starring role in “Unzipped,” they are introduced to his nearly obsessive desire to collect every possible hue in the rainbow in bits of wool, silk and cotton. Examples of his fabric-swatch collection, which he neatly stores in slim boxes, are tacked to the walls of the exhibition’s opening gallery. The effect is akin to walking into a room-size kaleidoscope, and the inevitable response is emotional rather than intellectual. The color makes you smile.

Is that reason enough for a museum to mount “Isaac Mizrahi: An Unruly History”? Does that make it art?

The Mizrahi show arrives at the same time as a new documentary about a blockbuster fashion exhibition, as well as another new upcoming costume installation in the works, and all three make arguments about why fashion is embraced by museums: It is beautiful. It has cultural significance. It is a hub of creative experimentation.

But is fashion art? The answer is, perhaps: It doesn’t matter.

Mizrahi began his fashion career in 1987 when he launched his namesake brand and began to delight audiences with a host of innovations that only now, all these years later, serve as evidence of just how prescient he was. Mizrahi mixed his lavishly embroidered, high-end creations with simple T-shirts and inexpensive sweaters that he created for Target. Today it’s common for fancy designers to create one-off collections for mass marketers. But at the time when Mizrahi did it, designing for a lowbrow retailer was viewed as perilous — a move that would surely peel away the gloss from the runway collection and lead to a designer being cast out of fashion’s inner circle. Instead, Mizrahi enlarged that circle.

Before Miguel Adrover made frocks from discarded mattresses and Vetements made DHL T-shirts chic, Mizrahi was inspired by freight elevator pads, re-creating them in silk and stitching them into an evening gown. He stared down political correctness with his totem-pole dress — a postmodern, hand-embroidered celebration of multiculturalism that today would surely churn up cries of appropriation.

Isaac Mizrahi’s colorful sketches. (Courtesy of the Jewish Museum)

There are ballgowns in bright blue lumberjack plaid and his “Baby Bjorn” ballgown — a full-skirted red satin dress that comes with a matching baby carrier. There are wry jokes and elegant nods to pragmatism, but mostly the exhibition celebrates the pleasure of clothes, and that is enough to sustain a visitor through a handful of galleries punctuated by Mizrahi’s charming sketches and snippets of his cameos on television and in film.

Maybe that’s enough. If Jeff Koons’s “Puppy,” a giant terrier made of flowers, evoking more joy than gravitas, can land in the Guggenheim Museum Bilbao, there’s no reason Mizrahi can’t qualify for museum status.

The subject of “The First Monday in May” is the lead-up to the annual Costume Institute exhibition at the Metropolitan Museum of Art. There are astonishingly beautiful garments, but the essence of the film, which opened last week, is how it chronicles the physical labor and the mental fortitude that were required to mount “China: Through the Looking Glass,” which set a new bar for the number of visitors to one of the museum’s fashion exhibitions.

[The fantasy of China: Why the new Met exhibition is a big, beautiful lie]

While it also explored the planning for the accompanying gala, with all the stresses of seating charts and high-maintenance guests — at least one of whom tends to spend too much time on his cellphone at such events — the heart of the film is curator-in-charge Andrew Bolton, who lovingly and a bit obsessively tends to the clothes and navigates museum politics and cultural land mines.

Andrew Bolton in the documentary “The First Monday in May.” (Magnolia Pictures)

The intellectually compelling film explores the museum’s uncomfortable relationship with fashion. But instead of making a dogged argument that fashion is art, it focuses on the power of fashion to unite two disparate cultures — China and the West, whose designers are inspired by the fables, cliches and romance of a country some of them barely know. Museums are a home for cultural debate, that much is certain, and fashion is portrayed as a facilitator of it.

Bolton will once again position fashion in a wider context with the upcoming “Manus x Machina: Fashion in the Age of Technology,” which opens to the public May 5. It will explore the tension between garments made by hand and those made by machine, between haute couture and ready-to-wear. Which is better? “Proponents of the hand see it as symbolic of exclusivity, spontaneity and individuality, while opponents see it as symbolic of elitism, the cult of personality, and a detrimental nostalgia for past craftsmanship,” Bolton remarked earlier this year during a preview of the exhibition. “Proponents of the machine see it as symbolic of progress, democracy and mass production, while opponents see it as symbolic of inferiority, dehumanization and one-dimensionality.”

Iris van Herpen, laser-cut silicone feathers on cotton. (Nicholas Alan Cope/Courtesy of the Metropolitan Museum of Art)

Yves Saint Laurent, Bird of Paradise feathers on silk gauze. (Nicholas Alan Cope/Courtesy of the Metropolitan Museum of Art)

The goal will be to envision the ways in which man and machine work jointly: solving problems, improving design and moving the fashion conversation forward. No wonder that Apple, which forever altered how humans interact, is sponsoring the exhibition.

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Some of the garments are breathtaking. Others are unnerving. Some of them, such as those by Dutch designer Iris van Herpen, are both. She is best known for her use of 3-D printing and her ability to capture our biology and our humanity in silicone, latex and plastic.

[Iris van Herpen’s astonishing designs don’t look like ‘clothes.’ They look like the future.]

Raf Simons for Dior, hand-pleated dress. (Nicholas Alan Cope/Courtesy of Christian Dior and the Metropolitan Museum of Art)

Flying saucer dress by Issey Miyake. (Nicholas Alan Cope/Courtesy of the Issey Miyake Foundation and the Metropolitan Museum of Art)

Museums have come to love fashion exhibitions. They draw crowds, attracted by the clothes’ beauty, as well as their emotional accessibility. After all, we don’t just admire or discuss fashion. We wear it. “Manus x Machina” will test whether audiences feel as profound a connection to an exhibition that questions the importance of the human touch in shaping the clothes that, in turn, help us define ourselves. Fashion may — or may not — be art, but that might also be too narrow a characterization.

Fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

https://www.washingtonpost.com/news/arts-and-entertainment/wp/2016/04/26/fashion-may-be-art-but-does-it-belong-in-a-museum/

Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.

A cultura é o único antídoto que existe contra a ausência de amor

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Moda pode ser arte, mas de museu?

Três eventos apresentam argumentos favoráveis: a moda é bonita; tem significado cultural; é uma explosão de experimentação criativa

Exposição "Isaac Mizrahi: An Unruli History" (Issac Mizrahi: uma história sem regras)

Uma enxurrada de cores. Um arco-íris de matizes. Uma ode ao rosa... O que mais impacta na exposição de Isaac Mizrahi, no Jewish Museum, até 7 de agosto, é a efusiva adoção pelo estilista das cores laranja, verde-grama, verde-azulado e, claro, rosa. Antes que cheguem às roupas, aos desenhos ou aos vídeos detalhando o sucesso de Mizrahi, de quem a maioria vai se lembrar pelo documentário Unzipped, os visitantes são apresentados à quase fanática obsessão do designer em fixar na lã, seda e algodão todos os tons possíveis do arco-íris. Amostras de seus tecidos, que ele guarda cuidadosamente em pequenas caixas, estão afixadas nas paredes da galeria de entrada da exposição. A sensação deve ser parecida com a de se entrar num caleidoscópio do tamanho de um quarto. A inevitável resposta é mais emocional que intelectual – cores fazem sorrir. Mas será que isso é motivo bastante para um museu montar a "Isaac Mizrahi: An Unruli History" (Issac Mizrahi: uma história sem regras)? Faz do trabalho de Mizrahi uma arte?

A mostra de Mizrahi coincide com um novo documentário sobre uma exposição de moda arrasadora e o preparo de uma próxima instalação com o tema roupas. Os três eventos apresentam argumentos favoráveis à adoção da moda pelos museus: a moda é bonita; tem significado cultural; é uma explosão de experimentação criativa. 

Mas é arte? A resposta é “talvez”. E não importa. 

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Mizrahi iniciou sua carreira de modista em 1987, quando lançou a marca com seu nome e começou a encantar o público com uma avalanche de inovações que só agora, tantos anos depois, evidenciam quanto ele era presciente. Mesclou suas criações extravagantes, detalhistas, de alto nível, às camisetas e suéteres populares que criou para a Target. Hoje é comum estilistas sofisticados criarem coleções específicas para o mercado de massa. Mas quando Mizrahi fez isso a prática era vista como perigosa, podendo esvaziar a coleção principal do estilista e tirá-lo do exclusivo círculo da moda. Mizrahi, porém, ampliou esse círculo. 

Antes de Miguel Adrover fazer vestidos de panos de colchões descartados e da Vetements estabelecer que camisetas com o logo da DHL eram chiques, Mizrahi já se inspirava em desenhos de painéis protetores de elevadores de carga para fazer vestidos de noite de seda. Ele também enfrentou o politicamente correto com seu vestido inspirado em totens indígenas – uma celebração pós-moderna e artesanal do multiculturalismo que hoje certamente provocaria gritos de indignação. 

A exposição tem ainda vestidos de baile de um brilhante “azul-lenhador” e o vestido “baby-bjorn” – traje de noite em cetim vermelho que vem com um dispositivo “canguru” de carregar bebê. Alguns trajes são apenas cômicos, outros elegantemente pragmáticos. Na maior parte, a exposição celebra o prazer das roupas, e isso basta para justificar o percurso através das várias galerias pontuadas por charmosos esboços de Mizrahi e fragmentos de seu trabalho tirados de filmes e da televisão. 

Talvez isso baste. Se o "Puppy " de Jeff Koons – um cão terrier gigante feito de flores que evoca mais a alegria que a seriedade – pôde aterrissar no Museu Guggenheim, de Bilbao, não haveria razão para que a obra de Mizrahi não ganhasse status de museu. 

O tema de "The First Monday in May" (Primeira segunda-feira de maio) é a mostra anual do The Costume Institute (Instituto da Moda) do Metropolitan Museum of Art (MET). Há acessórios estonteantemente belos, mas a essência do filme, que estreou na semana passada, é o trabalho físico e a força mental exigidos para montar "China: Through the Looking Glass" (A China vista de binóculos), que estabeleceu um novo padrão no número de visitantes de uma das exposições de moda do museu. O coração do filme é o curador Andrew Bolton, que, amorosa e obsessivamente, cuida das roupas e navega através das armadilhas culturais e políticas do museu. O filme, intelectualmente convincente, explora a desconfortável relação do museu com a moda. Mas, em vez da obsessiva discussão sobre se moda é arte, prefere focar no poder da moda para unir duas culturas díspares – a China e o Ocidente. 

Bolton vai novamente posicionar a moda num contexto mais amplo com a próxima exposição"Manus x Machina: Fashion in the Age of Technology" (A mão contra a máquina: a moda na era da tecnologia), que será aberta ao público nesta quinta-feira, 5. A mostra explora a tensão entre acessórios feitos à mão e industrializados. Quais são os melhores? 

Museus passaram a adorar exposições de moda. Elas chamam multidões, atraídas pela beleza das roupas e por sua carga emocional. Afinal, não apenas admiramos e discutimos moda: nós a usamos. "Manus x Machina" vai testar como o público reage a uma mostra que questiona a importância do toque humano na confecção de roupas que, por sua vez, nos ajudam a nos definir. 

A moda pode – ou não – ser arte. Mas isso talvez seja também uma caracterização limitada demais.

Tradução de Roberto Muniz