Vito Acconci once told Marc Santo in an interview for Revel that the “architecture of the future is going to be a mobile architecture.” But if you look at the work of the late Alexander Calder—who currently has 36 sculptures on view in the show “Calder: Hypermobility” at the Whitney—it’s pretty obvious that the future has been around for a while.
Calder with the frame for Snake and the Cross (1936) in his New York City
storefront studio, winter 1936. Calder Foundation, New York /
Art Resource, NY. Photograph by Herbert Matter. © ARS, NY
Calder was a revolutionary with mass appeal. He played the materiality of sculpture in three dimensions against the immateriality of weightless objects suspended in the air. A favorite gambit of his was to take inanimate objects and place them in motion. The sculptures on view remind us that he kept trying, and kept coming up with new ways of doing this.
The Whitney show isn’t systematic. There’s not enough work on view for that, although the Whitney does own more Calders than any other museum. Yet the exhibition still takes you through a few common languages in art to see what Calder shared with his peers (or seemed to share) and how he departed from those shared elements toward a greater simplicity or mobility or just a greater leap of the imagination. Those peers included Alberto Giacometti, Joan Miro, Marcel Duchamp (who coined the term mobiles for Calder’s moving sculptures), Louie Bourgeois, and more.
You find yourself thinking of Miro or even of Henri Matisse’s later cut-outs when Calder suspends nautical objects in the air in Sea Scape (1947) or when the oversized snowflakes in Blizzard (Roxbury Flurry) spin in two directions on two axes, thanks to prodding from a Whitney art handler the museum calls an “activator.” (Calder-Miro affinities can also been seen center-stage in “Calder/Miro: Constellations” at Pace Gallery on 57th Street through June 30.)
You might also think of Frank Gehry when Calder uses metal as fabric in Snake and the Cross (1936), a pairing of iconic forms that wanders into the space between two and three dimensions.
When the works in “Hypermobility” are motionless, we get a silent harmony that seems to defy engineering logic. When the works move, it seems proper to steal the description ballets mecaniques, a title coined for an earlier work by Fernand Leger.
And when the sculptures are “motorized”—the term that Calder used for works in which elements moved with the help of motors—movement brings enchantment to constructions that seem awkward when they just stand there.
You can see this in Machine Motorisee (1933), two vaguely organic wooden shapes that look like Calder found them around Stonehenge, and which whirl into a courtship dance in slow motion; all of a sudden, two forms and one sculpture have a narrative.
Another moving sculpture that visitors to the show will see is Half-Circle, Quarter-Circle and Sphere (1932), across the gallery, a metal sphere on a red rod alongside another thin rod bent into two sections of a circle’s perimeter. When those elements move, it’s animation, which was just taking off with the public around the time that Calder made the work.
“Calder: Hypermobility” will be a popular show, if not for the sheer imagination on view, then for the activator who moves in a chimney-sweep’s coat to keep the motion going when there’s no motor to do it.
That’s a fun kid-friendly novelty, yet what’s enduring about these inanimate sculptures is the life that Calder placed inside them. But don’t worry, they won’t follow you down the stairs.
“Calder: Hypermobility” is on view at the Whitney Museum of American Art through October 23.
fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti
Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir.
A cultura e o amor devem estar juntos.
Vamos compartilhar.
Culture is not what enters the eyes and ears,
but what modifies the way of looking and hearing.
--br via tradutor do google
O inventor do artista: Whitney Museum explora as muitas formas de Calder.
Vito Acconci disse uma vez a Marc Santo em uma entrevista para a Revel que a "arquitetura do futuro será uma arquitetura móvel". Mas se você olhar para o trabalho do falecido Alexander Calder - que atualmente tem 36 esculturas em exibição no show "Calder: Hypermobility" no Whitney - é bastante óbvio que o futuro existe há algum tempo.
imagem
Calder com o quadro para Snake and the Cross (1936)
em seu estúdio da loja de New York City, inverno de 1936. Fundação Calder, Nova York /
Art Resource, NY. Fotografia de Herbert Matter. © ARS, NY
Calder foi revolucionário com um apelo de massa. Ele jogou a materialidade da escultura em três dimensões contra a imaterialidade de objetos sem peso suspensos no ar. Um dos seus gambitos favoritos era pegar objetos inanimados e colocá-los em movimento. As esculturas em vista nos lembram que ele continuou tentando, e continuou com novas maneiras de fazer isso.
O programa Whitney não é sistemático. Não há trabalho suficiente para isso, embora o Whitney possua mais Calders do que qualquer outro museu. No entanto, a exposição ainda leva você através de algumas linguagens comuns na arte para ver o que Calder compartilhou com seus pares (ou parecia compartilhar) e como ele se afastou desses elementos compartilhados para uma maior simplicidade ou mobilidade ou apenas um maior salto da imaginação. Esses colegas incluíram Alberto Giacometti, Joan Miro, Marcel Duchamp (que inventou o termo móveis para as esculturas móveis de Calder), Louie Bourgeois e muito mais.
Você está pensando em Miro ou mesmo nos recortes posteriores de Henri Matisse quando Calder suspende objetos náuticos no ar no Sea Scape (1947) ou quando os flocos de neve sobredimensionados em Blizzard (Roxbury Flurry) giram em duas direções em dois eixos, graças a Impulso de um manipulador de arte de Whitney, o museu chama um "ativador". (As afinidades de Calder-Miro também podem ser vistas no centro de "Calder / Miro: Constelações" na Pace Gallery na 57th Street até 30 de junho).
Você também pode pensar em Frank Gehry quando Calder usa metal como tecido em Snake and the Cross (1936), um emparelhamento de formas icônicas que vagueiam no espaço entre duas e três dimensões.
Quando as obras em "Hipermobilidade" estão imóveis, obtemos uma harmonia silenciosa que parece desafiar a lógica de engenharia. Quando as obras se movem, parece apropriado roubar a descrição ballets mecaniques, um título cunhado por um trabalho anterior de Fernand Leger.
E quando as esculturas são "motorizadas" - o termo que Calder usou para obras em que os elementos se moviam com a ajuda de motores - o movimento traz encantamento às construções que parecem estranhas quando apenas ficam ali.
Você pode ver isso em Machine Motorisee (1933), duas formas de madeira vagamente orgânicas que se parecem com Calder encontrou-os em torno de Stonehenge e que se transformam em uma dança de namoro em câmera lenta; De repente, duas formas e uma escultura têm uma narrativa.
Outra escultura em movimento que os visitantes do show verá é Half-Circle, Quarter-Circle e Esfera (1932), em toda a galeria, uma esfera de metal em uma haste vermelha ao lado de outra barra fina dobrada em duas seções do perímetro de um círculo. Quando esses elementos se movem, é a animação, que foi apenas decolar com o público em torno do tempo que Calder fez o trabalho.
"Calder: Hypermobility" será um show popular, se não pela imaginação pura em vista, então para o ativador que se move no casaco de uma chaminé para manter o movimento em movimento quando não há motor para fazê-lo.
Essa é uma novidade divertida para crianças, mas o que é duradouro sobre essas esculturas inanimadas é a vida que Calder colocou dentro delas. Mas não se preocupe, eles não vão segui-lo descendo as escadas.
"Calder: Hypermobility" está em exibição no Whitney Museum of American Art até 23 de outubro.
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